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Mikko Lagerstedt, the Emerging into Light

Contemporary artist Mikko Lagerstedt is an award winning fine art photographer from Finland whose enchanting photo series highlight some of Finland’s extraordinary landscapes. Mikko Lagerstedt is a 31-year-old self-taught photographer, who began taking his craft in 2008. He lives in Kerava just 18 miles from Helsinki.

Capturing simplistic Finnish landscapes and fleeting moments, he strives to use his atmospheric vision to inspire people. His surreal and unique work manages to bring an absolutely breathtaking aesthetic that depicts the mystical and sweeping splendor of the Finnish countryside while capturing the emotion of the moment.

His photography has been featured around the world in book covers, magazines and in advertisements.


1. Do you consider yourself as a figure of contemporary photography ?

Mikko Lagerstedt : Not really, I feel that I’m just a photographer creating work that inspires me.


2. How would you describe your style ?

Mikko Lagerstedt : Atmospheric landscape photography. A surreal look at how the World looks through my eyes.


3. What led you to photography ?

Mikko Lagerstedt : My first inspiration towards photography came to me on a beautiful summer evening as I was driving to my relative’s cabin in Southern Finland. A beautiful vista opened on a field filled with fog and sunrays. I stopped and stared at it and felt the need to start capturing those unique moments.


4. What has influenced you to create atmospheric photographs ?

Mikko Lagerstedt : It’s something that comes through my past and how I see life. I think it’s because of many things. One of the things that might have influenced me is that I lost my best friend when I turned 18. It was a difficult time for me. I haven’t thought about it, but I believe our past experiences make our present vision. I also know that the worst weather sometimes gives the best photographs.


5. Félix Ziem, a very famous French painter in the style of the Barbizon school once said: “J’ai rêvé le beau ” (I’ve dreamed the beautiful). What does it mean to you?

Mikko Lagerstedt : For me, it means that we all have different perspectives on what is beautiful. It’s what makes you feel rather than see something.


6. What’s your relationship with nature ?

Mikko Lagerstedt : I have always been a solitary figure, and I have always enjoyed spending time in nature. I do enjoy to be around people, but when I’m out photographing alone, I feel that I’m in my element.




7. How do you manage to bring this enchanting universe to your series?

Mikko Lagerstedt : I do what inspires me. I create how I see the World. I don’t overthink the process. I always try my best and push myself to the limits.


8. Does “the Kalevala,” this epic poetry compiled by Elias Lönnrot from Karelian and Finnish folklore and mythology inspire your work?

Mikko Lagerstedt : I haven’t thought about it. However, I think there might be a connection on how we Finns look at certain things. I love some of the poetry. I might have to go and visit again to refresh my mind with Kalevala.


9. Which photographers have an impact on you ?

Mikko Lagerstedt : I love the work of Brooke Shaden, Joel Tjintjelar and Martin Stranka. Of course, they might have influenced my work somehow. It’s sometimes hard to see it for yourself.



10. What gear do you use ?

Mikko Lagerstedt : I use Nikon D810, D800, and various wide-angle lenses to create my photography.


11. How do you play with lights?

Mikko Lagerstedt : I mostly use available light, or if I’m feeling super crazy, I might use a headlamp or a flashlight.



12. What about your future plans?

Mikko Lagerstedt : I will continue to create work that inspires me. I also plan to build a community and influence more people by teaching photography and how to see the World from your unique perspective !


More about Mikko Lagerstedt 

Capturing the humanity of the moment with Albarrán Cabrera

Albarrán Cabrera are the photographers Anna Cabrera (b. 1969, Sevilla) and Angel Albarrán (b. 1969, Barcelona) who work together as a collaborative duo based in Barcelona.

The work of Albarrán Cabrera has been shown in galleries and photo fairs in Spain, Japan, Switzerland, The Netherlands, France, Germany, Lebanon, Italy and the United States. Anna and Angel both have studied under photographers such as Humberto Rivas and Toni Catany, among others.

Some of their prints have become part of private collectors and institutions such as Hermes, Goetz Collection, Banco de Santander, Fundación de Ferrocarriles Españoles among others. They have also produced printing work for several institutions like Fundació La Pedrera in Barcelona, Fundació Toni Catany in Mallorca, Reina Sofia Museum in Madrid or Barcelona Photographic Archive.




1. Do you consider your tandem as a figure of contemporary photography ?

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : We are sons of this time and era and we embrace the new possibilities, while at the same time we keep using ancient techniques. Our attitude is to have as many tools as possible to better convey a message.

To create our prints we use all what we have at our disposal: from processes created at the end of the 19th century to the newest ones. Thus, we use old techniques such as platinum/palladium or cyanotype, to digital negatives or pigment prints. Our motto is the more tools you have the more creative you can be. The only requirement is not to be afraid of experimenting and spend lots and lots of time learning, learning and learning.


2. How would you describe your style ?

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : We have never actively looked for one, so we cannot describe it. Photography is something closely related to our personal growth as persons. Our goal is to learn and know more about the reality that surrounds us and photography is the tool to understand and learn more. This means that our “style” evolves at the same time we are learning, and therefore changing, as human beings.


3. For how long have you been working together ?

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : We met each other in 1987 and the way of behaving explained above started then. But working “seriously” and being conscious of the importance of photography as a tool to learn is something that started around 1994 when we rebuilt our first “serious” darkroom at home.


4. Tell us about your experience…

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : Our relation with photography started a long time ago at a time when we were still working independently. It was for us, as for most people, a way to store memories. When we met is when we realised that photography can also be a way, or an excuse, to learn more about the world you live in.

Time, reality, existence, identity and empathy are highly interesting subjects, but the most fascinating thing is the relation between them. These relations are difficult for us to explain by means of words and that’s why we rely on images. We are particularly interested in memories and the role they play in our understanding of these subjects and relations.


5. What mission do you photograph ?

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : Juan Rulfo in his book Pedro Páramo writes: “Nothing can last forever; there is no memory, however intense, that does not fade.”

The fact of collecting images or not depends on the person. For us, photographs reinforce our memory.  And at the same time, they provide us with a wider knowledge and a better understanding of the world around us. Personally speaking, we are as interested in the objects photographed as in all the ideas and knowledge which we have to previously acquire in order to conceptualize them as images.


6. Your work arouses many emotions to the viewer as an introspection into the intimate realms…

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : we may not be able to answer the big questions about time, reality or space, but we are interested in exploring how a photographic image can make people think about their reality. Being aware is not just an important part of life; it is life as we know it. By using photography, we want the viewers to increase empathy and arouse interest towards their reality.

We are particularly interested in memories and how they work. We want to play with the memories of the viewers to construct a representation inside their minds. Of course we will never know what the final result will be, because any person has different memories and grew up in different cultures and environments. Our images will only be the bare bones of this mental construction.

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7. Which artists influence you ?

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : Different kinds of artists belonging to different disciplines such as photographers, painters, writers and scientists have always had a strong influence on us. To name a few:  Josef Albers, Harry Callahan, Luigi Guirri, Duane Michals, Toni Catany, Pentti Sammallahti, Gueorgui Pinkhassov, Ralph Gibson, Masao Yamamoto, Adam Fuss, Gerhard Richter, Giorgio de Chirico, Pierre Soulages, Giorgio Morandi, Anseln Kieffer, Lee Ufan, Julio Cortázar, Yasutaka Tsutsui, Haruki Murakami, George Orwell, Juan Rulfo, Tawara Yusaku, Michio Kaku, Erwin Shröedinger, Carlo Rovelli, Satoshi Kon, Wong Kar Wai, Christopher Doyle….


8. Could you define yourself as a witness of the world around you ?

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : Any human being is a witness of the world around him, but that world has been created by his perception.  In turn, perception is not reality, but a projection of ourselves. Our purpose when using photography is to make visible elements which are perceived but that we cannot see at first sight.


