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Memories arrested in space with Chun Mi-Jin

Published by alixdeboisset

Chun Mi-Jin, South Korean born artist, who currently lives in Genoa, Italy, has a background majoring in painting in Korea. After studying Fine Art at Hong-ik University, Seoul, South Korea, she flew to Germany and continued to study architecture at the German University of Stuttgart and worked as an architect in Germany. After ten years living in Germany, then she moved to Italy with her family where she is now focusing on three-dimensional works and paintings. Her work (Con-creARte) has been exhibited at SaloneSatellite in Milan, Italy and published in various magazines.

With this multicultural background, she focuses on architectural fine art and pictorial spatiality. The important elements in her work are unconscious space, form and color. Chun expresses architectural structural geometric forms and free, accidental and spontaneous expression techniques of painting on canvas at the same time. Combinations of contrast and contradictory perspectives, she drives to create new relationships and artistic values.

1. Do you consider yourself as an emerging artist in contemporary art ?

Chun Mi-Jin : Well… That’s a very interesting question. I had been working in the field of architecture for a long time, then only recently I have been painting again. As it has only been a while since my new artwork, I can say I’m a rookie, but I can’t call myself as a rising start. I am ready to show more.

2. How would you describe your style ?

Chun Mi-Jin : My style is transparent, mysterious, delicate, intense, structured and glamorous. And it’s spatial.

3. Tell us about your experience…

Chun Mi-Jin : I originally came from South Korea, studied in painting at Hongik University, Seoul. After my graduation, I went to Germany to study a new field and admitted to the architecture school at the Kunst Academy in Stuttgart, Germany. After completing the Diploma, I worked at a German architecture firm. Since I have married, I moved to Italy to live as a mother of two beautiful children. As I did not wish to work in an organisation any longer, I personally presented my art furniture, Concrete Art, at Satelite at the Milan Design Fair. I had wanted to work on a bigger scale, however, with the COVID 19 pandamic situation, everything had to stop abruptly, I picked up a brush and started painting again. I believe the crisis generated another opportunity. At a time when everything was secluded and isolated all around the world, I decided to listen to my inner voice. I want to express something inside of me in a way that I am good at.

4. What led you to painting ?

Chun Mi-Jin : I am looking for a metaphysical medium that releases my inner energy. They are not perfect when they are expressed in any spoken or written form in my perspective. However, it is so beautiful and mysterious to use material tools to produce metaphysical and abstract forms. Such synergy effect is the energy of my life.

5. Does your South-Korean roots influence your vision of nature ?

Chun Mi-Jin : Of course. The scent of my hometown where I was born and raised, the texture of the wind, and the sunlight are still vividly remembered even though it has been 19 years since I left my home country. The Korean culture and their unique emotional aspects are very important factors of my work. I try to reflect the beauty of Korea’s colour, especially the soft, elegant, natural, and solid Korean artworks that are not flashy. In particular, I get a lot of inspiration from the colours of Hanbok, the traditional Korean clothing, and the structural beauty of old buildings.

6. Do you remember your first souvenir with art ?

Chun Mi-Jin : When I studied painting in my middle school, an art teacher who majored in ceramics gave me a ceramic necklace which was made by herself. The brilliant colour and the material of the ceramic necklace, which was coloured by melting glass of ceramic, is still vividly remembered. I still keep it at home. Its transparent but hardness of the glazing glass-ceramic is so mesmerizing. This artistic experiences during my youth seem to be reflected in my current work elements.

7. Which artists inspire you ?

Chun Mi-Jin : Contemporary artists such as William De Kooning, James Turrell, Katarina Grosse, Julie Mehretu, Louise Bourgeois, John Chamberlain, Park Seo-Bo and classical artists including Monet and Chagall, are those who inspire me most. On top of this, classical and modern architecture, nature documentaries, and classical music also give much influence to my artworks.

8. What mission do you paint ?

Chun Mi-Jin : I would like to show the shape of emotion. Recording human emotions, sublimating them into a form, and showing them as an artwork. It is so-called ‘Record feeling’. Also I want to show how it affects people and would like to investigate the form of emotion. It is not easy to express things that cannot be seen and cannot be grasped, but the journey of finding its answer is very fascinating.

9. Your work is mesmerising, what do you think ?

Chun Mi-Jin : I am so glad to hear that there are those who like my work. Artists usually spend most of their time alone in the studio in solitude, intensely immersed in the work or doing research for the next project. Sometimes, these times make them very lonely and difficult to cope with. But it’s definitely worth it.

When the artwork comes out from these hardships and the outcome is at satisfactory level, I am all over the moon. Besides, having audience who appreciates and acknowledges my work would be the happiest thing in my life.

10. What would you like to pass on to the future generations ?

Chun Mi-Jin : I would like to say that the next future generation should move their eyes away from the frame of smartphone. As younger generation spend their time a lot on their mobile phones, I would like to deliver this message to teenagers and people in their twenties, especially at a time when their sensitivity is being developed. I would like to say to focus on the present with five senses to enjoy the world and to listen to the sounds and echoes of the nature and the people around you. Also, I would like people to listen to their inner voice and cherish the present moment. This is the message that I would like to convey.

11. How did you first begin to develop your unique style ?

Chun Mi-Jin : I have been thinking an idea for a long time, in order to express the after-images of my memories in space and to show condensed emotions on the canvas. These emotions are very complex, nuanced, heterogeneous, contradictory, yet implicit. In the meaning of overlapping multiple emotions, the colours and shapes are layered on top of each other. The beauty of overlapping was inspired by drawing architectural drawings by hand on tracing paper. This is the starting point of starting my current work, which I did by overlapping, tearing, and pasting using various colours instead of single-colour pens. This architectural thinking always gives me a lot of inspiration so that I can try new things.

12. What can you tell us about your painting process ?

Chun Mi-Jin : First, I prepare a canvas and clear my mind while listening to my favorite music. I usually listen to classical and jazz music. I try to start my work with good spirit. Whenever I see a new white canvas, I have a mixed feeling which combines excitement and calmness, I believe any artist would feel in a same way though. I prefer to work with water-soluble paints. It fits well with my tendencies. With a couple of deep breath in front of my canvas, I start to work on colour. Sometimes, I start to draw a few small drawings or try to make small objects beforehand. These motifs lead to my canvas works. While I work on my project, in many cases, there are many changes coincidentally. This accidental expression can change the atmosphere or form of colour. These accidental effects make my work richer. I want to maximize the synergy effect that occurs when the improvisation and the original idea meet.

13. What are your favourite tools and materials for working ?

Chun Mi-Jin : My favourite ingredient is water. I like to use materials which is related to water. In general, water-soluble paints and materials are mostly used in my work. As I live close to the beach, I get interesting ingredients from the beach, such as round shaped sea stones from the Tiguglio sea which are carved by the waves and tree branches that have been floated into the water from afar. Drawing with these natural materials gives me good energy in my work, which makes me mentally rich and care free.

14. As an artist, what is your vision of the world ?

Chun Mi-Jin : My vision is to provide viewers how to approach their lives meaningfully through my artwork. Also, I wish my appreciator to have an insightful point of view on their lives through artistic contemplation.

15. What’s your relashionship with colour & space ?

Chun Mi-Jin : In my work, colour is a medium that captures the various emotions of a space. The memory of emotions experienced in space is expressed through colour, and the formativeness that appears in the mind and unconscious maximizes the mystery of abstract forms along with colour. I use various methods to express better these mysterious abstract forms, but these days, I am expressing perspective and space by superimposing thin and soft colours and making complementary colours intertwined and mixed with each other. If you keep looking, the colors are connected to each other like a Möbius strip, so you can’t tell where it starts and ends. This plays an important role in bringing out the rich emotions of the viewer through the sense of space of colour.

16. What are your future projects ?

Chun Mi-Jin : In the short term, I am preparing for a group exhibition in Milan this year. And I plan to hold a solo exhibition in two years. Starting in the fall, I am preparing for a new three-dimensional work. As I majored in architecture, I plan to expand the scale and combine it with painting. And I wish my works to be invited to the Venice Biennale and showcase my work in the Korean National Pavilion. I hope that one day it will come soon.

More about Chun Mi-Jin

Art in motion with Erik Saglia

Published by alixdeboisset

Born in 1989, Erik Saglia lives and works in Turin in Italy. In his early works Erik Saglia, starting with the implications of the “modernist grid”, emphasizes and restructures it replicating it first with graph paper and spray, then with adhesive tape, that, perfectly laid in orthogonal lines, covers the camouflage spots; the tape is stuck in a precise and rigorous way, submitting the body to the discipline of the exact gesture that contrasts with the free aggregation of the spots below.

In the recent works, the strictness that seems to disappear with the smoother motion of tape come back thanks to the precision of applying resin, revived with an almost sculptural thickness. The use of materials, spray paint, tape and synthetic resin, seeks to renew the concept of surface, deleting every biographical and pop aspect reconnecting the work by Erik Saglia to the Spatialist research by Lucio Fontana and the lesson of Alighiero Boetti.

Erik Saglia has already participated at several group shows, among all: Too big or not too big at Thomas Brambilla Gallery (2013), Sphères at Galleria Continua Les Moulins in Paris (2014), Face to Face at Palazzo Fruscione (2016), and many others. He held his first solo show SNIFFINGLUE at Thomas Brambilla Gallery in 2014, and later he had a solo show, A.E Abstract Existence at BACO (2015), Ceiling 1 at Tile Project, Milan (2016) and SpazioBuonasera (2016). In 2016 he had his second solo show at Thomas Brambilla gallery, Bergamo.

Do you consider yourself as an emerging artist in contemporary art ?

Erik Saglia : The problem is to know how and when one stops being “emergent” in the contemporary art world. I’m Erik Saglia, I’m a painter, I’m 31 years old and I live in Turin.

2. How would you describe your style ?

Erik Saglia : Make-believe organised, tipping-toe aggressive, self-conservationist, colour-rhythmic.

3. Is there any person who has been significant in your breakthrough as an artist ?

Erik Saglia : My parents, who have been very supportive since the beginning. Marco Cingolani, my painting teacher at the Accademia Albertina di Torino. Thomas Brambilla, the gallery owner who I’ve been working with for the past 7 years.

4. Do you remember your first interaction with art ?

Erik Saglia : I was a very wild child and drawing was one of those things that kept me calm. I think this was my first approach to art.

5. Are you influenced by Italian heritage in your work ?

Erik Saglia : Yes, I think that all artists should be influenced by the Italian artistic heritage, and being Italian, I have no way out of it.

6. What mission do you paint ?

Erik Saglia : What I mainly look for with my work is being able to attract and to stop the gaze. This is something we are not able to do anymore. We skip images on our phones all day long, you look at one thing, then switch to another one, and then another one very quickly. My paintings actually try to avoid that. Being reflective every time you try to photograph them in order to immortalise them, it’s as if they scape. Each painting reflects your figure standing in front of it and everything that surrounds it, therefore in a picture it never shows itself really for what it is. It is only itself when you are in front of the actual painting and not an image of it.

7. What other artists influence you, both contemporary and historical ?

Erik Saglia : Lately I’ve been feeling very attracted to Albrecht Dürer and Giorgio de Chirico.

8. How did you first begin to develop your unique style ?

Erik Saglia : The story goes that the first time I used the paper masking tape was by accident. I was doing a collage and needed to paste something but I ran out of glue so instead I used some tape that I happened to have. I pasted the image by completely covering it with the tape and then I noticed a certain transparency that intrigued me. After this sort of artistic epiphany, I worked my way around it, preserving it and perfecting it. This lead to what I do nowadays.