9. Your work could be described as a memory syndrome full of poetry…

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : We believe that we are our memories. They define what we are and help us to understand our reality. When we remember, we do not recall a perfect stored representation of the event. A memory is not a snapshot or movie of our lives. We reconstruct our memories based on a set of things that happened, that we perceived and imagined. What those things are also depend on our past experiences, our knowledge, and us. Consequently, each time we recall an event, we change it. We construct a skeleton with the most important pieces and fill the gaps with our imagination. So the memory recreated is not a perfect representation of the event. Our memories are rather flawed but we do not even realize it.



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10. Japan seems to have a deep impact on you both

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : Japanese culture is very important for our work and us. This culture is subject to many stereotypes and enormous misconceptions. At the beginning, you can fall into the trap of its aesthetics and philosophy. But once you study the language, the people and their history, you discover the reality about this country: the good, bad and horrible things -that any country has-. And yet, there is still something fascinating: Japan offers us a completely different interpretation of reality compared to our Western conception. We all live in the same world, but it is interpreted from many, totally different points of view.

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11. How do your organize your work together ?

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : We met each other in 1987 but started to sign together some 18 years ago.When we met, we realized that we had many things in common and one of them was photography.  So, we decided to work on that together.  

Our working methodology has been changing over the years, though.  At the beginning, we went shooting together, but in the lab, each of us used to process and print their own pictures. But the resulting images were very similar as our way of seeing is also very much alike. As it had no sense to continue working like that, we changed it. 

Now we function as if we were just a single photographer. Our images are mixed and we work with them in the darkroom or the computer without thinking who really took them.


12. What about the future ?

Anna P. Cabrera & Angel Albarrán : We want to continue learning and working in new projects. Because of photography, we are studying new languages, we are travelling to new countries and meeting really interesting people.

To live our everyday life as photographers is the most important thing for us right now, so we are deeply enjoying the ride.


More about Anna P. Cabrera & Angel Albarrán 

Christopher Wilson, itinerary of a gifted man

Christopher Wilson is a highly talented, multifaceted photographer who shoots a variety of subjects. His strong visual style unifies many disparate genres. After 15 years in the advertising world as a writer and art director, Christopher Wilson jumped off a cliff to start Photography. As an advertising creative, Christopher Wilson created a vast portfolio of powerful campaigns for some of the most recognized luxury brands there are, including Audi, Infiniti, Jaguar, Nikon and Ritz-Carlton to mention only a few. During his career as Audi’s creative director, Wilson was responsible for some of the most beautiful and compelling pieces.

Pursuing an atypical path, he has been a ballet dancer in a previous life. He danced 8 hours a day, made no money, survived on bread and coffee, lost 20 pounds he didn’t have, looked like hell and broke his ankle twice…. And prior to that time, he was at Dartmouth College where he studied Ancient Greek and Latin Literature. Good stuff to know, he says, if you ever want to work in the Vatican.

Why did a man well into his advertising career move into photography ? The answer is more interesting than the question : he is an artist, not just an ad man, and his experience informs both his art and his vocation.


1. Do you consider yourself as a figure of contemporary photography ?

Christopher Wilson : If the question is do I consider myself a contemporary photographer, the answer would be no. The word “contemporary” is not a word I’d use to describe my work. If anything, I’d love my imagery to be feel more timeless, more classical. It’s really quite simple for me: I just want to create something that resonates with the heart. Robert Frank once wrote, “When people look at my photographs I want them to feel the way they do when they want to read a line of a poem twice.” I love that, as that is exactly the way I would love my photographs to be “read,” if you will – as a beautiful poem.


2. How would you describe your style ?

Christopher Wilson : “Style” is a funny word for me, as I feel it implies that there is a conscious decision on my part to impose a look on my imagery. There isn’t. Not at all. I know people say I do have a style, and use words such as graphic and clean to describe my work, but I never start out intending to make my images fit within a certain style. They just often end up looking a certain way as the result of an intention just to get to the heart of the matter – which, for me, usually means a lot of editing out in terms of elements within a composition. There is a lot of forethought that goes into every project I shoot, and my framing is very considered, and that I suppose plays into my “style.” People often say all my work – regardless of what I am shooting – hangs together, and speaks with a certain and distinct voice. And I can see that, but, again, if this is so, it all happens unconsciously. There is no plan on my part to have my imagery fit within a look. That would be horrible, I think, and very limiting in the end.



3. Dancer, writer, art director, photographer. Tell us about your several faces.

Christopher Wilson : Well, life is funny, isn’t it ? You start off thinking you’re going down a certain path and you’re going to do this thing, and then the path twists and turns and you end up going down another path, and before you know it, years have passed and you’re doing something you never imagined you would be doing. That’s the way life has been for me. I never ever imagined I’d be a professional photographer. There was no intention, ever, of being one. One thing just led to another which led to another. And now, looking back at my life, it all makes sense to me. Everything I’ve done in my life, whether I succeeded at it or failed miserably, has informed who I am now as a human being and as a photographer, and I’m grateful for it all. I don’t have several faces. It’s just one face on one path that has a lot of twists and turns.


4. What about your jump into photography ?

Christopher Wilson : To be honest, I didn’t make a conscious decision, ever, to become a photographer. There was no jumping into photography on my part. What is more true is that I fell into photography. I was working as an art director at Team One in L.A., helping them create a new campaign for Ritz-Carlton. I shot some images for my layouts. The campaign died, but the agency liked my imagery enough that they asked me to photograph another campaign for Ritz-Carlton in Vietnam. And that was the beginning. I had no idea what I was doing. I couldn’t have told you the difference between an f-stop and an ISO for the life of me. But somehow, wonder of wonders, it all worked out. And it led to another project. And then another. And then I woke up a year or two later, and discovered I was making more money shooting than I was art directing or writing.



5. Is capturing the world a way of marking history in your own way ?

Christopher Wilson : No, I’ve never thought of my work in this way. But this is what I believe. I believe a great image can have the power to restore faith and heal, and that is what motivates me now as a photographer. The question I live in now is: How can I be a counterweight to the divisiveness in this world ? Seamus Henley, the Irish poet who won the Nobel Prize for Literature, once wrote that poetry can be exactly that – a powerful counterweight to the evil in the world. And I feel, as silly as it may sound, my job as a human being is to be a counterweight to hate. It is the only way I know how to be a part of the antidote to violence. I fail way more often than not, of course, but it is THE driving force in me now, and it has allowed me to be a better father, a better husband, a better friend, a better human being really. And unquestionably, it is the driving force for me as a photographer. I don’t care what I’m shooting, or if I’m shooting for a client or not, I am always looking for something that could live as a counterweight to hate.


6. How do you manage to unify many disparate genres in your work ?

Christopher Wilson : I never think about unifying anything. I’m only interested in shooting what’s in front of the camera to the best of my ability, with the hope of capturing something compelling. It’s always about solving a problem. What can I do to make this image interesting ? Where should the light come from ? What would make for a great background or location ? That sort of thing. There is no “managing disparate genres” involved at all. No conscious intent to make all my work, regardless of genre, hang together. That all happens unconsciously. My feeling on this matter is, since it’s all coming from me, it all looks like my work. It’s odd. I’m always looking to break out, and do something different than what I do, but somehow, no matter what I do, it always ends up looking like what I do. 


7. What other artists influence you ?

Christopher Wilson : I’m not sure I’m influenced by any artists. I do look at many artists, however, for inspiration. Some artists, whether they be photographers or painters, I look at for composition, and points of view. Others I love because of their use of color. Others for their use of light and darkness. Sometimes it’s just their spirit I love. Nadav Kander, for example, I love for his restlessness. I feel he is constantly searching to create something fresh. I don’t always love his imagery, but I love his spirit of experimentation. I also love Irving Penn, for the same reason. He could photograph anything and make it art. I love Albert Watson for his black and white portraiture. There is an edge to his work that I am always drawn to. None of my imagery could ever be compared to any of these photographic giants. Never. And I have no desire to be them. It’s their spirit and passion that inspires me. My only desire is to somehow be me, whatever that may mean. It’s a constant trying to stripe away to be as authentic as possible. Mostly I fail. Sigh. But I keep working at it. Maybe when I’m old and decrepit.