9. How do you nurture your creativity ?

Erik Saglia : I try to constantly keep a sharp-eye on everything that surrounds me.

10. What can you tell us about your painting process ?

Erik Saglia : For the last seven years, give or take, the process is nearly always invariable. I’ve been trying to use the same materials: wood, spray paint, paper masking tape, frottage with crayons or with oil pastels, and epoxy resin. I like the idea that by overlapping, creating levels and arranging them in completely different orders -as a Bach composition-, I allow these materials, antagonistic to each other, to coexist within a unique space. During the making of a painting, it has become almost a ritual moment when I pull the masking tape to create the grids. It’s a sort of meditation where my body movements become mechanical and repetitive and time is marked only by the sound of the tape that unrolls centimetre by centimetre.

11. What are your favourite tools and materials for working ?

Erik Saglia : It might seem odd but my hands are my favourite tool. I feel very passionate about the idea of doing everything myself.

12. As an artist, what is your vision of the world mostly in this global sanitary crisis we’re going through ?

Erik Saglia : I think that one positive aspect about this situation is that it’s been forcing us to slow down our life rhythm. In a way this makes us value what we do on our everyday basis.

13. What’s your relationship with colour & space ?

Erik Saglia : I try to split my working time so that there are some moments or even days that I dedicate entirely to the space’s study. Nevertheless it happens that at a certain point the color depends completely on the space and vice versa. Working by layers and in a horizontal position, it gets hard to evaluate space and color in the making. I can’t back up and have a glimpse -as painters mostly do- of how the work is coming and its strengths and weaknesses. Though one thing that I might say about my work, is that as time passes I feel that color is less and less concealed within the grids. It’s as if the wefts and warps are slowly widening bigger and bigger.

14. Can you tell us more about the Abstract existence concept ?

Erik Saglia : If by Abstract existence you are referring to the catalogue of 2014, it was about a series of exhibitions curated by Valentina Gervasoni, Stefano Raimondi, and Maura Zanchi that took place during 2015 and 2016 inside the ex-conservatoire Donizetti in Bergamo. I was invited among other three artists, May Hands, Israel Lund, and James Hoff. Each one of us had a solo show and it was for that occasion that I created my first wall painting. The exhibition pondered about abstract painting developments taking under consideration two American and two European artists. During these years there was a strong interest towards an abstract painting comeback.

15. What do you do besides art ?

Erik Saglia : I recently bought a road bike to burn some calories that I take on by eating ice-cream.

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Mikko Lagerstedt, the Emerging into Light

Published by alixdeboisset

Contemporary artist Mikko Lagerstedt is an award winning fine art photographer from Finland whose enchanting photo series highlight some of Finland’s extraordinary landscapes. Mikko Lagerstedt is a 31-year-old self-taught photographer, who began taking his craft in 2008. He lives in Kerava just 18 miles from Helsinki.

Capturing simplistic Finnish landscapes and fleeting moments, he strives to use his atmospheric vision to inspire people. His surreal and unique work manages to bring an absolutely breathtaking aesthetic that depicts the mystical and sweeping splendor of the Finnish countryside while capturing the emotion of the moment.

His photography has been featured around the world in book covers, magazines and in advertisements.

1. Do you consider yourself as a figure of contemporary photography ?

Mikko Lagerstedt : Not really, I feel that I’m just a photographer creating work that inspires me.

2. How would you describe your style ?

Mikko Lagerstedt : Atmospheric landscape photography. A surreal look at how the World looks through my eyes.

3. What led you to photography ?

Mikko Lagerstedt : My first inspiration towards photography came to me on a beautiful summer evening as I was driving to my relative’s cabin in Southern Finland. A beautiful vista opened on a field filled with fog and sunrays. I stopped and stared at it and felt the need to start capturing those unique moments.

4. What has influenced you to create atmospheric photographs ?

Mikko Lagerstedt : It’s something that comes through my past and how I see life. I think it’s because of many things. One of the things that might have influenced me is that I lost my best friend when I turned 18. It was a difficult time for me. I haven’t thought about it, but I believe our past experiences make our present vision. I also know that the worst weather sometimes gives the best photographs.

5. Félix Ziem, a very famous French painter in the style of the Barbizon school once said: “J’ai rêvé le beau ” (I’ve dreamed the beautiful). What does it mean to you?

Mikko Lagerstedt : For me, it means that we all have different perspectives on what is beautiful. It’s what makes you feel rather than see something.

6. What’s your relationship with nature ?

Mikko Lagerstedt : I have always been a solitary figure, and I have always enjoyed spending time in nature. I do enjoy to be around people, but when I’m out photographing alone, I feel that I’m in my element.

7. How do you manage to bring this enchanting universe to your series?

Mikko Lagerstedt : I do what inspires me. I create how I see the World. I don’t overthink the process. I always try my best and push myself to the limits.

8. Does “the Kalevala,” this epic poetry compiled by Elias Lönnrot from Karelian and Finnish folklore and mythology inspire your work?

Mikko Lagerstedt : I haven’t thought about it. However, I think there might be a connection on how we Finns look at certain things. I love some of the poetry. I might have to go and visit again to refresh my mind with Kalevala.

9. Which photographers have an impact on you ?

Mikko Lagerstedt : I love the work of Brooke Shaden, Joel Tjintjelar and Martin Stranka. Of course, they might have influenced my work somehow. It’s sometimes hard to see it for yourself.

10. What gear do you use ?

Mikko Lagerstedt : I use Nikon D810, D800, and various wide-angle lenses to create my photography.

11. How do you play with lights?

Mikko Lagerstedt : I mostly use available light, or if I’m feeling super crazy, I might use a headlamp or a flashlight.

12. What about your future plans?

Mikko Lagerstedt : I will continue to create work that inspires me. I also plan to build a community and influence more people by teaching photography and how to see the World from your unique perspective !

More about Mikko Lagerstedt

Brief encounter in an english garden with Rebecca Louise Law

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Rebecca Louise Law is a London-based installation artist known for her transformation of spaces using hundreds or thousands of suspended flowers. Trained in fine art at Newcastle University in England, Rebecca Louise Law has been working with natural materials for 17 years, a practice that involves a constant exploration of relationships between nature and humans.

The physicality and sensuality of her site specific work plays with the relationship between man and nature. Rebecca Louise Law is passionate about natural change and preservation, allowing her work to evolve as nature takes its course and offering an alternative concept of beauty.

Over the past few years she has worked in numerous public spaces, museums (such as the Royal Academy and the Victoria & Albert Museum), and galleries. She has worked with the Royal Shakespeare Company and has been commissioned by brands like Hermès, Cartier, Gucci or Salvatore Ferragamo.

Her notable commissions include ‘The Flower Garden Display’, (The Garden Museum, London),‘The Grecian Garden’ (Onassis Cultural Centre, Athens), and ‘Flowers 2015: Outside In’ (Times Square, New York).

1. Do you see yourself as a figure of contemporary art ?

Yes.

2. How would you describe your style ?

I am primarily an installation artist.

3. What about your background in the floristry world ?

Floristry is the principle profession that combines flowers and creativity. It was important to me to have an understanding of this practice, its history, styles and the cultivation of flowers.

3. How did you become a floral artist ?

I studied Fine Art specialising in large scale oil paintings. Feeling frustrated working 2D and the limitations of the canvas? I searched for a colourful material that I could replace my paint with and work in 3D. After a year of experiments? I settled with preserved flowers.

4. Is there an artist who has inspired you ?

I’ve always been inspired by Rothko.

5. What are your recent art installations and floral commissions ?

I am currently working on permanent large scale installations in Melbourne, Australia and Berlin, Germany. I also have upcoming exhibitions in the UK, Spain and Denmark.

6. What happens to your creations once the project is over ?

Nothing goes to waste. If the installation is installed temporarily I either transfer the piece to a new space or I create smaller sculptures with the left over flowers. These are exhibited in my gallery in London.

7. Where do you go to find inspiration ?

I go to the bleak countryside. Anywhere that nature is all consuming.

8. You’ve worked on some wonderful projects with some of the world’s most interesting designers…

I feel blessed to have worked on some incredible platforms and alongside inspiring patrons.

9. What is your creative process once you have been allocated a space ?

I envisage the space as 3D canvas, working alongside the architecture and existing structure. Flowers are like my paint, I place them in response to what I am given. I always consider who will use the space and how long the installation will be in situ.

10. Are the flowers and natural materials you incorporate reflective of the country you exhibit in ?

The country and culture play a huge role in my creations. I love embracing new worlds and learning about the symbolism and importance of flowers in each country.

11. What is your favourite flower and what is your favourite flower scent ?

My favourite flower has always been the Garden Rose, its scent is intoxicating.

12. What are your simple pleasures ?

Walking, relaxing with friends, good food and wine.

13. What are your future plans ?

I would love to bring more communities together through creating my installations. I find that the greatest pleasure is working with unique teams on each artwork.

More about Rebecca Louise Law : www.rebeccalouiselaw.com

Marc Dubrule, au jardin de l’âme

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Né en 1963, Marc Dubrule s’initie adolescent au dessin dans les cours de modèle vivant des ateliers de la Ville de Paris et les sessions d’été des Beaux-Arts. Diplômé de l’Ecole Supérieure de Commerce de Paris en 1984, il part pour Johannesbourg comme coopérant-diplomate ; un séjour de près de deux années rythmé par la découverte des cultures d’Afrique australe. Après un nouveau passage à Paris, il s’initie à l’encre de Chine (sumi-e) lors d’une expatriation de quatre années à Séoul dans les années 1990, dont il revient très marqué par sa rencontre des artistes du mouvement coréen Dansaekhwa.

Formé à l’Histoire de l’Art comme auditeur à l’Ecole du Louvre, critique pendant plusieurs années pour le magazine Mixt(e), collectionneur passionné, Marc Dubrule crée depuis ses deux ateliers de Montparnasse et du Luberon. Il mêle la pensée bouddhiste, l’Esprit Mingei et l’esthétique wabi-sabi à son attrait profond pour les formes simples, primitives, organiques. Il peint essentiellement à l’encre de Chine et à l’acrylique sur papier d’’Arches et réalise des sculptures opportunistes à partir de pierres, de branches, et de supports terracotta. Adepte d’une culture asiatique de l’épure, mais d’une approche vivante et expressionniste, ses thèmes vont du corps à la figure humaine et d’une observation personnelle de la nature à un travail plus abstrait marqué par le trait.

Marc Dubrule réalise ses premiers solo shows à Paris : “Alla Prima (et allusif)”, en 2017, au Studio Ymer & Malta, puis “Ne pas peser sur la terre” à la Arthème Galerie en 2018. Il est artiste invité pour la première édition de “Big Hug Transformation” curatée par Marina Amada et Nicolas Jardry à la Galerie 5 de Paris en 2019, et présentera “The Kyoto (silent) Series” avec la Galerie Artismagna lors de la foire d’art contemporain de Lille “Art Up!” de 2021. Marc Dubrule a également contribué au livret accompagnant la sortie musicale de l’album électro Esana de JPLD en 2017, et publié “Traits de vie”, un livre d’artiste composé de textes souvenirs et dessins personnels édité à 400 exemplaires en 2011.

Vous considérez-vous comme une figure en devenir de la scène artistique contemporaine ?

Marc Dubrule : Je ne peux vraiment pas répondre à cette question. Cela serait vraiment trop prétentieux de dire oui et je ne pense pas que cela soit à moi de le dire. Mon travail ne s’inscrit pas dans une logique de carrière artistique. Il s’apparente sans doute plus à une forme de thérapie holistique !

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Marc Dubrule : A propos de style, dans son texte sur Cy Twombly, Roland Barthes disait qu’ « un trait est inimitable parce qu’il le juste reflet du corps ». Cela équivaut à dire que chaque artiste, qu’il soit bon ou mauvais, est unique, car indissociable de son corps et, pour être plus précis, de son geste, et de son trait. C’est ce que je pense. La question du coup devient : comment donc définir son geste pour parler de son propre style ? Peut-être en me souvenant qu’un professeur de dessin du primaire me disait souvent que je n’appuyais pas assez sur mon crayon ! Pour le contrarier et parce que cela me plaisait, j’ai continué et toujours cherché une forme de douceur et de délicatesse. Je suis allé naturellement vers la souplesse du pinceau, la fluidité de l’encre ou de l’acrylique, la légèreté de l’aquarelle. Sinon je travaille beaucoup alla prima, oscille entre le maitrisé et le fragile, essaie d’accueillir les accidents et de faire de la place au vide.

Je suis un artiste de la frugalité et interviens de manière minime et primitive sur la page blanche. Je m’inspire de la nature, de formes simples, organiques, et utilise une palette de couleur limitée. J’aimerais sans doute ne pas trop peser sur la terre…

3. Racontez-nous votre parcours…

Marc Dubrule : Autant que je m’en souvienne, j’ai toujours aimé dessiner. Au-delà de l’école et des cours de dessin, qui étaient mes préférés, j’ai suivi adolescent ceux de la Ville de Paris, les sessions d’été de l’Ecole des Beaux-Arts, plus tard les cours d’histoire de l’art à l’Ecole du Louvre, et j’ai été initié à l’encre de Chine en Asie. Il m’est même arrivé de faire le critique d’art pour un magazine. Mais j’ai choisi de faire une carrière en entreprise dans l’industrie de la beauté. La peinture est restée longtemps un hobby.

En 2010, j’ai compilé un certain nombre de mes dessins et textes dans un livre d’artiste intitulé « Traits de vie » édité à 400 exemplaires. J’y avais mis du cœur. Puis un jour je dinais avec Valérie Maltaverne, la créatrice d’Ymer & Malta : celle-ci m’a encouragé à montrer mes œuvres et proposé de faire une première exposition solo dans son studio à Paris. Je ne l’avais pas envisagé et cela faisait suite à de gros soucis de santé personnels. Mes œuvres étaient alors plutôt sombres… Mais son regard d’esthète sur mon travail m’a donné confiance et j’aimais l’idée de créer cet objet scénographié qu’est l’exposition elle-même. J’ai foncé et l’intérêt du public m’a surpris. Cela s’est accéléré. D’autres expositions personnelles parisiennes ont suivi avec la Arthème Galerie (« Ne pas peser sur la terre »), puis la galerie Artismagna (« The Kyoto (silent) series »).

4. Votre expérience en Corée a-t-elle le déclencheur de votre vocation d’artiste ?

Marc Dubrule : La Corée est l’un des éléments du puzzle en effet. D’autres lieux en Asie du Nord comme Pékin et Kyoto ont compté pour moi. La Provence où j’ai une maison, l’Afrique australe où j’ai vécu 2 ans également. Dans tous ces lieux si forts visuellement et émotionnellement, on pourrait dire que « les yeux pensent ». Mais vous avez raison de souligner la Corée. J’ai passé quatre années à Séoul de 1997 à 2000. Là-bas je fréquentais les célèbres galeries de Seoul comme la Hyundai Gallery, Park Ryu Sook, la Kukje… J’allais aussi les weekends dans les marchés aux puces ou d’antiquités, les centres d’art, les ventes aux enchères.

Je me suis intéressé à l’artisanat chinois, au mouvement japonais Mingei, à la céramique coréenne. Et j’ai surtout fait une rencontre choc avec l’art contemporain coréen et en particulier avec les peintres du mouvement Dansaekhwa, en ayant la chance d’approcher de près l’œuvre d’artistes absolument fondamentaux comme Yun Hyong-Geun, Park Seo-Bo, Chung Sang-Hwa, Lee U-fan, Ha Chong-Hyun. Ils ont attisé mon envie de créer.

5. Un souvenir lié à votre rencontre avec des artistes issus du mouvement coréen Dansaekhwa ?

Marc Dubrule : C’était en banlieue de Seoul je crois en 1999. Nous allions rencontrer, ma femme Hélène et moi, l’artiste Ha Chong Hyun pour lui acheter une toile avec notre amie broker d’art Laurencina Farrant-Lee qui nous avait introduits auprès de lui. Celui-ci nous a accueillis avec une grande gentillesse dans un atelier-hangar qui ne payait pas de mine. Il nous a offert le thé, montré ses œuvres et nous a expliqué sa fameuse technique du « push back », qui consistait à pousser la peinture de l’arrière vers l’avant du tableau à travers les larges mailles de ses belles toiles brutes. Ce jour-là j’ai pris conscience de l’importance de la matière, de la texture. J’ai aussi mieux compris l’unicité du geste et l’idée d’imperfection dont Ha Chong Hyun nous parla passionnément.

6. Paris & le Luberon, deux poumons nécessaires à votre processus de création ?

Marc Dubrule : J’ai la chance d’avoir un atelier en Provence et un autre à Paris. Les deux sont extrêmement complémentaires. Le Luberon est pour moi un lieu de création. J’aime perdre le nord au sud, me laisser porter par le silence et la beauté des monts de Vaucluse et du Luberon. La nature et les villages sont sublimes. J’ai des liens forts avec l’histoire littéraire, poétique et artistique de cette région, de Pétrarque à René Char en passant par de Staël ou Camus. Et tout proches le Musée Granet, le Château La Coste, la Collection Lambert, Sénanque, Gordes, Ménerbes, l’Isle-sur-Sorgue sont de vrais terrains de jeu et d’inspiration pour moi.

L’atelier de Montparnasse est lui situé dans une cour intérieure magique, teinté d’histoire de l’art, où passèrent Satie, Ravel, Milhaud, mais aussi Cocteau, Picasso, Apollinaire,… C’est plutôt un lieu d’échange avec les professionnels et clients, et de promotion de mon travail, qui a l’avantage d’être proche de la production, notamment de la réalisation de mes encadrements. C’est une bulle dans la ville. J’y crée aussi et marche dans les quartiers de la rive gauche comme St Germain voire même jusqu’au Louvre où je traine souvent le samedi autour de la Grèce Préclassique.

7. Y a-t-il des lieux imaginaires, rêvés ou perdus, qui vous habitent ?

Marc Dubrule : Sans aucun doute ! Le Fontaine de Vaucluse de Pétrarque et là il faut de l’imagination pour se projeter dans la première moitié du XIVème siècle (pour cela lire « La vie solitaire »). Les déserts de Namibie où j’ai eu la chance de faire deux séjours au milieu des années quatre-vingt, et leurs couleurs changeantes, avec ce sentiment de bout du monde. Le Kyoto de Sen No Rikyu, immortalisé par Inoue dans « Le Maître de thé » ou celui de Mishima dans « Le Pavillon d’Or ». Les alentours de Rome si chers à Claude Gellée dit Le Lorrain, ce maître du dessin du XVIIème siècle, ou plus récemment à Cy Twombly, mais aussi toute l’Italie qui, plus encore qu’un pays, est une grande idée…

8. « C’est moi qui pénétrant la dureté des arbres, Arrache de leur cœur une savante voix… », que vous évoquent ces vers du poète Théophile de Viau sur les arbres ?

Marc Dubrule : Cela me parle car j’aime peindre les arbres. C’est l’un de mes sujets de prédilection. Les arbres sont la synthèse de l’air, de l’eau et de la terre. Ce sont nos poumons à tous. Et quand je peins un arbre, je suis littéralement en fusion avec lui. Je perds la notion du temps. Je me sens telle une feuille parmi d’autres. Les arbres sont des êtres vivants. Un jour d’ailleurs un arbre m’a parlé. C’était au restaurant dans le village provençal de Lumières. Par contre je ne sais plus ce qu’il m’a dit car j’avais bu un peu trop de La Canorgue blanc…

9. Quelle importance accordez-vous à la littérature et la musique dans vos périodes de création ?

Marc Dubrule : Je travaille plutôt dans le silence. Parfois accompagné de voix féminines du Jazz, ou par le piano de Glenn Gould. La littérature et la poésie comptent davantage pour moi. La littérature anglo-saxonne des EM Forster, John Fante, et surtout Jim Harrison a constitué un imaginaire riche, une certaine vision de l’espace, du romantisme et des rapports humains. La poésie de Nerval, Rimbaud, Baudelaire et surtout de René Char a mis des mots et des lieux sur mes émotions. J’aime aussi et d’un point de vue documentaire les correspondances d’artistes comme celles des postimpressionnistes Camoin, Marquet, Matisse, ou d’autres artistes du XXème. Enfin je pense aux écrits de Lee U-fan, Soetsu Yanagi, ou même plus près de nous d’Axel Vervoordt sur le wabi-sabi, que je relis souvent et qui ont un fort impact sur moi.

10. Quels sont les matériaux que vous préférez utiliser ?

Marc Dubrule : J’aime le papier et le papier grain torchon d’Arches en particulier, son toucher, son épaisseur, sa manière d’absorber l’encre et son rendu bien sûr. Les noirs sont profonds. Le grain apparent. Les bords des grandes feuilles irréguliers. Je n’aime pas les papiers fins et un peu translucides qu’utilisent les calligraphes d’Asie. Ce qui me plait c’est le mariage des pinceaux calligraphiques ou de l’encre, qui viennent tous deux de Tokyo ou Seoul, avec les supports papier occidentaux comme ce papier d’Arches.

Il m’arrive de faire des sculptures opportunistes, ou même de peindre sur des matériaux bruts comme le bois, la pierre, et surtout sur des tomettes anciennes de terra cotta que je trouve chez un marchand de matériaux de récupération à Apt en Provence.

11. L’ensemble vos créations semblent porter un langage cadencé, comme une danse des mots. N’avez-vous jamais songé à écrire de la poésie ?

Marc Dubrule : Il ne me semble pas réfléchir ni créer en termes de cadence. Mais je suis sensible à une forme de répétition propre au minimalisme, et j’aime les formes brèves comme les haïkus. Il m’est arrivé mais rarement d’écrire de la poésie, comme « Les mots d’anges » qui figure dans mon ouvrage « Traits de vie » de 2010. Je suis plus sensible aux aphorismes que j’écris par centaines depuis plusieurs années.

12. Vos peintures pourraient-elles être qualifiées d’esthétique méditative, dont découle un sentiment de plénitude doublé par une impression d’infini palpable ?

Marc Dubrule : C’est très flatteur. Quand je travaille je suis personnellement dans une forme de méditation active. Mais amener le regardeur lui-même vers une forme de méditation est un but tellement louable. Si j’atteignais cet objectif, et c’est le cas de le dire, cela serait le Nirvana.

13. « La Terre adorée, partout, fleurit au printemps et reverdit : partout, toujours, l’horizon bleu luira ! Éternellement… Éternellement… », a écrit Mahler dans le dernier lieder du ‘’Chant de la Terre’’. Ces paroles pourraient-elles illustrer vos séries monochromes bleues, qui louent la beauté de la Nature… ?

Marc Dubrule : Ce sont de bien belles paroles que ce lieder de Mahler. Quelle illustration rêvée pour mes travaux autour du bleu ! Parler de bleu, de nature, d’horizon et d’éternité fait surtout référence pour moi aux mots de Gaston Bachelard que reprit largement à son compte Yves Klein pour l’exposition « Le vide » : « D’abord il n’y a rien, ensuite un rien profond, puis une profondeur bleue ». Oui le bleu « attire l’homme vers l’infini, vers l’éternité » écrivait aussi Kandinsky. En tout cas, il a cet effet sur moi.