8. Do you think photography perpetuates the figurative fiction of painting ?

Christopher Wilson : That is an interesting question, as, coincidentally enough, it’s one I am living in right now. I want to do more portraiture, and I find myself looking much more at figurative paintings than photography now for inspiration. Just recently I discovered the figurative work of Francis Bacon, and I absolutely loved it. I also am a huge fan of the drawings of Useless Arm, a contemporary artist. Somehow, I would like to take my photographer, and particularly my portraiture, in a more painterly direction. I’m not sure what that means yet, but it’s really what interests me most right now.



As an example of this, over the last few months I’ve been reworking portraits I photographed of indigenous tribes in Tanzania, trying to make them feel more painterly, if you will.




These profile images of a Maasai warrior, in particular, reminds me of the early Renaissance portraits of Piero della Francesca – which was completely unintentional on my part. But I did study Renaissance Art in college, so it must have come out unconsciously in this image.



9. What about your passion for bikers and races ?

Christopher Wilson : Again, as with the photographers that inspire me, I love photographing people who are passionate about what they do, whether they be race car drivers, bespoke bike builders, surfers, cowboys, what have you. None of these things are my passions, but there is something about people who are up to stuff, who push their limits, who dare, who are in love with life, that I find absolutely compelling. In some ways, photographing them is easy, as the camera loves their spirits and energy. All of them inspire me, and expand my life immensely.


10. What are you most proud of ?

Christopher Wilson : That’s easy. My wife, and my two daughters. My wife, Cathy, is everything to me. My wife, my partner, my life. This woman rocks in so many way I can’t even begin to list them. Not only is she my wife, she is the best producer I’ve ever worked with, and the business end of my company. She is my fifth Beatle – the one that gets no credit, but actually deserves most of the credit. I can’t imagine my life with her in it. Why she said yes to me I have no idea. And my two daughters? What can I say. They are, by far, the best things I’ve ever created.



11. Do you travel often ?

Christopher Wilson : Yes. All the time. It’s part of the job of being a photographer. And I feel very blessed that what I do for a living has allowed me to see so much of this beautiful planet. I pinch myself all the time, as I can’t believe it’s happening.


12. What about your future plans ?

Christopher Wilson : My list of potential projects is endless. When I’m not working for a client, I’m always working on personal projects. Right now, I have three that are consuming me. One, going back to Jamaica and photographing more formal portraits of Rastafarians. Not the rent-a-dreads, as the locals call them, that you’d see on the beach. But the real gurus, if you will, who live in the mountains. I find their disciplined, sparse lifestyles fascinating. Secondly, I’m working on a journal that I hope to publish quarterly. It would include my photography, of course. But I want to include other artists, as well – particularly writers and poets. I want this publication to be a printed community, if you will, for visual inspiration. And lastly, I’m working on project with a dear friend of mine who is a passionate biker and bespoke bike builder. I want to document his personal offroad odyssey through Bolivia, where the journey through these barren landscapes becomes the outward manifestation of an inward journey of self-discovery. I’m very excited about all these projects.

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Pop art at the crossroads between worlds with Ketna Patel

Born in 1968, Ketna Patel  is a British-Indian contemporary pop artist based in Singapore. She has lived in three different continents: Africa; Asia; and Europe. She is of Indian descent but is born in East Africa and holds a British citizenship.

After graduating from The Architectural Association in London with a degree in architecture, Ketna Patel moved to Singapore to begin her career as an architect. Afterwards, a disillusionment with the corporate world led her on a journey of metaphysical exploration, when she started questioning her existence, her place in the world, and society in general. Having given up a corporate career, Ketna Patel then embarked on a career as an artist.

The art of Ketna Patel reflects much of her own personal journey as an outsider and global citizen, observing, discovering and embracing one’s cultural identity and the desire to belong to a community. Reflections of socio-political and cultural identity exploration in everyday life of today and yesterday are common themes portrayed through her art. Her mission is simply to communicate the story of the lesser-known individual within these landscapes. 

In addition to having won awards such as the ASEAN Art Award in 2002, Ketna Patel’s artwork has captured attention outside the arts circles. Most recently, her Asia Pop collection was used as inspiration for fashion label AllDressedUp’s Spring/Summer 2010 collection. Ketna Patel has recently been featured in Bridget Tracy Tan’s ‘Women Artists of Singapore’ published by Select Books, Singapore.


1. Do you consider yourself as a figure of Contemporary Art ?

Ketna Patel : I feel that the term ‘Contemporary Art’ has become conveniently generalized, and often avoids the reflection and rethinking that is needed to understand our increasingly complex world.  Others call me ‘contemporary Artist’, but I straddle many realms that are independent of each other, yet connected through my world perspective.  These are:  Studio Artist, Designer, Observer / Traveller, Activist, Student, Communicator.

I think society exists in a ‘Heterotopic’ space today where Art can and should be categorized in ways that go beyond the contemporary!  We need a better critique of what Art is, and sometimes, words and limp definitions simply get in the way.


2. How would you describe your style ?

 Ketna Patel : Global. Pop. Fluid. Chameleon. Relative.

Princess Elizabeth and Philip, Duke of Edinburgh, pose with King George VI and Queen Elizabeth and other members of the royal family at Buckingham Palace, after their wedding, 20th November 1947. The two pageboys are Elizabeth's cousins, Prince William of Gloucester and Prince Michael of Kent, and the eight bridesmaids are Princess Margaret, Princess Alexandra of Kent, Lady Caroline Montagu-Douglas-Scott, Lady Mary Cambridge, Lady Elizabeth Lambart, Pamela Mountbatten, Margaret Elphinstone and Diana Bowes-Lyon. (Photo by Topical Press Agency/Hulton Archive/Getty Images)


3. Could you tell us about your experience ?

Ketna Patel : We are a product of our conditioning and of original thought. For the former, my experience is my Indian background that I wear on me like a snail with a shell. Growing up in Kenya, East Africa, I always felt like I could not quite relate to all the people I was exposed to, and my inner world seemed larger than my outer. This gave way to creativity; to make things out of nothing. I was fascinated by human behaviour, and conveyor belt type lives where many individuals seemed like walking templates. It made me wonder about the opposite! Some people call it Philosophy – my favourite subject. So I was attracted to subjects that combined aesthetics and visceral expression with the rigour of thought, analysis and contemplation of life.

I studied Art, Interior Design and Architecture for a decade in London, and moved to Singapore to work as an Architect. Being trapped in an office all day for a few years brought out the rebel in me, and since then, I have become an official member of that expanding tribe of Global, cultural chameleons! Like many of us, I also belong to The older I become, all the ‘external labels’ of country, culture, nationality etc. seem to matter less compared to the geography inside of us.


4. Does your dual nationality nurture your worldview ?

Ketna Patel : Absolutely.  Most of my acute realizations taken place when I am on the ‘bridge’ between things, places and people.  That middle space which is often invisible, overlooked, taken for granted or neglected. I am an indian who grew up in Africa, and yet have had a British passport all my life. All my extended family of aunts, uncles, cousins etc. live in London, and I am very close to them. Through them, I see how the British – East African – Gujarati diaspora works, and that has made me sensitive and therefore attracted to other diasporas. All my life, I seem to have constantly oscillated from ‘first world’ to ‘third world’; poverty to wealth; chaos to over systematization.  It is in these contrasts that the wealth of my observations lie.


5. You’re living in Singapore, a good crossroad in Asia…

Ketna Patel : Singapore has been the longest I have lived anywhere, and it will always feel like home. For more than two decades, it has been the launchpad into countless travels; a myriad of lives and cultures, and has been the most cosmopolitan experience of my life thus. This is where I really discovered ‘Asia’, and ‘Asians’.  This is also where I made my closest friendships, many of which are all over the world today, and refreshed constantly.


6. Your indian roots definitely reflect in your work, it could be considered as a tribute ?

Ketna Patel : My ‘Indianess’ is such a fundamental part of me. Having cultural and linguistic access to one of the most ancient living civilizations in the world is a source of immense joy, but also a responsibility for the ‘story telling’ part of me.   Even when the experiences in India have been painful, the life lessons embedded within are throbbing with human vitality, teaching me about the shades of grey between the dark and light sides of ‘good’ and ‘bad’. I love delving into India’s history; its mythology and symbolism, and simultaneously partaking in its bewildering present day paradoxes. India and being Indian has been the biggest teacher of humility for me, and has helped me to see the whole world as a ‘stage set’, with each of our metaphysical experiences within this world as being temporal and fleeting. Its not what we do that matters so much as the state of consciousness we are in when we live our lives. That has made me see almost everything as a grand allegory, with myself being the metaphor.


7. Do you think that Art is fulfilling yet a specific mission nowadays ?

Ketna Patel : Art and the ‘value’ of Art, combined with the rigging of the presentation of Art indicates tremendous manipulation. Art also seems to have become a fashion. The ‘platforms’ that Art has to sit on in order for it to reach an audience is quite problematic in that direct communication between the Artist and the audience has been impeded by the agents in between. Even if their intentions are sincere, crazy costs get in the way, and sales and marketing becomes pre-meditated, and increasingly loses its freshness and innocence. Capitalism is killing Art, for true Art expression requires freedom. For example London has become too expensive for an artist to have a full time regular Arts practice. Artists need to be largely free to comment, criticize, make Art. Instead, I see many Artists forced to ‘hustle’ so that they can make their ends meet.  Also, there is a lot of ‘fake it until you make it’ going on….



8. Which artists have a deep impact on you work ?

Ketna Patel : The famous names are important as bookmarks in the narration of our human history, but these tend to be largely western, so apart from an educational, appreciative and respectful acknowledgement. It is Art coming out of the marginalized communities that I am fascinated by. Many a time, it is the ‘unknown’ tribal or folk artist and their expressions who leave the most lasting impressions on me. For e.g Indian truck art, graffiti by Palestinians in Israel, African street signs, newspaper caricatures, aboriginal art etc. Often, my compositions fuse both the sensibilities of ‘high art’ and ‘marginalized art’ resulting in what has been defined as ‘Pop’ Art.

Literature, more than visual Art also moves and influences me greatly. I am attracted by philosophy, so naturally gravitate towards the road less traveled; to individuals who do not have to belong to a group or organization or club to feel rooted. Forever trying to figure out how much of me is conditioned and how much original, and I delight in stumbling across / resonating with words from a book, a heartfelt story, a human wavelength that can explore the abstract; the mystical; the comic.



 9. What’s your relationship with colors ?

Ketna Patel : Every emotion, person, experience, culture, smell and memory comes with associative colours, so to ‘unpack’ these intuitively is like second nature. Colour is frozen energy; compressed emotion. I grew up with very strong expressions of colour surrounding me; from the kenyan kitenge cloth and the masaai tribes, to the sarees and clothes of the Gujarati Indian community I hail from. I use colour very deliberately in my compositions; to highlight the passion, politics and tension behind each narrative. Often, the artworks appear very ‘pretty’, but are laden with subtext and darkness upon closer inspection.


10. What kind of materials do you use ?

Ketna Patel : A lot of my work involves re-composing photographs from my travels, so my studio is often my computer! However, I love getting my hands dirty too, and this can be with found objects, paint, textiles, car bonnets….absolutely anything and everything!

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11. Do you travel often ?

Ketna Patel : Yes. At least half my time seems to be ‘on the road’ or in temporary studios.


12. What is your favorite memory as an artist ?

Ketna Patel : Walking through places with strong history. Varanasi, Venice, Balbeck in Lebanon, Jerusalem, Cairo, Petra (Jordan), Cuba, Borobodur (Indonesia) to name a few. My emotional experiences are always heightened in spaces that have been painted with the patina of ‘time’.


13. Have you ever worked with fashion designers ?

Ketna Patel : Yes.  A Fashion label called ‘Alldressedup’ in Singapore recently worked with me for their spring summer collection, which was shown in 25 countries.  A fun project!


 14. Are you an optimist by nature ?

 Ketna Patel : But of course!


15. What are your future plans ?

Ketna Patel : For many years now, I have been witnessing the increasing urbanization of human society, and all the repercussions this brings.  For e.g, my studio in India is in Pune, one of the fastest growing cities.  There is a lot to analyze from just what is happenning there.

In India, where 75 % of people live in villages, 30 people leave rural environments to move to cities. What will this do to our national identity? Our policy makers seem to measure everything in terms of jobs and GDP and other such data. What about the loss in wisdom, local knowledge, our individual dignities? Rampant migration anywhere has a huge impact, and this is my main subject of enquiry.  My suitcase is always packed and on standby!


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Mouvements de l’être intérieur avec Caroline Denervaud

C’est à travers la symbiose entre le mouvement et le corps que l’artiste plasticienne Caroline Denervaud approche ses compositions : elle danse pour “se parcourir”, et peint pour garder l’empreinte des mouvements de son esprit en rapport avec les conditions du monde qui l’entoure. Dans cet acte créateur, son corps participe activement à cette quête d’une forme simple et d’un équilibre juste pour représenter à l’aide de son pinceau, les contours d’un mouvement, d’un instant, d’une émotion quelque soit le média : une performance, une video, une peinture ou un collage. 

Cette méditation autour du mouvement demeure son moyen d’expression le plus sincère, brut, et libérateur. C’est à travers ses vidéos qui répondent méticuleusement à une unité de temps, de lieu et d’action que l’on parvient à s’immerger dans le souffle créatif de Caroline Denervaud : des mouvements de danse s’entremêlent aux gestes du matériau pour parvenir à un équilibre ténu et apporter une vie nouvelle à l’art de la performance. 

Née en 1978 à Lausanne et vivant actuellement à Paris, Caroline Denervaud étudie la danse et la Chorégraphie au Laban Center à Londres. Après un accident, elle décide d’orienter ses recherches et se forme aux Beaux-Arts de Paris puis au Sudio Berçot. 

1. Vous considérez-vous comme une figure de l’art contemporain ?

Caroline Denervaud : On pourrait dire que je suis une chercheuse dans mon art, à une époque contemporaine.

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Caroline Denervaud : Poétique, joueur, parfois risqué, un peu naïf, spontané, sans doute assez abstrait.

3. Racontez-nous votre parcours…

Caroline Denervaud : Mon rêve aurait été d’être danseuse. Après des études de danse à Londres et un accident, j’ai du arrêter, un peu brutalement. Il fallait alors continuer autrement. Je suis entrée aux Beaux-Arts de Paris pour deux ans, puis au Studio Berçot pour y étudier la mode. C’est seulement en 2014 que j’ai osé montrer mon travail, notamment sur Instagram et cachée sous un pseudo. Ce premier pas fut comme une naissance, une existence plutôt. Depuis je continue à présenter mes recherches et à exposer. Je continue à chercher, à faire sortir, à lâcher, jouer… quotidiennement.

4. Peut-on dire que vous êtes une artiste pluridisciplinaire ?

Caroline Denervaud : Oui. J’ai besoin de cette liberté, je ne veux pas m’enfermer dans une seule discipline.

5. Quelles figures artistiques vous inspirent au quotidien ?

Caroline Denervaud : Pina Bausch, Paul Klee, Jean Arp, Serge Poliakoff, Anne Teresa de Keersmaeker, Picasso, Morandi, les frères Van Velde, Calder, les Dadas.

6. La chorégraphe Anne Teresa de Keersmaeker définit la danse comme “une architecture en mouvement”, n’êtes-vous pas dans la même mouvance appliquée aux arts plastiques ?

Caroline Denervaud : J’ai suivi un stage chez Anne Teresa de Keermaeker et cela a été fascinant de voir à quel point la base d’une recherche peut-être différente. Je comprends cette phrase et approuve sa justesse pour les arts plastiques mais je dirais qu’elle peut correspondre soit à la base de la recherche, soit à la finalité, soit aux deux peut-être ? Dans mon travail ce n’est pas l’élan premier mais quelque chose d’important. Cette phrase me plait beaucoup !