14. Quels sont vos projets à venir ?

Marc Dubrule : Un projet de livre de textes et peintures que j’aimerais mener à bien cette année. Une exposition de groupe fin février à Lyon et une prochaine solo exposition à Paris cet automne.

En savoir plus sur Marc Dubrule

Into the Wild with Ellis O’Connor

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Ellis O’Connor is a Contemporary Landscape Artist from Scotland living on the Outer Hebridean Island of North Uist working in the field of painting and drawing. The dynamic energy to be seen in the paintings are Ellis’ response to observed changes in the landscape; ‘the movement and rhythms of the sea and the land … the merging of sea with air, advancing rain and mist, ever changing light – elements that seem to be about something intangible.’ In order to immerse herself in the environment, Ellis makes much of the artwork on site where extreme weather and the elements find their way into the pieces. Ellis describes the process of working outdoors in wild weather as almost ‘performative’.

Some of the pieces made on paper on site become the basis for larger works on canvas painted back in the studio. Here, Ellis usually works with oil paint, building up the surfaces using natural substances like sand and dried seaweed. By producing the art work she hopes it will give people a chance to connect with that landscape and respect the nature that is so wild around us, to then cultivate a deeper understanding and inspire others to make a difference.

Do you consider yourself as an emerging artist in contemporary art ?

Ellis O’Connor : Yes definitely! I graduated from studying my masters degree of fine art in 2015. It’s been 5 years since I’ve graduated and I’ve been self employed for the past 3. Even though I feel quite established with my style and I exhibit frequently throughout the country and further afield, I still very much feel like an emerging artist as I’m still quite new to the scene and still have lots to do!

2. How would you describe your style ?

Ellis O’Connor : My style is elemental, gestural, expressive, chaotic and full of energy.

3. Does your scottish nationality impact your connection to nature ?

Ellis O’Connor : Having some of the most beautiful and varied landscapes on your doorstep is a massive plus of being Scottish. A massive percentage of the country especially in the Highlands and Islands are home to some of the most incredible landscapes, unique ancient geology and a varied eco system. I grew up camping in the highlands and when I was studying at art school I spent a lot of time travelling the short journey north to gain primary source material for my practise, it’s so important to explore your own country and I know I sound biased but Scotland really is an amazing one to explore!

4. Do you remember your first interaction with art ?

Ellis O’Connor : I remember being obsessed with art when I was in high school, working on these very detailed charcoal drawings and just loving the process, the method and how it made me feel.

5. What contemporary and historical artists influence you ?

Ellis O’Connor : I have a list that I always go to for inspiration, these artists have inspired me ever since I began my degree at art school. Wonderful Scottish Artists such as Joan Eardley, Frances Walker and other artists such as Anselm Keifer and Barbara Rae !

6. How do you feed your inspiration ?

Ellis O’Connor : I’m very fortunate to live in a place where my inspiration is literally right on my doorstep. Living on the Outer Hebridean Island of North Uist, the full force of the Atlantic lies right next to my house, the storms roll in off the west coast, the skies are ever expanding and the wind physically moves you. It makes me feel alive and it is this very energy and experience of being in this environment that fuels me and I aim to put across in my work.

7. What’s your relationship with color ?

Ellis O’Connor : I’ve always used quite a limited palette of cold colours within my work and that is because of the places that I have travelled to! I spent quite a long time travelling around Iceland and the arctic through the winter after I graduated and these palettes have embedded themselves in my mind. I’ve always been more drawn to the big skies and the elements over the fields and more colourful landscapes.

8. What materials do you use ?

Ellis O’Connor : I predominantly use oil paint as I enjoy the texture and layered effect that it gives my paintings.

9. What is your vision of painting these days ?

Ellis O’Connor : To build up an evocative and true experience of being immersed in a wild turbulent storm. To recreate the atmospheric feeling of being in the environments that inspire me so much.

10. How do you use the visual language to challenge assumptions about the natural environment ?

Ellis O’Connor : By using my own methods of painting, my own style and putting across my own representation of the land around me. I aim to put across a different way of looking at the landscape, a unique kind of imagery and overall produce paintings to challenge ways in how we normally view the land around us.

11. What about your future plans ?

Ellis O’Connor : I’m very happy working day to day in my studio on the island where I live but it’s always important to get away to gain some perspective and to challenge myself with new inspiration and environments. The place that is on the top of my list to go to is Greenland and that may be happening quite soon actually!

More about Ellis O’Connor

“J’ai rêvé le Beau” avec le peintre vénitien Roger de Montebello

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Depuis « Venise la rouge » comme la décrivait Alfred de Musset, le peintre Roger de Montebello suit les traces des grands maîtres qui ont consacré leur don à la représentation parfaite de la Sérénissime. Explorant les liens entre la peinture métaphysique et le monde Méditerranéen, Roger de Montebello se situe à Venise, entre Orient et Occident, là où le cœur d’un Art en quête de sens bat au quotidien.

Roger de Montebello découvre très tôt les lieux qui inspireront plus tard sa peinture : Venise, la Méditerranée, l’Espagne. Ses études l’emmènent à Séville où il acquiert les bases de la peinture à la faculté des beaux-arts, puis à Harvard où il étudie à la fois la pratique picturale et l’histoire de l’art. De retour en Europe, il ne tarde pas à se consacrer entièrement à son art. Ses voyages le portent souvent sur les rivages de la mer Méditerranée. Ses thèmes principaux sont les vues urbaines, notamment Venise, la corrida peinte sur le vif et le portrait.

En 1994, René Huyghe, éminent spécialiste de la peinture et membre du Comité français pour la sauvegarde de Venise écrit : « Lumière, couleur et construction plastique se partagent le talent des peintres. Montebello a su les associer à un degré égal dans sa recherche, dotée de ce fait d’une richesse exceptionnelle ». Depuis, certains auteurs et personnalités du monde de l’art, souvent proches de Venise suivent et soutiennent son travail. Une grande exposition lui a été consacrée au Musée Correr de mai à septembre 2017, dont Jean Clair était le commissaire et Gabriella Belli le directeur artistique.

1.Vous considérez-vous comme une figure de la peinture contemporaine ?

Roger de Montebello : Absolument pas. Comme un peintre ? Oui. En devenir, qui essaie, qui apprend. Contemporain ? Non, je n’aime pas ce que ce mot est devenu. À l’origine descriptif, ce terme a été détourné vers un usage instrumentalisé à des fins idéologiques et commerciales. Il y aurait parmi les artistes vivants ou morts ceux qui feraient de l’ « art contemporain », les bons ; et d’autres, vivants, qui feraient de l’art non contemporain, les mauvais. Cette division est en soi une imposture. Et ce mot rime trop avec marché de l’art, foire, spéculation, marketing, fashion, entertainement etc. Il cache souvent prétention, ignorance et corruption. Donc non merci je n’en veux pas : il représente un monde que j’interdis de rentrer chez moi. Et pour l’autre terme de votre question, « figure », il ne me correspond pas. Je peins et je dessine seul, à l’écart de l’agitation, isolé sur mon petit coin de terre entre ciel et mer, avec mes faibles moyens d’expression, et sûr de rien, sauf de mon admiration pour les grands peintres. Ce qui compte pour moi c’est de pouvoir placer mon regard de peintre face au monde, à ses beautés, à ses mystères, à ses enchantements. Devant lui, et à armes bien inégales, j’essaie, en luttant, d’en saisir et d’en distiller quelques fragments… Cette contemplation, pour ne pas dire cette confrontation me donne de la peine et de la joie : c’est ma vie et mon destin.

2. Comment définiriez-vous votre style ?
Roger de Montebello : Je ne le définis pas. Le style, dans son acception commune, est la cohérence des formes au travers d’une vie et de l’oeuvre d’un peintre, c’est un critère a posteriori pour le regard extérieur, qui reconnait l’auteur d’un tableau par son « style ». C’est une notion complexe et fondamentale, explorée par les historiens et philosophes. Mais si le peintre lui-même, devant son tableau en cours, essaye de s’en tenir volontairement à ce qu’il croit être son propre style pour faire avancer le tableau, pour qu’on en reconnaisse l’auteur au premier coup d’oeil, selon la logique publicitaire de l’identification immédiate, il court un danger. Celui de devenir un « styliste », coupé de la source originelle de ses tableaux: sensations-pensées-émotions, qui, si elles sont variées et évolutives, peuvent déterminer des formes d’expression tout aussi variées et évolutives. Pour le peintre, ce qui est fondamental c’est de s’occuper de la forme particulière de son tableau en cours, c’est même là son seul terrain d’action. Comme la forme c’est selon le mot célèbre « le fond qui remonte à la surface » : c’est sur la source profonde de son art que le peintre doit veiller sans cesse et dans laquelle il puise, et le reste – dont le style – n’adviendra que par conséquence.

3. Racontez-nous votre parcours
Roger de Montebello : En apparence un parcours linéaire ! Né dans une famille européenne et américaine tournée vers les arts, j’ai suivi ce qu’on dénommerait une bonne éducation. Depuis 1992, j’habite Venise où je travaille dans un grand atelier, et je peins des « paysages heureux». Mais intérieurement, dans et par la peinture, mon parcours est hésitant, tâtonnant, contradictoire, inquiet. Vivant dans un monde dont j’ai refusé les idoles, j’ai dû apprendre comme tout le monde à trouver mon chemin tout seul, quitte à faire fausse route et à perdre du temps, à apprendre péniblement les outils de mon métier, à distinguer l’essentiel du reste, ce qui est le plus difficile. Et je continue à apprendre et à m’interroger, plus que jamais. J’ai eu la chance immense d’avoir des acheteurs pour mes tableaux, ce qui donne une grande liberté pour poursuivre mon voyage exploratoire dans la peinture.

4. Quel a été votre tout premier contact avec la peinture ?
Roger de Montebello : Après une enfance entourée de tableaux variés, le premier peintre qui m’a vraiment parlé c’est Jackson Pollock, que j’ai découvert lors d’une exposition à Beaubourg au début des années 80.

5. « Lumière, couleur et construction plastique se partagent le talent des peintres. Montebello a su les associer à un degré égal dans sa recherche, dotée de ce fait d’une richesse exceptionnelle », qu’avez-vous ressenti à cette critique de l’éminent historien d’art René Huyghe ?
Roger de Montebello : J’ai ressenti qu’il avait vu juste en comprenant que je cherchais un équilibre entre les trois éléments dont il parle. Remarquons qu’il parle d’un « degré égal », pas d’un « degré élevé », donc son observation ne m’est jamais montée à la tête. La notion d’équilibre m’est chère. J’aime beaucoup les livres et la pensée de René Huyghe, c’est un grand connaisseur de l’art, qui ose parler d’âme dans la peinture, et avec souffle.

6. Peut-on parler de période française, espagnole, et italienne dans votre peinture ?
Roger de Montebello : Non, j’ai des thèmes variés et non chronologiques.

7. Vous considérez-vous comme un peintre de la Méditerranée ?
Roger de Montebello : La Méditerranée est une grande part de mon univers historique et géographique, surtout ses rivages nords. Mais plus généralement je me sens lié à l’Europe, dans ses composantes Nord et Sud.