7. De l’inspiration à la création, quelles sont les étapes de votre travail ?

Caroline Denervaud : Toujours faire le vide d’abord, mettre le cerveau en veille. Le reste généralement suit ! J’ai besoin d’être seule. Je ne reviens jamais sur une peinture ou une vidéo, je travaille vite, dans l’instant. Si je geste est trop posé, j’arrête et recommence autre chose. J’aime que ce soit spontané.

8. Que pensez-vous du travail d’Helena Almeida dont l’oeuvre questionne le rapport entre corps et mouvement pour en faire une oeuvre d’art ?

Caroline Denervaud : J’ai beaucoup d’estime et de respect pour son travail. Le corps est une base, le mouvement me fascine dans sa richesse et sa simplicité d’expression… l’oeuvre d’Helena Almeida me touche. Je préfère d’ailleurs ses photographies et vidéos sans peintures. Il y a beaucoup de vulnérabilité et pour moi c’est très fort.

9. Avez-vous déjà songé à des performances mêlant art plastique, danse et percussions corporelles ?

Caroline Denervaud : Oui, on peut dire que dans mes vidéos on retrouve un peu tout ça. En public je ne l’ai jamais fait par contre. Je ne sais pas si cela me tenterait, on ne sait jamais!

10. Pratiquez-vous un instrument de musique ?

Caroline Denervaud : Malheureusement non.

11. Quels matériaux utilisez-vous ?

Caroline Denervaud : J’aime beaucoup faire mes mélanges. Actuellement je travaille à la caséine mais aussi à la cire. J’aime beaucoup l’encre aussi, parfois le pastel sec. Toujours sur papier !

12. Comment travaillez-vous la couleur ?

Caroline Denervaud : C’est difficile à dire. Comme la forme sans doute, c’est un équilibre. Là la phrase d’Anne Teresa de Keermaeker me serait utile !

13. Des projets à venir ?

Caroline Denervaud : Des décors pour un défilé, un salon et une exposition à Boston avant le printemps.

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De la musique avant toute chose avec Cyrille Dubois

Révélation Lyrique aux Victoires de la Musique Classique 2015, Cyrille Dubois est depuis toujours un artiste insatiable de découverte de nouveau répertoire. Il  découvre le chant pendant son enfance dans les classes horaires aménagées de la Maîtrise de Caen (direction Robert Weddle). Grace aux auditions hebdomadaires, il aborde pendant ces années un large répertoire sacré et profane. En tant que soliste, il a pu participer à de nombreux projets tel les Pie Jesu des requiem de Fauré, Duruflé, ou Andrew Llyod Weber, les Chichester Psalms de Bernstein ou le Tour d’Ecrou (Miles) de Britten à l’Opéra de Lyon et Chambéry.

Quelques années après, il entre en ténor au CNSM de Paris (Classe d’Alain Buet). Mais la grande passion de Cyrille réside dans le Lied et la Mélodie dont il est un émissaire recherché. C’est au contact d’Anne Le Bozec et Jeff Cohen avec lesquels il se produit en récital, qu’il découvre ce répertoire. Il forme avec le pianiste Tristan Raës le Duo Contraste. Des rencontres avec de grands interprètes de ce genre leur a permis d’approfondir et d’élargir leur répertoire avec notamment une masterclass avec Helmut Deutsch pour les Lieder ou des rencontres avec François Le Roux pour la mélodie. Leur éclectisme ne trouve pas de limite ! Lauréats du Concours Boulanger et triple lauréats du concours de musique de chambre de Lyon (dont 1er prix et prix du public),  ils sont dès lors invités à de nombreuses reprises à défendre le répertoire de la mélodie Française autours du globe (Palazetto Bru-Zane de Venise, Opéra de Paris, Festival de St Petersbourg, Musée Claude Debussy, Musée de l’Armée aux Invalides, Whigmore Hall à Londres et à Moscou…) et se font chantre de la défense de ce répertoire. Cyrille a pu également faire des récitals avec Michel Dalberto, Nicolas Stavy ou plus récemment un récital sur les Canticles de Britten à l’Amphithéâtre Bastille. Avec orchestre il a interprété les Illuminations de Rimbaud de Britten, Pulcinella de Stravinsky avec l’Orchestre de Normandie.

Après ses années au CNSM il intègre le prestigieux Atelier Lyrique de l’Opéra de Paris qui lui donnera ses premières opportunités de se produire en scène : Sam Kaplan dans “Street Scene” de Kurt Weil, Gonzalve dans “L’Heure Espagnole” de Ravel, “la Resurezzione” de Haendle (Saint Jean) (direction Paul Agnew) et “La Finta Giardiniera” de Mozart (Il Contino Belfiore).

Hors Atelier il a également pu interpréter d’autres rôles tels : “La Flûte Enchantée” de Mozart (Tamino), “Gianni Schicchi” (Rinuccio – Gherardo) de Puccini, ou “Le viol de Lucrèce” de Britten (Male Chorus), “Les noces de Figaro” (Don Curzio) de Mozart. Ou à la suite du 21ème concours international de chant de Clermont Ferrand qui lui donne la possibilité de chanter, le rôle d’Edoardo dans “La Cambiale di Matrimonio” de Rossini dans de nombreuses salles françaises. Aussi a-t’il a pu rencontrer Jeannine Reiss, Dame Ann Muray et Nathalie Dessay lors de masterclass.

Son début de carrière l’emmène sur les plus grandes salles de France et d’Europe : à la Scala de Milan et l’Opéra de Paris dans “Les Contes d’Hoffmann” (Nathanaël), la Monnaie de Bruxelles début 2013 dans une création contemporaine de Benoît Mernier: “La Dispute” ou au Théâtre des Champs Elysées où il a effectué un remplacement au pied levé du Conte Almaviva dans « le Barbier de Seville » de Rossini. En 2014, il a interprété Gérald dans Lakmé à l’Opéra Théâtre de Saint Etienne ce qui lui a valu d’être considéré comme un des espoirs du chant Français (primé révélation lyrique 2014 par le syndicat des critiques musicaux). Après avoir été remarqué dans les 4 valets  des « Contes d’Hoffmann » à l’Opéra de Lyon, puis le rôle de Brighella (Opéra de Paris) couplé avec celui du Tanzmeister à l’Opéra de Toulon et fait ses débuts à Garnier (Opéra de Paris) avec le rôle d’Oronte dans Alcina de Haendel dirigé par Christophe Rousset ou dans la re-création à l’Opéra de Paris du Roi Arthus (Chausson) (avec Roberto Alagna, Thomas Hampson) ; il a été sélectionné en 2015 par le Centre Français de promotion Lyrique pour interpréter le jeune premier (Coelio) dans « Les Caprices de Marianne » d’Henri Sauguet dans de nombreuses salles de province. S’en suivent des rôles de plus en plus importants : il a été Pâris aux côtés de Karine Deshayes à l’Opéra de Toulon (la Belle Hélène, Offenbach) ; Ses débuts comme Gonzalve (L’Heure Espagnole, Ravel) au Festival de Glyndebourne (GB). Il a récemment été Don Narcison (Turco in Italia, Rossini) à Metz et Modena (Italie) ; Marzio (Mitridate, Mozart) au Théâtre des Champs Elysées et à Dijon,  et enfin Belmonte (Entführung auf dem Serail, Mozart) à l’Opéra de Lyon, ou Ferrando (Cosi fan Tutte, Mozart) à Rouen.

Il a été parrain de la journée européenne de l’Opéra au théâtre de Caen en mai 2016. Il a pu également participer à 2 saisons de l’émission « la Boîte à Musique » de Jean-François Zygel sur France 2. Mais fidèle au monde amateur et choral qui l’a vu grandir (dans la petite commune littorale de Ouistreham Riva-Bella) il n’oublie jamais de transmettre sa passion, aussi souvent qu’il le peut, dans la Manche où il habite maintenant.

Au disque, outre les enregistrements qu’il a fait étant enfant avec la Maîtrise de Caen (notamment les petits motets de Brossard, salués par la critique internationale), il a été l’invité de Radio France pour l’enregistrement de “Tistou les Pouces verts” de Sauguet et du Centre de Musique Baroque de Versailles pour “Renaud” de Sacchini, les Horaces de Salieri (à paraitre) avec les Talens Lyriques, et la Caravane du Caire (Grétry) avec les Agrémens, ou le Paradis Perdu de Théodore Dubois et la missa Sacra avec les Cris de Paris (direction Geoffroi Jourdain), ou le Désert de Félicien David avec Accentus (direction Laurence Equilbey), Les œuvres du prix de Rome de Dukas avec l’orchestre de la radio Belge (direction Hervé Niquet). Le CD de mélodies Française (Clairières dans le ciel) qu’il a enregistré avec Tristan Raës pour Hortus l’an dernier a reçu le diamant d’Opéra Magazine.

La rentrée 2017/2018 de Cyrille Dubois est mozartienne : il reprend son rôle dans Cosi fan Tutte en septembre à l’Opéra de Paris, puis enchaîne deux productions de La Cenerentola de Rossini (Don Ramiro), à l’Opéra de Lyon en fin d’année 2017 et au TCE pour clôturer sa saison. Parallèlement, il prendra part à la nouvelle production du Domino noir d’Auber à l’Opéra de Liège, dans le rôle d’Horace.


1. Vous considérez-vous comme une figure contemporaine de l’Opéra ?

Cyrille Dubois : Je suis assurément un acteur de l’actualité de la scène Lyrique Française. Un artiste engagé qui défend une certaine vision de la musique classique et qui cherche à comprendre comment aborder cet art séculaire de façon contemporaine, avec les contraintes de notre temps : volatilité de l’information, recherche constante du sensationnel, relatif désintérêt du grand public pour tout ce qui fait appel à l’intellect. Bref tout le contraire de ce que nécessite précisément l’Opéra. C’est un vrai challenge que les artistes de ma génération doit relever pour ne pas voir complètement disparaître l’Opéra. Maintenant de là à dire que je suis une “figure” je ne le pense pas ; ma carrière est encore assez franco-française, je trace mon chemin, en regardant et respectant les figures du passé. L’histoire dira si j’ai fait avancer les choses ! Il est trop tôt pour le dire, et je ne suis certainement pas celui qui peut en juger.


2. Comment définiriez-vous votre style ?

Cyrille Dubois : J’aime bien le qualificatif de “ténor 4×4” ! Plus sérieusement, je me risque, avec les particularités de mon instrument que je définirais comme “ténor de grâce”, vers toutes les catégories de musiques qui ne me mettent pas en danger. Ainsi, j’aborde volontiers le baroque, du Mozart, mais aussi du Rossini, de l’opéra comique Français, du contemporain et bien entendu le lied et la mélodie. C’est assez difficile de caractériser mon style. Je sais ce que je ne suis pas : un ténor verdien-wagnérien. Tous ces rôles me seront je crois assez inaccessibles. Maintenant, les choses qui reviennent le plus lorsque l’on parle de mes interprétations, c’est la musicalité. Et c’est tout simplement le compliment qui me touche le plus. Je n’ai jamais été touché par les artistes “aux moyens exceptionnels” mais qui sont incapables de faire la moindre musique. Et ce n’est pas de la jalousie que de dire cela, mais je pense qu’il faut faire avec son instrument et ses forces. J’ai eu la chance d’aborder un répertoire très vaste depuis mon plus jeune âge, ce qui m’a donné un “sens du style” qui est une chose difficile à appréhender et à comprendre lorsque l’on ne le ressent pas. J’ai une particularité également, qui me vient de mon approche chambriste, c’est l’attachement au texte que l’interprète se doit de faire passer.


3. Vous avez commencé à chanter dès votre plus jeune âge…

Cyrille Dubois : En effet, même si je ne viens pas d’une famille de musiciens, on a toujours aimé la musique classique à la maison et mon père égayait les repas de famille avec des chansons populaires à la guitare. J’ai rencontré le chant vers 6 ans, mais depuis toujours je chante. Il existe des vidéos de famille sur lesquelles, depuis tout petit je chante. Le chant a toujours fait partie de ma vie. C’est une porte ouverte sur les âmes où toute tricherie est impossible.

4. Racontez-nous votre parcours

Cyrille Dubois : J’ai commencé la musique dans ma petite commune sur le littoral Normand, Ouistreham Riva-Bella. Il existait à l’époque une petite chorale d’enfant dirigée par une amie de la famille, Agnès. Très vite, elle a décelé chez le petit garçon des capacités hors du commun et m’a dirigé vers les classes à horaires aménagés de la maîtrise de Caen dirigée à l’époque par un Anglais, Robert Weddle. Ces classes ont été pensées sur le modèle des maîtrises anglaises : 2 heures de musique par jour dispensés au conservatoire de Caen et pendant les années de collège (6ème-3ème) avec une audition hebdomadaire tous les samedis midis. Ainsi pendant 7 années, j’ai découvert une grande partie du répertoire choral, lu énormément de musique, fait des voyages qui ont scellés ma destinée et forgé le musicien que je suis aujourd’hui devenu. 

A la suite de ces années, je suis retourné vers un cursus général, (par besoin d’expérimenter une vie sans musique, normale si l’on peut dire). J’ai ainsi passé un Baccalauréat scientifique, intégré une prépa puis une école d’ingénieur agronome. Tout cela pour me rendre compte qu’au final, il me manquait quelque chose. Aussi, le vide laissé par l’abandon nécessaire de la musique pendant quelques années, s’est creusé assez pour que, à dessein, je me redirige vers elle. D’abord sans vraiment croire que j’en ferai mon métier notamment pendant mes années à l’école d’ingénieur à Rennes ou dans les chœurs de l’Opéra. Mais le fait de rechanter m’a vite fait comprendre que je ne pourrais y échapper. Aussi, une fois mon master d’ingénieur en poche, j’ai passé le concours au CNSM de Paris et intégré le cursus de chant la même année. Ce serait mentir de dire que ces années au CNSM ont été heureuses. Sortant d’un master et avec le bagage de ma maîtrise, je me suis trouvé confronté à une structure très “académique” au niveau disparate, alors que je m’attendais à une émulation positive, un terreau pour développer encore mon érudition, au contact avec d’autres interprètes et instrumentistes alors que je recherchais plutôt un accompagnement vers une professionnalisation. Tout n’a pas été que négatif pendant ces années : j’ai pu consolider mon instrument et lui laisser le temps de se développer (dans la classe d’Alain Buet), parfaire mon niveau de lecture à vue, d’améliorer ma maîtrise des langues communes dans l’Opéra et surtout la découverte du Lied et de la Mélodie dans les classes de Jeff Cohen et Anne Le Bozec dont je ne manquerai pas de reparler tant ce répertoire m’est cher !

Je suis donc resté à la Villette un temps réduit en comparaison d’un cursus complet pour intégrer, par chance, l’Atelier Lyrique de l’Opéra de Paris. Les concours de recrutement venaient d’avoir lieu et ils n’avaient pas trouvé de ténor cette session. Il s’est trouvé que j’ai été mis en contact avec le directeur de la structure, Christian Schirm. Après une audition, j’ai quitté le CNSM avec un examen et ai intégré l’Opéra. C’est vraiment là que débuta ma carrière. Avec 4 productions “maison” sur 2 saisons, j’ai pu faire mes armes et ainsi me faire connaître pour débuter ma carrière… la suite on la connait. 