8. Venise est-elle votre muse ?
Roger de Montebello : Pas vraiment. Disons que j’ai reconnu en Venise une part importante de la forme de mon esprit, de la structure de mon être. Ville platonicienne divisée entre réalité et reflet, ville à la fois allongée et qui émerge, ville où temps et espace ne forment qu’un, ville-musique où la mélodie flotte sur l’harmonie, où tout vibre dans la lumière…

9. Pourriez-vous envisager de vivre ailleurs qu’à Venise ?
Roger de Montebello : Peut-être à Burano.

10. Quelle influence exercent les maîtres anciens dans votre peinture ?
Roger de Montebello : Je les regarde beaucoup. J’aime particulièrement, mais pas exclusivement, les époques précédents les grands classicismes: notamment l’art grec dit « archaïque » et le quinzième siècle européen, italien, flamand. Synthèse magique entre l’émerveillement face au monde et la recherche passionnée de moyens pour exprimer cet émerveillement. Ce double élan est selon moi la source de la grande poésie.

11. Quels artistes contemporains vous inspirent ?
Roger de Montebello : Probablement tous, d’une manière sans doute souvent inconsciente, qui fait que chaque peintre ne peut pas faire autre chose que de la peinture de son époque.

12. Quels sont projets à venir ?

Roger de Montebello : Peindre et dessiner ! Une exposition à Genève en 2021, à la galerie Espace-Muraille. Et l’actualité immédiate : la parution d’un essai de Guido Brivio sur ma peinture, « Architetture dell’ Invisibile, Roger de Montebello e la verità in pittura », éditions Moretti & Vitali, 2020, trilingue (italien, français, anglais).

En savoir plus sur Roger de Montebello : http://montebellopaintings.com/

André Boubounelle, la confession d’un homme du siècle

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André Boubounelle, un nom qui paraît sortir tout droit d’un roman de Gustave Flaubert. Un nom aux formes arrondies, aux consonances gourmandes qui nous mènent d’office aux portes d’un univers référentiel familier et rassurant.

A une époque mettant par principe l’art figuratif de côté, le peintre André Boubounelle ose manier sa palette à la semblance d’un gouvernail traçant son sillage parmi les courants déchaînés du monde. Ancien élève de l’Ecole Nationale des Arts appliqués de Paris, puis de l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris, il expose quelques années à la Galerie Anne Blanc puis obtient le prix de la Casa Velázquez et de l’Institut de France en 1991, avant de devenir pensionnaire de la Casa Velázquez à Madrid de 1992 à 1993.

Héritier de Pierre-Henri de Valenciennes et de Camille Corot, André Boubounelle peint d’un œil très contemporain ses paysages de la campagne et de la montagne, des vues urbaines ou des marines. Empreinte de grâce et de gravité, sa peinture transcrit la vision d’un monde magnifié : ses huiles évoquent le silence – le silence du Mystère -, dans des écrins de nature choisis. L’amateur fait face à une scène poétique et sereine, dénuée de fioritures, où chaque coup de brosse bat la mesure du temps qui nous leurre ou nous instruit. La peinture d’André Boubounelle est en quelque sorte une quête spirituelle sur les traces d’un Art grandiose. Ses toiles respirent. Sa peinture se meut. Ses paysages inhabités chuchotent.

Maniant avec dextérité la technique à l’huile ou le pastel, André Boubounelle projette l’expérience universelle de l’homme face à la nature avec une intensité émotionnelle rare. Tout à tour l’on se promène dans ses paysages familiers, de la Seine sous la neige à la campagne ensoleillée du Vexin en passant par la forêt de Rambouillet, jusque dans ses voyages dans le monde latin.

André Boubounelle revêt le rôle de passeur de lumière dans ce siècle de transition en proie à une angoisse sous-jacente. Chacune de ses toiles est un gage d’espérance qui prend la forme d’une confession, celle d’un homme du siècle.

En savoir plus : www.artismagna.com et www.boubounelle.com

En attendant Godo

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Ecrivain, poète et essayiste, Emmanuel Godo envisage la littérature comme “expérience intérieure”. Agrégé de lettres, docteur ès lettres, Emmanuel Godo enseigne la littérature en classes préparatoires au lycée Henri IV de Paris et à l’Institut catholique de Lille.

Ses premiers travaux sont consacrés à l’œuvre littéraire de Maurice Barrès. Sa thèse est publiée en 1995 aux Presses universitaires du Septentrion sous le titre La Légende de Venise, Maurice Barrès ou la tentation de l’écriture. Il y étudie le rapport très ambigu que Maurice Barrès entretient avec la création littéraire, passion dont il craint la dimension destructrice.

À partir de 2001, Emmanuel Godo élargit son champ de recherche : de Victor Hugo à Jean-Paul Sartre, de Gérard de Nerval à Paul Claudel, d’Alfred de Musset à Léon Bloy, il s’interroge sur la manière dont l’acte d’écrire implique une traversée des apparences, une expérience des limites et engage celui qui l’accomplit véritablement dans un face à face avec l’inconnu.

Grâce au soutien amical des écrivains Jean-Pierre Lemaire, Sylvie Germain et Colette Nys-Mazure, il publie, en 2012, son premier ouvrage de fiction, Un prince, aux éditions Desclée de Brouwer. Autant qu’une fiction, cet ouvrage se présente comme un poème en prose, tombeau d’un inconnu, qui a la particularité stylistique de ne comporter qu’une seule longue phrase.

A partir de 2017, même s’il se consacre toujours à la critique littéraire, Emmanuel Godo infléchit plus nettement son oeuvre vers la création. Tour d’abord, à travers une exploration méditative des territoires personnels entreprise aux éditions Salvator, comportant deux volets – Ne fuis pas ta tristesse (2017) et Mais quel visage a ta joie (2019). Ensuite par l’écriture d’une auto-fiction avec Les Trois Vies de l’écrivain Mort-Debout (éditions des Busclats, 2018). L’ouvrage, né de la rencontre avec Marie-Claude Char et Michèle Gazier, prend la forme d’un journal imaginaire dans lequel un certain Godo questionne son rapport à la matière littéraire.

Mais l’étape la plus importante de cette évolution concerne la poésie. En juin 2018, les éditions Gallimard, à l’instigation de Guy Goffette, décident d’accueillir dans la collection Blanche, le premier recueil d’un poète qui se qualifie lui-même de “souterrain” : Je n’ai jamais voyagé. Emmanuel Godo ne dissocie pas son travail critique et son travail de création dans la mesure où il considère l’interprétation des grands textes littéraires comme un préalable indispensable à l’acheminement vers une écriture personnelle.

A l’été 2019, Emmanuel Godo publie une série de six articles consacrés à Paul Claudel dans les cahiers Les Essentiels de l’hebdomadaire La Vie. Enrichis d’un prologue et d’un épilogue en forme de prière à Paul Claudel, ces articles donnent lieu à une publication aux éditions Salvator : Une Saison avec Claudel. En octobre 2019, il publie un roman aux éditions du Cerf, Conversation, avenue de France, entre Michel Houellebecq, écrivain et Évagre le Pontique, moine du désert, fiction en forme de fable qui pose la question du rôle de l’écrivain dans la société du spectacle.

1. Vous considérez-vous comme une figure de la littérature contemporaine ?

Emmanuel Godo : Je ne crois pas être une figure. Sans cultiver l’effacement, je me méfie de l’exposition médiatique de l’écrivain. Le type d’écriture que je pratique exige du silence, un développement rigoureusement souterrain, obéissant à ses propres rythmes, ce qui n’est guère compatible avec le temps de l’actualité et du spectacle. Cependant, comme tout écrivain, je viens régulièrement présenter le fruit de cette maturation à mes contemporains : mais je dois ressembler à une sorte d’homme préhistorique (portant veste et cravate) qui sort de temps à autre de de sa caverne. Il vient dire qu’on peut parler donc vivre autrement.

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Emmanuel Godo : Je ne sais pas si je suis le mieux placé pour le définir. Écrire, pour moi, c’est chercher la langue du pays où je voudrais vivre : un pays fait de dignité, de ferveur, de confiance dans les vertus de l’homme raccordé à sa source. J’espère que mon style ressemble à ce pays, fraternel, recueilli, faisant bon accueil aux vivants et aux morts. Le poète ne se contente pas de préparer l’avènement d’un pays plus authentiquement humain, il fait tout pour le faire advenir : c’est pour cette raison que, dans tout poème accompli, il y a une réserve d’énergie folle – quiconque le lit doit en être transformé.

3. Racontez-nous votre parcours…

Emmanuel Godo : J’ai d’abord écrit des essais critiques qui étaient des exercices d’admiration. Avant d’écrire, il faut apprendre. C’est très long. Je me suis mis à l’écoute des œuvres de Hugo, Nerval, Claudel, Bloy, tant d’autres, comme un préalable indispensable. La connaissance de l’œuvre des autres, des « grands autres » que sont les génies permet d’approfondir la connaissance de soi. Dans le corps-à-corps avec la voix, l’imagination et la pensée de ces admirables « grands autres », on finit par découvrir les siennes. Sinon l’écriture n’est qu’artifice – une chose à quoi il ne vaut pas de consacrer sa vie. Après ces exercices d’admiration, le chant intérieur a pu se faire entendre. Avec des proses comme Un prince (Desclée de Brouwer, 2012) et plus récemment de la poésie, avec Je n’ai jamais voyagé (Gallimard, 2018).

4. Quel chemin vous a mené à la poésie ?

Emmanuel Godo : L’épreuve de la nuit, après la mort de mon père, durant mon enfance. Les mots sont venus me dire que j’étais poète. Il m’a fallu plus de quarante ans pour répondre sérieusement à leur appel. Mais à cette épreuve, il faut ajouter l’amitié avec les poètes, la médiation des professeurs de littérature au lycée puis en prépa, les enthousiasmes de l’adolescence, pour Mallarmé, Nerval, Baudelaire, Jammes, plus tard pour Reverdy, Verlaine, Apollinaire, tant d’autres. Dans une vie, il arrive un moment où l’on s’éveille d’une torpeur qu’on a confondue jusque là avec l’existence. Dans nos ténèbres, pour citer Char, la beauté n’occupe pas une place parmi d’autres, elle exige un règne sans partage. La poésie est en elle-même un chemin, un chemin de vérité qui me mène, en moi, à la source du feu qui donne vie. Ceci n’est pas une image. Un poème est la vie resserrée sur ses rythmes fondamentaux. Il réalise la promesse sans l’assouvir, en lui gardant sa force blessée de désir. C’est ce qui fait qu’il n’est pas seulement lisible mais qu’il déclenche des déflagrations.

5. Quelles voix antérieures marquent votre écriture ?

Emmanuel Godo : Le fait que nous soyons contemporains d’un monde vide, d’une puissance d’abrutissement sans précédent dans l’histoire de l’humanité, nous contraint à nous armer de toutes les forces spirituelles disponibles. Parmi les poètes, il n’y a presque pas une voix du passé qui ne m’aide à rester en vie. Dante, cependant, est mon maître indépassable. J’ai besoin de lire chaque semaine un chant de La Divine Comédie, crayon à la main, dans un mouvement où l’étude se fait innutrition, comme l’on disait à la Renaissance : je demande au livre un peu de l’aliment qui fait revivre. On nous a volé le ciel, l’idée d’âme, de salut, d’éternité, on nous a dépouillés de tout ce qui faisait de nous des hommes : à la mesure de mes forces j’essaie non seulement de ne pas être englouti dans le Néant contemporain mais encore de reconstruire un monde, un cosmos habitable. La tâche est titanesque mais si nous ne la tentons pas, nous sommes définitivement perdus.