5. Quelles rencontres ont été déterminantes dans votre carrière ?

Cyrille Dubois : La première, c’est assurément Robert Weddle qui a posé les bases du musicien que je suis aujourd’hui et ouvert les yeux du petit garçon sur le monde de la musique. Ensuite, je dirais Anne Le Bozec, pour m’avoir ouvert de la plus belle manière le répertoire du Lied et de la Mélodie en m’appariant avec Tristan Raës, le pianiste avec lequel, près de 10 ans après, je fais de la musique de chambre. Nous avons construit une relation assez inédite dans le sens où nous ne sommes pas un chanteur et un pianiste, mais un vrai duo de musique de chambre. Nous abordons un répertoire le plus vaste possible. Avec la spécificité de nous positionner comme des vrais défenseurs de cette école Française que nous revendiquons. Ensuite, je suis toujours très révérencieux vis-à-vis des grands artistes lyriques que je suis amené à côtoyer dans ma carrière. Tous ceux qui sont toujours là après 20-30 parfois 40 ans de carrière et comme je me considère (encore pour quelques années) comme un jeune chanteur. J’ouvre grand les yeux et les oreilles dès qu’on peut croiser un Roberto Alagna, un Jonas Kaufmann, ou Ramon Vargas pour les ténors, une Natalie Dessay, une Ann Muray, une Joyce Di Donato, une Marie-Nicole Lemieux… tous ces grands interprètes mondialement connus et dont j’ai pu partager le quotidien et dont j’espère suivre le chemin… 


6. De quelles figures lyriques vous sentez-vous l’héritier ?

Cyrille Dubois : Je n’ai jamais construit ma carrière avec le culte de la personnalité de quelqu’un d’autre. Une des grande leçon que j’ai apprise (dans la souffrance) est qu’il faut trouver sa propre voie(x). En cherchant à “ressembler à”, et mal guidé, j’ai un temps abîmé mon instrument et me suis rendu très malheureux car je n’y arrivais pas… Je faisais ce qu’on me disait de faire, mais je ne maîtrisais rien, c’était une vraie douleur presque physique car le corps me disait que ce n’était pas la bonne voie. C’est pour cela que les professeurs ont une très grande responsabilité dans leur discours qu’ils doivent adapter à chaque élève plutôt que d’essayer d’imposer une technique, une esthétique, une façon de faire (souvent la leur) à un élève.

Ma démarche, depuis que je me suis affranchi de cette vision est de construire ma propre couleur en étant ouvert à tous les discours (je pense qu’un temps il est utile de suivre un enseignement pour poser les bases, mais ensuite, c’est salvateur d’aller glaner ci-et-là plusieurs méthodes pour construire sa solution). J’écoute donc plusieurs chanteurs qui sont des références et permettent de trouver des solutions, et plusieurs chanteurs sont bien évidemment des modèles: Pavarotti pour la ligne de chant, Domingo pour le soleil et la longévité, Alagna pour la diction dans le répertoire français, Florèz pour le bel canto etc…. On peut être à même de déceler chez tous ces “grands chanteurs” quelles sont leurs forces. Maintenant, il y a des chanteurs à la carrière plus confidentielle parfois, mais qui me bouleversent: toujours chez les ténors : j’adore la suavité et l’intelligence de Bostridge, de même chez Prégardien pour le Lied, Yann Beuron pour le Français également et qui est le chanteur dont ma voix se rapproche le plus peut-être.

Je fais donc ma “sauce” avec toutes ces esthétiques pour me nourrir artistiquement. Et c’est formidable car en “un clic” on peut avoir accès à ce qui se fait en ce moment et ce qui s’est fait même à l’époque et nous sommes la première génération à avoir autant de traces sonores. A nous d’en dégager une synthèse pour pouvoir ensuite se dire en conscience; je choisis de m’inspirer de telle esthétique ou au contraire, je m’en affranchis. C’est cette approche qui m’intéresse et précisément dans le Lied et la Mélodie, construire une interprétation éclairée par celles du passé, mais bien contemporaine et propre à ma génération, à l’esthétique que le public d’aujourd’hui peut attendre. En ce qui concerne un héritage, je suis plus tenté par le fait de défendre une façon de faire “à la française”, nourri par les codes et l’histoire de notre musique que par une figure car en soi, plus que les personnes c’est la musique qui importe….

7. La journée type d’un ténor ?

Cyrille Dubois : Cela dépend du moment. Si je suis à la maison perdu dans ma campagne Normande, je reste éloigné de tout ce qui a trait à la musique. J’ai besoin de cette dualité dans ma vie: à la campagne, je me recentre sur l’essentiel: ma famille, mon foyer. Très différent de mes temps à la ville: emploi du temps surchargé en période de production. Quand je ne répète pas les spectacles à venir (ce qui peut prendre parfois jusqu’à 6 heures par jour), je prépare ceux à plus long terme, je lis du répertoire, je me renseigne, je développe et entretien le réseau qui est indispensable dans la carrière. 


8. Comment gérez-vous vos émotions avant de rentrer sur scène ?

Cyrille Dubois : Ainsi que je l’ai dit, la musique a toujours fait partie de ma vie. De même que les spectacles. Je ne pourrai pas dénombrer le nombre de fois où j’ai chanté en public depuis que j’ai commencé il y a plus de 20 ans. Probablement pas loin de 1000 ! Me produire devant un public est une chose assez commune pour moi finalement. Il y a des échéances sans stress, de plus en plus rares, et d’autres que l’on sait ne pas devoir rater. C’est donc un composé d’habitude et de routine qui permet de gérer les émotions. Les journées de spectacles sont rythmées invariablement par un lever assez tard, un bon plat de pâtes vers  15H, puis je me rends à la salle vers 17-18H, quelques échauffements vocaux et physiques, maquillage puis 30 minutes avant on met le costume, on se recentre. Et démarre le compte à rebours. J’ai toujours détesté ces 30 dernières minutes! Je veux toujours y aller! C’est d’ailleurs plutôt bon signe !


9. Parlez-nous de votre répertoire

Cyrille Dubois : Infini ! Je n’établis que deux limites à mon répertoire : celui de ma connaissance, et de mes possibilités vocales. Je prends tout le reste! Pour être plus concis, je crois avoir démontré ces dernière années que l’on pouvait compter sur moi pour tous les rôles de ténor Mozartien (légers d’abord, mais les gros viendront assurément). J’ai abordé très jeune le répertoire baroque et j’aime le faire donc j’espère pouvoir également continuer. J’ai une approche prudente du bel canto Rossini, Bellini, Donizetti sont des choses que je fais ponctuellement et avec prudence car je ne veux pas faire que cela. Ma voix aujourd’hui me permet une agilité dans les vocalise et un ambitus assez élevé donc ce répertoire s’impose à moi, mais j’y vais doucement car il y a des références absolues et nous sommes diablement attendus ! C’est un répertoire stressant.

Je l’ai dit le contemporain ne me fait pas peur, et j’aime la démarche de pouvoir participer au processus créatif d’une nouveauté avec cette part d’inconnue et le fait de pouvoir poser son empreinte, son esthétique sur un territoire vierge! Mais tout les chanteurs ne le peuvent pas. Il faut avoir cette maîtrise du solfège pour être armé contre les pièges des compositeurs modernes.

Ensuite l’opéra comique Français, qui est un pan qui, un temps a été complètement mis de côté, mais qui, sous l’initiative notamment du Palazetto Bru Zane semble revenir. Faire des opéras oubliés est très intéressant, toujours dans cette volonté de surprendre le public. Avec le double intérêt de pouvoir chanter dans notre langue. Cela peut sembler bête de le dire, mais normalement les interprètes Français devraient être les mieux à même de chanter leur langue…  Ce qui n’est pas toujours le cas. Mais le chantier de la diction lyrique française est ouvert et je m’en fais volontiers l’ambassadeur!

Enfin, “the last but not least”, le Lied et la Mélodie dont les frontières sont elles vraiment infinies car il n’y a aucun répertoire qui ne puisse être abordé.  Je le disais récemment, c’est un répertoire que j’aborde avec une attention exacerbée à la poésie mise en musique, sur le texte et les couleurs. La mélodie, c’est ce que j’appelle l’empilement interprétatif, un genre qu’on qualifie trop souvent d’élitiste mais je préfère dire éduqué. D’abord il y a le texte, les mots, le rythme du poème. Nous avons la chance d’avoir une langue séculaire d’une richesse spectaculaire. Je me délecte des mots de poètes comme Théophile Gautier, Baudelaire, Sully-Prudhomme, Verlaine etc. On ne peut pas s’affranchir d’aimer les textes lorsqu’on parle de mélodie. On peut regretter que l’on déflore peu à peu notre belle langue dont les subtilités s’effeuillent au fil du temps. Donc d’abord le poème, puis le compositeur qui peut soit suivre la musique du texte, soit s’en affranchir.