6. Comment réagissez-vous face à la reconnaissance, à la consécration de votre talent d’écrivain ?

Emmanuel Godo : Je ne crois pas être « reconnu » ni « consacré ». Mes derniers ouvrages, en particulier les deux premiers volets d’une trilogie de la vie intérieure (Ne fuis pas ta tristesse, Mais quel visage a ta joie ?) parus chez Salvator en 2018 et 2019, ainsi que le recueil de poèmes Je n’ai jamais voyagé, ont attiré une certaine attention sur mon œuvre. Mais pas au-delà. Le système de reconnaissance dans une société du spectacle et de l’argent-roi comme la nôtre fonctionne de telle manière qu’il y a une certaine nécessité – ne parlons pas d’honneur – à ne pas être pleinement reconnu ou consacré. C’est lorsqu’il a faim que l’ogre vient vous dire qu’il vous aime. Mon œuvre, comme je vous le disais pour commencer, a besoin d’une maturation lente. Le poète est un cuisinier qui met des siècles à préparer son plat. Lorsqu’il est prêt, il est mort depuis longtemps… Les seules consécrations acceptables sont posthumes. Les petits jeux de la vanité se sont alors évaporés dans la mort, et c’est mieux ainsi.

7. Dans quelles mesures les rencontres et les lieux influencent-ils votre écriture ?

Emmanuel Godo : L’écriture poétique chez moi naît de visions, de visages entrevus, de silhouettes qui viennent bouleverser les somnolences sans se faire annoncer. Les lieux qui me sollicitent sont de deux ordres : il y a les paysages, les grandes plaines particulièrement, avec ciels à la flamande et chemins de craie – je rêve d’y courir et d’y retrouver la maison de mon père. Et il y a la ville. Paris surtout. Je m’aperçois que je suis plutôt un poète de la ville. Un homme qui marche et qui ne sait pas exactement si, au coin de la prochaine rue, il ne va pas apercevoir sa mère jeune fille ou Celan qui traînent dans les parages.

8. Le voyage qu’il soit réel ou intérieur semble être ce fil continu dans vos ouvrages…

Emmanuel Godo : Je me suis toujours imaginé qu’une vie, vue en surplomb, cela devait ressembler à un parcours, avec des cercles où on fait les cent pas, des tas de lignes qui s’entrecroisent, des spirales, des traversées, tout un jeu compliqué. Et si on avait la possibilité de s’élever, on s’apercevrait qu’on ne fait que frôler un seul point, que toute notre vie nous avons tourné autour. Ce point désigne la source. Là où nous aurions pu être le plus vivant, le plus authentique, le plus juste. C’est pour cela que j’ai intitulé le recueil Je n’ai jamais voyagé. Le grand voyage est ici : la fontaine est à deux pas, il suffit de s’arrêter un instant, de cesser de croire que c’est ailleurs que cela se passe, et nous la voyons – cette fontaine où nous ne pourrons plus jamais mourir de soif. Elle est à l’exact carrefour d’une croix.

9. Quel est votre rapport au temps ?

Emmanuel Godo : Nous vivons à l’intersection de deux temps : l’un horizontal, qui se mesure avec des montres, des agendas et des horloges. Sur cet axe-là, je suis pleinement de mon époque, je prends de plein fouet ses manques, ses démissions, le saccage qu’elle fait à la langue et au monde (à la langue DONC au monde). Mais il existe un autre temps, vertical, qui fait que je suis contemporain, par l’esprit, l’âme et le cœur, de Pétrarque aussi bien que d’Emily Dickinson. Le passé, en ce sens, n’est jamais passé : il est présence indéfectible, patrie invisible. Ma poésie est écrite à l’intersection de ces deux temps. Elle cherche à ne pas oublier que l’Éternité existe.

10. Votre écriture est empreinte d’une spiritualité profonde qui force le voyageur pressé à tout arrêter pour prendre conscience de sa propre finitude…

Emmanuel Godo : Le voyageur pressé, comme vous dites, est surtout un voyageur prisonnier des simulacres, du règne fascinant des images et des slogans. La poésie vient lui rappeler que ce monde-là n’est qu’illusion et qu’il suffit en effet de s’arrêter, de faire taire un instant le flux ininterrompu, pour que la vraie vie apparaisse, dans sa sublime sauvagerie, dans son imprévisibilité la plus fondamentale, dans sa nudité la plus bouleversante. Nous nous redécouvrons alors à la fois fini mais traversé par un désir d’infini : notre finitude est faite pour être brisée et aller rejoindre, par la mort, ce qui ne meurt pas.

11. Le poète est-il selon vous « l’étoile qui mène à Dieu, rois & pasteurs » comme le disait Hugo ?

Emmanuel Godo : S’il est une étoile, dans la vie du poète, c’est celle que lui font les brisures de l’existence, les deuils, les erreurs, les séparations. C’est une étoile profondément humaine, venue de l’ici de cette vie. Mais dans notre nuit, le poète fait œuvre d’espérance. Que serait une poésie qui ajouterait une malédiction à nos malédictions, un malheur à nos malheurs collectifs ? La poésie a un devoir d’espérance – une espérance née de l’épreuve de la nuit. Une poésie qui n’a pas fait l’épreuve de la nuit est un angélisme, c’est-à-dire un simulacre de plus dans nos pauvres vies exténuées de simulacres.

12. Quelle est la place des mots aujourd’hui ?

Emmanuel Godo : La langue est aujourd’hui martyrisée, rendue amnésique, réduite à un usage mécanique : elle est devenue un attentat fait à la dignité de l’homme. Les poètes et les écrivains authentiques œuvrent à sa reconstitution : qu’elle puisse être hospitalière à nos complexités, miséricordieuse à nos blessures et à nos peines, qu’elle puisse être mémoire vivante, lien qui nous unit aux esprits qui nous ont précédés et qui nous montrent, à travers elle, le chemin de confiance vers l’accomplissement de la Vérité.

13. Vous arrive-t-il de douter ?

Emmanuel Godo : Il m’arrive de penser que, face à la puissance de la Machine à abêtir, mes moyens sont dérisoires : l’enseignement et les livres. Mais le renoncement serait la pire des défaites. L’humanité n’a jamais tenu que grâce à quelques chandelles.

14. L’expérience littéraire est-elle pour vous un acte de foi ?

Emmanuel Godo : Écrire, en soi, est un acte de foi : l’écrivain le plus incroyant croit que ses mots peuvent avoir un sens et un impact. Pour moi l’écriture est directement liée à l’expérience intérieure : tout texte est une forme de prière. Une adresse aux semblables, aux frères et sœurs en humanité et, à travers eux, une adresse au Plus-Haut.

15. Parlez-nous de votre dernier roman Conversation, avenue de France, entre Michel Houellebecq, écrivain et Évagre le Pontique, moine du désert (éditions du Cerf, 2019) ?

Emmanuel Godo : C’est un texte qui me tient particulièrement à cœur. J’ai demandé il y a un an à Michel Houellebecq l’autorisation d’apparaître, en tant que personnage, dans une fiction. Sans connaître le sujet, il m’a donné son accord. Le roman se passe avenue de France, près de la Bibliothèque François Mitterrand, Michel Houellebecq se promène incognito. Nous sommes en septembre 2018. La France vient d’être sacrée championne du monde de football. Un homme aborde Houellebecq. On ne sait pas très bien de qui il s’agit. Sans doute un fou qui tient des propos assez amers et loufoques sur le monde contemporain. Une conversation se noue entre le grand écrivain du désenchantement qu’est Houellebecq et cet inconnu qui se prend pour un moine du désert ayant vécu au 4^e siècle après Jésus-Christ, Évagre le Pontique, à moins que ce ne soit lui, si on croit aux fantômes. L’idée était de faire se rencontrer la désillusion et la plus grande espérance, l’homme du désastre et l’homme ivre de Dieu. Ce que nous sommes devenus et ce que nous aurions pu être. Les deux voix permettent de faire à la fois le diagnostic implacable du présent et de tracer des chemins. L’espérance, toujours l’espérance.

16. Quels sont vos projets à venir ?

Emmanuel Godo : La poésie est le cœur de mon œuvre. Au printemps, les éditions Gallimard publieront mon deuxième recueil, Puisque la vie est rouge. Je dois terminer le 3ème volet de la trilogie de la vie intérieure pour Salvator, consacré à l’amour et à la mort. Le reste est imprévisible. Le jardin et le verger sont entretenus régulièrement mais les récoltes n’obéissent à aucun calendrier régulier…

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Vincent Bastien, le Luxe en questions

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Vincent Bastien a dirigé de très grands noms durant près de 25 ans : Directeur Général de Louis Vuitton Malletier, Directeur Délégué de la division beauté du Groupe Sanofi, Président de Yves Saint-Laurent Parfums et de Sanofi Beauté, Directeur Général de Lancel… Ancien élève de l’Ecole Polytechnique, Vincent Bastien dirige la chaire Luxe à HEC où il enseigne actuellement. Confidences d’un homme de pouvoir…

1. Vous considérez-vous comme une figure industrielle du Luxe ?

Vincent Bastien : Je suis certes industriel, mais avant tout je suis un meneur d’hommes et un spécialiste du marketing produits.

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Vincent Bastien : Mon style est du type “creative pathfinder” – désolé pour l’anglicisme, mais il est plus précis – c’est à dire la personne qui cherche et trouve de nouvelles voies pour les sociétés qu’elle dirige, et qui cherche à créer de la valeur ajoutée ainsi que de l’embauche de talents plus que la réduction de coûts, la délocalisation et les licenciements.

3. Quel est votre parcours ?

Vincent Bastien : A ma sortie de l’Ecole Polytechnique (X 1967), et de Stanford j’ai débuté ma carrière dans le groupe Saint-Gobain et ai notamment été PDG de Saint-Gobain Desjonquères. Parallèlement, j’ai décidé de reprendre une entreprise familiale de prêt-à-porter féminin assez importante dans les années 1970 puisque nous étions plus de 200 personnes (sans le savoir je prenais pied dans la mode puisque nous étions spécialisés dans la fabrication de robes !). Puis, j’ai eu l’opportunité de prendre la Direction de la marque Louis Vuitton alors que son capital était toujours familial, et après en avoir fait la marque que vous connaissez j’ai vécu la transition capitalistique vers le groupe de Monsieur Arnault… Très rapidement après ces évènements j’ai changé d’environnement et suis devenu Directeur Délégué de la branche beauté de Sanofi, puis Président Directeur Général d’Yves Saint Laurent Parfums. Enfin, Directeur Général de Lancel et Directeur Général de Smart Valley, Quebecor World Europe. A l’heure actuelle je dirige la chaire luxe de l’école de commerce HEC et enseigne à des élèves appelés à devenir Dirigeants… Notez que je suis écrivain à mes heures dans les spécialités du luxe et de la mode.

4. De Lancel à YSL en passant par Vuitton, pensez-vous avoir changé le cours des marques que vous avez dirigées ?

Vincent Bastien : Pour changer le cours d’une marque que l’on dirige, il faut un minimum de 5 ans – ce qui fut le cas pour Louis Vuitton; pour Yves Saint Laurent, je ne suis resté que 3 ans, ce qui m’a permis de remettre la marque sur la bonne voie – qu’elle avait quitté 5 ans plus tôt – mais pas de la changer. Quant à Lancel, j’y suis resté peu de temps (18 mois) et ne m’y suis pas consacré à plein temps : mon rôle était de gérer son introduction dans le Groupe Richemont et passer le relais à un manageur – la marque était trop petite et trop bas de gamme pour me passionner surtout après avoir passé 10 ans chez Louis Vuitton puis YSL. En ce qui concerne Louis Vuitton, je ne fus que l’un des éléments d’un succès collectif, qui avait commencé avant moi – avec Henry Racamier – et a continué après moi – avec Yves Carcelle aux commandes. La seule société importante dont j’ai vraiment changé le destin est Saint-Gobain Desjonquères (devenu maintenant SGD), où je suis resté près de 14 ans et que j’ai fait passer de société en quasi faillite à leader mondial (notamment grâce à un développement vers la parfumerie, demandeuse de verrerie pour ses flacons), très rentable de son métier.

5. Le luxe est-il une industrie comme une autre ?

Vincent Bastien : Connaissant bien le luxe de l’intérieur (j’y ai passé 1/4 de siècle), j’en ai un avis très différent de celui des gens qui en sont clients mais ne le connaissent pas. Ce n’est pas du tout une industrie, mais plutôt une façon très spécifique de gérer une “maison” – en fait une stratégie très originale – applicable dans tous les métiers. Dans ce secteur et lorsqu’on se trouve à la tête d’une maison, il faut sans cesse recharger la Marque par le rêve qu’elle doit procurer : inaccessibilité ou en tout cas rareté des produits représentatifs de la marque, théâtralisation des boutiques et merchandising cohérent, campagnes de publicité fréquentes mais uniquement sur des supports statiques – excepté pour la parfumerie qui peut se servir de l’écran animé – , service, respect absolu du concept de distribution sélective au sein de réseaux de points de vente possédés en propre et gérés de façon dictatoriale, mécénat avant-gardiste… Une fois recapitalisée par cette dimension onirique vitale et donc par l’Image, la marque peut être alors “déchargée” commercialement en respectant toutefois une logique de marge essentielle au secteur (une marque de luxe n’est qu’une gigantesque machine à justifier des marges ! Ces taux de marge variant autour de 80%, ils permettent les investissements d’image et de qualité). Si vous préférez et à titre d’exemple, les quelques 11 marques prenant la peine de défiler deux fois par an en Haute Couture aujourd’hui le font uniquement pour des questions d’image, la Haute Couture permet de vendre du parfum en grande quantité ! Une part du rêve est transférable de haut en bas… Sachez que 70% du chiffre d’affaire du luxe est réalisé par la parfumerie, les cosmétiques et la petite maroquinerie. Donc les valeurs d’Image et d’Usage se manient avec une précision de laborantin : il est toujours facile de descendre le positionnement d’une marque, très difficile et très cher de le remonter ! Il suffit de regarder la façon dont Balmain a récemment coupé toutes les licenses fanatiquement accordées précédemment pour ne faire plus que des produits volontairement hors de prix (tee shirts ou jeans à 280 euros fabriqués pour ne pas être achetés, si ce n’est par quelques initiés du monde de la mode à contre-courant) uniquement accessibles dans les boutiques de la marque. Carven, Cardin et d’autres comme Guy Laroche ont vécu des heures difficiles il y a 20 ans et ont décidé d’y répondre en élargissant leur réseau de vente et en cassant la distribution sélective… Ces marques ont été immédiatement délaissées par les leaders d’opinions du monde de la mode, puis des clients historiques, puis naturellement par les nouveaux clients pour finir par échouer chez quelques jeaneries multimarques de quartier ! Je suis sévère mais ces marques furent belles… Elles le seront à nouveau j’espère, mais à quel prix ! C’est ce que j’enseigne à HEC. Comme c’est extrêmement sophistiqué, cela ne s’explique pas en quelques lignes; pour en savoir plus, le mieux est que vous lisiez mon dernier ouvrage co-écrit avec M. Kapferer : “Luxe oblige” – ou “the luxury strategy” si vous préférez l’anglais, édité chez Eyrolles et disponible dans toutes les bonnes fnac ! Vous trouverez également dans ces ouvrages quelques éléments de réponse à vos questions sur la Mode.

6. Qu’est-ce qui selon vous crée une mode ?

Vincent Bastien : Le système est pyramidal et à sens unique. Les marques proposent des gammes dont le style est sensé être en cheville avec l’évolution de la société dans laquelle nous vivons, puis la mode elle même est véritablement créée par les médias d’influence (Vogue sur le papier, Prestigium sur internet, par exemple) diffusés aussi de façon sélective ! Ensuite viennent les “early adopters” ou “leaders d’opinion” que sont les personnalités connues avec lesquelles les marques sont souvent en contrat publicitaire ou “d’ambassade”. Ce montage permet au grand public de rêver de styles, puis de produits en particulier, enfin de les désirer au point de les acheter et de les porter jusqu’à ce qu’ils se démodent…

7. Luxe et mode, quelles différences ?

Vincent Bastien : Le luxe comme marqueur social permet aux phénomènes de mode d’évoluer, la mode rentabilise l’industrie du luxe et le système dans son ensemble.

Amiral François Bellec, écrivain et peintre de la marine

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Ancien président de l’Académie de Marine, membre de l’Académie des Sciences d’outre-Mer, sociétaire et président de la Société Nationale des Beaux-Arts, François Bellec a poursuivi simultanément une activité d’officier de Marine et de peintre sur toutes les mers, avant de se fixer à Paris en 1979 pour y entreprendre une carrière de conservateur, comme directeur du Musée de la Marine de 1980 à 1997. Auteur de nombreux livres et articles sur l’histoire de la navigation, des découvertes et de la peinture d’inspiration maritime, il a été invité à faire de nombreuses conférences en France et dans le monde. Chevalier de la Légion d’Honneur, Commandeur de l’Ordre National du Mérite, Chevalier du Mérite Maritime et Officier des Arts et des Lettres, François Bellec est une figure dont le parcours atypique mêlant histoire, peinture et écriture est fascinant, rare et plein de style.

Vous considérez-vous comme une Figure de la Marine ?

François Bellec : Si tant est que nous ne sommes pas très nombreux à nous efforcer de faire comprendre la mer aux Français (Eric Tabarly définissait la mer comme « ce que les Français ont dans le dos quand ils regardent la plage ») on peut si l’on y tient m’inscrire dans le Who’s Who de la mer. A une page marginale des défenseurs intellectuels d’un héritage brillant et de valeurs en devenir, dans le chapitre des passeurs prêchant dans le désert des occasions manquées.

Projeté naguère par la bienveillance des dieux dans une charge de conservateur d’une partie de notre patrimoine de la mer que j’ignorais alors et que j’ai découvert avec émerveillement, je m’y suis investi depuis trente ans, c’est-à-dire depuis une petite vie. La peinture et l’écriture historique mais aussi de nombreuses fonctions au sein d’organismes scientifiques et culturels liés à la mer sont autant de moyens d’action qui me permettent d’espérer faire passer des messages lisibles ou subliminaux à nos compatriotes.

Le ministre de la Culture m’a confié il y a dix ans la présentation des bateaux à la Commission nationale des monuments historiques, et ce lien convivial avec des plaisanciers, des gens de mer et des associations de sauvegarde est un peu symbolique d’un engagement qui perdure à un âge où l’on est normalement écarté de la vie active

Comment définiriez-vous votre style de « peintre de la marine » ?

François Bellec : Je suis un abstrait figuratif. Comme le sont la plupart des Peintres Officiels de la Marine. Bien que le corps soit maintenant interarmées, ils conservent leur nom par attachement.

Mes confrères sont aussi à des titres divers post impressionnistes les uns, classiquement britanniques les autres ou hyperréalistes, un style qui convient bien au monde de la mer du XXIe siècle. Tous sont d’abord, il faut le rappeler, des artistes peintres tout court, même si la « marine » est un genre auquel ils sont particulièrement attachés. Je qualifie de la même façon d’abstraction figurative les (bonnes) tendances que défendent aujourd’hui les sociétés d’artistes fondées au XIXe siècle. Elles acceptent, elles en conviennent, des œuvres parfois très insuffisantes, car elles doivent financer les coûts de location, d’aménagement et d’éclairage des salles pour assumer leur vocation socioculturelle issue de leurs origines : permettre à des artistes de montrer librement leur travail. Je fais souvent remarquer que les plasticiens peintre, graveurs et sculpteurs ont beaucoup de chance puisqu’ils peuvent montrer leur savoir faire bien plus aisément que les artistes lyriques, les musiciens interprètes ou compositeurs, les acteurs ou les écrivains qui doivent d’abord faire leurs preuves.

Tombé dans un piège, je préside depuis quelques années la Société Nationale des Beaux-Arts fondée en 1890 par Puvis de Chavannes par scission de la Société des Artistes Français instaurée par l’Etat lassé des intrigues et des criailleries des jurys officiels du Salon. J’use de l’ancienneté de cette tradition pour dénoncer le détournement abusif de l’adjectif « contemporain ». Il n‘est pas la propriété d’un microcosme. L’art dit contemporain dont les maîtres sont incontestables, est parsemé d’icebergs dangereux dont le lamentable amoncellement Boltanski au Grand Palais a révélé la partie émergée. Au temps où naissaient les sociétés frondeuses et les groupes en réaction contre l’art officiel, Gauguin réclamait en leur nom « le droit de tout oser ».

Les artistes ordinaires disent aujourd’hui aux responsables et aux spéculateurs de l’art officiel qu’ils n’ont pas le droit d’oser trop loin. Sauf à renier à leurs risques et périls l’histoire de l’art qui a construit l’Europe des cultures. Cela dit, Richard Texier, dont l’amitié m‘honore tout autant que celle de Pierre Alechinsky (Je les ai exposés l’un et l’autre en majesté au Musée de la Marine), a été nommé Peintre officiel de la Marine. Nous sommes des gens fréquentables puisque nous soignons nos archaïsmes.

Et d’écrivain ?

François Bellec : Tous mes ouvrages – une vingtaine de titres plus une dizaine de contributions à des encyclopédies et à des livres collectifs – ont un caractère historique. Ils échappent donc à l’invention romanesque mais la grande histoire de la mer n’a pas besoin d’imagination pour être passionnante. Et puis, tout de même, j’ai sur un coin de bureau un long roman (historique logiquement) qui se déroule au début du XVIIe siècle entre Lisbonne et Goa, à travers cet espace sacré où ont été écrites incontestablement les plus belles pages de l’histoire de l’expansion maritime européenne. J’ai décidé d’écrire ce livre quand Jean-François Deniau m’a demandé de l’aider à bâtir un corps d’écrivains de marine à l’image des peintres.

Nous sommes vingt écrivains parlant de la mer et la pratiquant, une condition indispensable. Dont trois prix Goncourt : Didier Decoin, notre actuel président, Yann Queffélec et Jean-Christophe Ruffin, nouvel Académicien Français comme Michel Mohrt, Michel Déon et Eric Orsenna (Jean-François Deniau et Bertrand Poirot-Delpech ont disparu) mais aussi des écrivains de terrain aussi divers que Bernard Giraudeau, Isabelle Autissier, Simon Leys, Hervé Hamon, Titouan Lamazou, Jean Rolin, Patrick Poivre d’Arvor, Jean Raspail ou Pierre Schoendoerffer. Notre groupe fonctionne bien et se rassemble au moins trois fois par an dans une belle amitié littéraire conviviale.

Tous ses membres ont accepté de s’engager eux aussi dans la défense et l’illustration du fait maritime français sous la protection du chef d’état-major de la Marine Nationale. Il leur a conféré discrètement, avec la complicité du ministre qui a fermé les yeux, le port de l’uniforme, comme les peintres. Ce contact devenu plus présent avec la littérature depuis que j’assure le secrétariat général des Écrivains de Marine est la raison de ma décision de mériter la qualification d’écrivain en devenant un romancier. C’est un tout autre monde que celui de l’essai historique. Cette expérience m’a permis de découvrir, rapporteur austère de la chronique de la mer, le bonheur jubilatoire de l’invention romanesque libérée.

Une anecdote particulièrement marquante de votre vie d’amiral…

François Bellec : La question est en réalité biaisée sans malice. J’ai pris la direction du Musée National de la Marine en étant encore capitaine de frégate. Je saccageais ce faisant ma carrière selon la direction du personnel de la Marine, et c’était bien mon avis mais l’intérêt de la tâche valait bien ce sacrifice. Et puis d’heureux concours de circonstance et un ministre de tutelle passionné par mon travail pour le rayonnement de la Marine ont donné tort aux prophètes grincheux. J’ai eu le beurre et l’argent du beurre comme on disait autrefois dans la France profonde. L’anecdote, si on y tient, pourrait être l’unicité d’un officier de Marine détaché à la tête d’un musée, incroyablement imposé par le ministre à un chef d‘état-major médusé, pour une promotion au grade de contre-amiral.

Quand l’amiral François-Edmond Paris, mon lointain prédécesseur, avait été nommé en 1871 directeur du Musée de la Marine (encore au Louvre à cette époque), il était depuis longtemps retiré du service actif, vice-amiral et membre de l’Académie des Sciences. Il resta à son poste 22 ans, moi 18. L’air marin conserve les conservateurs

De la Royale à la Marine Nationale, comme vous situez-vous ?

François Bellec : Royale, impériale ou nationale, la marine sert le pays à travers des heures riches ou sombres, fidèle aux valeurs inscrites à bord de ses navires : Honneur, Patrie, Valeur, Discipline. Ce sont de belles devises et les jeunes hommes – et femmes maintenant – qui s’y engagent y trouvent avec enthousiasme de belles satisfactions de vie. La marine ne doit pas son surnom à une nostalgie monarchiste. A l’écart de la politique par tradition culturelle, les gens de mer la distinguaient ainsi du temps de leur enregistrement sous le régime obligatoire – mais déjà sécurisé avant que l’on pense à une sécurité sociale – de l’Inscription maritime. Issue des « classes » du XVII^e siècle, c’était une manière de réserve de gens de mer amarinés. Il reste d’ailleurs aujourd’hui autant de marines royales en Europe que de monarchies parlementaires.

Une anecdote illustre le non conformisme de la marine. La marine royale entra en douceur dans la Révolution. Si beaucoup d‘officiers de vaisseau émigrèrent plus tard pour sauver leur famille, la plupart des quelque seize cents officiers du « grand corps » jalousé par l’armée ne s‘engagèrent pas dans un combat idéologique. Peu émigrèrent d’abord. Les quinze cents autres continuèrent de servir dans la légalité, ouverts aux idées libérales et observant les événements sans trop d’états d’âme. Tous pensaient que l’immense prestige acquis par la marine lors de la guerre d’Amérique et sa qualité technique d’arme d’élite qu’on le veuille ou non leur épargneraient les tumultes d’une affaire politique. Révolution ou pas, leur ennemi était l’Anglais. Comme pour les conforter dans cette idée, le décret du 21 octobre 1790 nuança par un compromis l’adoption à la mer du pavillon tricolore dont Louis XVI portait la cocarde. Le pavillon national adopté par la marine conserva la couleur blanche dans les trois quart de sa surface, le pavillon tricolore – inversé alors par rapport au pavillon actuel décrété en 1794 – était réduit au quart supérieur du côté du mât. La raison de cette dérogation n’était pas une crispation réactionnaire. Après en avoir débattu furieusement, l’Assemblée Nationale avait reconnu la légitimité du refus des équipages d’amener sans combat le pavillon qu’ils avaient maintenu avec honneur sur les mers. La flotte avait obligé l’Angleterre a plier devant son pavillon blanc et à reconnaître la liberté des Etats-Unis d’Amérique qu’il protégeait. Elle le conserva.

Directeur du musée de la Marine… Un titre qui laisse rêveur ?

François Bellec : J’ai déjà un peu évoqué cette expérience fabuleuse. D’autant plus excitante qu’au début des années 1980, le musée – comme les musées en général – n’intéressait personne hors de quelques passionnés de la mer. A cette époque, avant la révolution des Musées de France, tout était en friche et tout était à faire. Au palais de Chaillot aussi et dans une douzaine de musées de marine délocalisés le long du littoral. Créer des services de conservation, de communication et d’animation culturelle, réorganiser et dynamiser la présentation des collections m‘ont procuré de grandes joies. Restaurer aussi sous l’œil vigilant des conservateurs des Monuments Historiques des immeubles classés comme le donjon du château de Brest ou la citadelle de Saint-Tropez alors propriété du Musée de la Marine, Tout était possible et nouveau : des expositions avec le concours généreux de grandes institutions enthousiastes qui n’avaient pas encore la culture du grand public, des cycles de conférences, des récitals et des concerts – jusqu’au Messie dans la grande galerie du musée déménagée pour la circonstance – du théâtre – Goldoni – avec la complicité de la régie du Théâtre de Chaillot.

J’ai ouvert il y à un quart de siècle le Musée de la Marine à tous les acteurs qui font aujourd’hui notre « cluster maritime », aux sportifs, aux chantiers navals, à l’off-shore pétrolier, à tous les pôles d’excellence du fait maritime français. Aux universitaires aussi et aux scientifiques, aux artistes et aux écrivains déjà. Ce fut une aventure dont je garderais la « saudade » si je n’avais pas le bonheur de rester en contact militant avec tous ces milieux qui me conservent leur amitié.

Pouvez-nous parler de l’expédition à Vanikoro en 2008 ?

François Bellec : Vanikoro 2008 a été une autre nouvelle expérience fabuleuse. Une aventure moderne à la recherche d’un mystère vieux de plus de deux siècles. C’était mon troisième – et manifestement dernier – séjour à Vanikoro. L’île est maléfique sous son ciel tropical lourd, gardée par des requins et des crocodiles.

Les moyens les plus performants de la recherche pétrolière mais aussi des heures de cheminement sous la pluie dans la mangrove et la forêt vierge, des heures de navigations rapides à travers le lagon et dans la grande houle du Pacifique, des heures d’hydravion, de plongée, de travaux sous-marins et de palabres avec les anciens ont permis de fermer les voies sans issue d’un mystère qui demeure : Quel a été le sort de la centaine de survivants du naufrage et comment ont-ils disparus ? Nous savons maintenant que le séjour des naufragés s’est limité à deux points précis de l’île et pas ailleurs. Plus un troisième : l’épave de l’Astrolabe qui a sûrement été utilisée comme base de vie et de défense. Nous avons été conduits enfin, juste avant de quitter Vanikoro, sur une terrasse basaltique naturelle mais aménagée aux temps des premiers polynésiens, plantée d’un énorme arbre sacré. Par recoupements de ce que nous savons et selon la tradition orale, c‘est le lieu dégagé avec vue lointaine sur la mer où s’était retiré le dernier survivant du naufrage. Nous avons approché cette fois les esprits de Vanikoro. Les médecins et les infirmières ont fait de leur côté un beau travail, en soignant en particulier une maladie cutanée endémique dont la souche a pu être cultivée en France et dont on attend maintenant un traitement.

Votre péché mignon…

François Bellec : Je dois en avoir beaucoup. Les péchés peuvent-ils être mignons ? Le plus sûr est que je suis intoxiqué par le travail. Au point de m’ennuyer en vacances.

Qu’est-ce que la Société des Explorateurs?

François Bellec : Elle regroupe des grands voyageurs et les aventuriers curieux. Elle est proche de la Société de Géographie dont je suis administrateur et que je connais beaucoup mieux. Fondée en 1821, c’est la plus ancienne société géographique au monde. Ses collections de cartes et d’ouvrages déposées à la Bibliothèque Nationale sont fabuleuses. C’est dans sa salle de conférences du boulevard Saint-Germain qu’a été décidé le creusement du canal de Suez. La société présidée aujourd’hui par le Professeur Jean-Robert Pitte, membre de l’Institut, organise des colloques, des conférences, des débats, des voyages thématiques. Elle édite de nombreux ouvrages grâce à son fonds, et elle encourage les publications sur la géographie. Elle est chargée d’organiser chaque année les débats en vue de la proposition à SAS le Prince de Monaco des lauréats internationaux du Grand Prix des Sciences de la Mer Albert 1er de Monaco selon un cycle de prospection mis en place par le Prince Rainier.

La Société de Géographie m’a confié en 2002 la présidence de ce jury sur la proposition d’Alice Saunier-Séité qui m’avait déjà entraîné à sa suite au conseil d’administration de l’Institut Océanographique. Je présenterai à SAS le Prince Albert II les lauréats 2008 et 2009 à l’ambassade de Monaco le 12 mars.

Quelle est la mission de l’Académie de marine aujourd’hui ?

François Bellec : Il aurait été moins délicat de demander : A quoi peut bien servir l’Académie de marine aujourd’hui ? Comme toutes les sociétés savantes au XXIe siècle, notre compagnie cherche à se rendre utile.

Fondée en 1752 par ce que l’on nommait des « officiers savants » pour contribuer à résoudre la longitude et améliorer la construction navale, érigée en Académie royale en 1769, fermée par la Révolution, oubliée lors de la fondation de l’Institut de France – en partie parce que certains de ses titulaires étaient aussi membres de l’Académie des Sciences – elle a été refondée en 1921 et érigée en 1926 en établissement public. La question de l’utilité d’une institution scientifique et culturelle au temps des laboratoires de recherche de l’industrie mondiale se pose en effet. Je me suis interrogé là-dessus bien entendu pendant mes deux années de présidence au cours de laquelle j’ai entamé la rénovation des statuts des membres correspondants pour tenir compte d’internet et du TGV. Nous rassemblons 78 spécialistes de toutes les disciplines civiles, militaires, industrielles, scientifiques, techniques, commerciales, juridiques, historiques et artistiques dont la plupart ont exercé des responsabilités importantes voire majeures.

L’Académie estime que ses expériences croisées lui confèrent une capacité indépendante d’expertise et de conseil. Elle répond aux questions du gouvernement ou se saisit de questions d’actualité comme la sécurité du transport maritime, l’inspection des navires, la lutte anti-pollution ou la propulsion nucléaire. Elle organise des cycles de conférences et des voyages d’études en France et à l’étranger. Elle attribue des prix de fondation et des prix littéraires, des prix de thèse et des bourses (modestes) d’études. Elle fait de son mieux pour contribuer au rayonnement de la France maritime. Elle n’est pas seule à le faire, et l’Institut Français de la Mer qui édite la Revue Maritime est sans doute beaucoup plus présent qu’elle dans les milieux actifs du fait maritime. Mais tout ce monde se connait, s’apprécie et travaille ensemble. Je suis très fier d’avoir été élu il y a juste vingt ans membre étranger de l’Academia de Marinha du Portugal avec laquelle j’ai beaucoup collaboré autrefois, jusqu’à l’exposition Lisboa 1998 qui célébrait l’arrivée de Vasco de Gama aux Indes. J’étais le conseiller pour la mer du pavillon de la France. J’avais déjà été – étrangement – le conseiller scientifique du pavillon … de l’Italie à Gênes 1992 qui célébrait Colomb. J’ai contribué en quelque sorte aux deux expositions organisées au Portugal et en Italie pour dénoncer l’appropriation imméritée des grandes découvertes par l’Espagne à Séville en 1992. Le cercle des gens de mer est vraiment restreint.

Capitaine de vaisseau ou contre-amiral, quel poste avez-vous préféré ?

François Bellec : J’ai déjà répondu plus haut que cela n‘avait rien changé pour moi puisque j’ai exercé les mêmes fonctions – achevées d’ailleurs à titre civil sous contrat -. J’ajoute en tant que marin que la carrière d’officier de marine me semble apporter des satisfactions opérationnelles plus quotidiennes et plus intenses que celle de la plupart des officiers généraux mais je suis prêt à admettre le contraire.