Il y avait il y a quelques temps sur mon site internet cette citation de Wagner « la musique commence là où s’arrête le pouvoir des mots ». Même si je ne comprends pas forcément la musique de Wagner (ce lyrisme grandiloquent me laisse assez indifférent), je comprends où il voulait en venir avec cet adage : la musique est un medium extrêmement puissant. Un vecteur assez absolu en termes d’émotions qu’elle peut susciter.  Il est souvent éclairant de voir à quel point, face à un même texte, des compositeurs suivent des voies différentes. On peut parler d’une forme de madrigalisme dans le lien entre le mot et sa musique dont le rapport installe une ambiance particulière.

En outre, nous avons en France, la chance de compter parmi les plus grands harmonistes et mélodistes de la musique. Et enfin, il y a ce niveau infini qu’est celui de l’interprète qui me fascine. Il faut que le spectateur sache que lorsque Tristan et moi travaillons la mélodie, nous nous posons des questions sur tout. Ainsi que le poète qui choisit ses mots ou le compositeur ses notes, c’est à l’artiste-interprète de proposer une façon de voyager ou une autre, de faire vivre tel mot ou telle note. C’est le plus noble sens du mot « interprète » ; c’est de sa sensibilité que naît l’émotion et c’est lui qui transmet au public ce qui n’était pour lors, que sur le papier…. Quant au genre de la mélodie Française,  pour moi c’est la subtilité et la fragilité qui prévalent. Il existe vraiment une école française de la mélodie qui est directement dans lignée de Fauré à Nadia et Lilli Boulanger, par exemple. Et nous nous faisons fort d’en répondre. Ce qui m’intéresse également dans la mélodie, c’est d’en donner une approche actuelle. J’interprète la mélodie avec ma sensibilité d’artiste contemporain.


10. Quelles images avez-vous en tête lorsque vous chantez sur scène ?

Cyrille Dubois : C’est une question que je ne me suis jamais posé parce que je n’en ai aucune. Je me laisse porter par ce que je raconte. J’interprète en essayant de garder le contrôle sur l’aspect vocal et technique, mais sinon je me laisse faire par le chef ou le pianiste en suivant les contraintes du metteur en scène si besoin. Tout le travail imaginaire est fait avant. Il faut voir que l’on peut se laisser guider par l’univers d’un metteur en scène ou y mettre un peu de soi, de son vécu. 


11. Comment parvenez-vous à apporter votre sensibilité artistique à un rôle au regard des exigences de jeu théâtral et de technique vocale ?

Cyrille Dubois : C’est une chose qui se construit, normalement en concertation avec le metteur en scène qui ne peut brider l’instinct de l’artiste. Le chant et l’opéra est un art viscéral. Pour toucher la corde sensible du public, l’interprète doit se mettre à nu et ainsi dévoiler ses faiblesses et sa propre sensibilité. Chose qui selon moi, ne peut arriver sous la contrainte. Alors on compose avec l’imaginaire du metteur en scène pour arriver à un compromis qui ne se fasse pas au dépend de l’imaginaire et la vision d’un artiste sur sa façon d’interpréter le rôle. Mais à la fin c’est l’artiste qui est le médium des émotions. On peut néanmoins par le travail, transformer cette vision, lâcher des choses auxquelles on ne s’attendait pas. Mais mon expérience est trop limitée pour avoir été confronté à des choses qui me poussent si loin dans mes limites… Je n’attends que de le découvrir.

Quant à la technique vocale, là encore il faut transiger. Il y a des choses impossibles. On ne peut pas chanter sur les mains, mais de ce côté là, suivant l’exemple de Natalie Dessay par exemple qui se jetait corps et âme dans toute ses interprétations scéniques, je suis tout à fait ouvert à tenter des choses et sortir un peu de la zone de confort pour essayer des choses. Pour preuve, ce récent Cosi à l’Opéra de Paris qui était tout sauf confortable d’un point de vue technique pour un résultat qui me semble coller à ce que voulait la chorégraphe. Pour autant, nous avons collectivement posé des limites pour ne pas nous mettre en danger : mais là encore, cela dépend des chanteurs. 

gji 18 mai

12. Quel regard portez-vous sur votre vocation relative à l’Art dans sa dimension absolue ?

Cyrille Dubois : Cela sort un peu de mon champs de compétence : je n’ai jamais été bon en philo (rires). Je vais donc dire mon sentiment : pour moi, l’Art est lié à l’émotion dans une façon presque absolue. L’Art n’en est que si il provoque chez le spectateur une réaction.

Parfois de rejet : cela arrive trop fréquemment dans l’accueil d’une mise en scène. Je pose la question de façon un peu provocante : Faut-il pour autant nécessairement vouloir choquer ou surprendre dans l’Art ? Ne peut-on pas (ne sait-on pas?) plus souvent construire des choses classiques ou conventionnelles? A mon sens, on perd une grande partie du grand public à ne construire des mises en scènes trop alambiquées ou tout simplement inutiles. 

Parfois ce sont des réactions bénéfiques. Et ce sont souvent celles-ci les plus mémorables. C’est cela que je cherche à faire en tant qu’artiste. Faire oublier au spectateur sa condition humaine. L’une des finalités de l’art, n’est-elle pas d’adoucir le passage des Hommes sur la terre ?

 13. Quelle musique écoutez-vous ?

Cyrille Dubois : J’écoute assez peu la musique hors du travail. Le classique est donc quelque chose que j’écoute volontiers, mais je peux très bien essayer de me couper du monde de la musique classique en écoutant de la variété actuelle. J’aime beaucoup la musique de Film qui se rapproche certes souvent de la musique classique mais très grand spectacle et d’ailleurs c’est fantastique ce style de musique, car il réconcilie l’art de la musique classique pour les foules, ce que nous n’arrivons pas à faire dans l’opéra. Pour l’instant, les opéras contemporains (en France du moins) sont très éloignés des aspirations du grand public. Il y a bien la comédie musicale, mais on peut déplorer que l’on ne s’en empare que si peu dans notre pays : où est le Broadway ou le West End Français ?

14. Quels rapports entretenez-vous avec le public ?

Cyrille Dubois : J’aime les moments d’échange avec le public. La présence de personnes à la sortie des artistes traduit toujours un attachement aux interprètes qui est très touchant. Et je consacre toujours du temps à ces personnes. Je fais aussi ce métier pour ce contact. Ce public est parfois complètement novice et auquel cas, c’est fascinant d’avoir réussi à les attirer dans des endroits qu’il ne connaissait pas, ou alors un connaisseur et un amateur, ce qui ne me distingue alors nullement de lui car au final, la passion d’un amateur est très proche de celle d’un professionnel !


15. Quelles sont vos passions personnelles ?

Cyrille Dubois : J’aime me ressourcer en famille dans mon jardin au contact avec la nature, la mer également comme j’ai grandis sur les bords de la Manche. 

16. Quels sont vos projets à venir ?

Cyrille Dubois : Mes projets à court termes m’emmènent sur la scène de l’Opéra de Lyon pour la Cenerentola, puis le Domino Noir à Liège puis à l’Opéra Comique.

J’aime enregistrer et plusieurs choses vont sortir sous peu (Les Troyens, du Debussy, le Devin du Village de JJ Rousseau, les pêcheurs de perles (…), et je travaille sur de nouveaux projets discographiques.

Pour ce qui concerne les saisons suivantes, je peux d’ores et déjà annoncer un Hyppolyte, un Enlèvement au Sérail et un Dialogue des Carmélites, de nombreux récitals de Lied et Mélodie dont un au prestigieux Wigmore Hall à Londres. Je poursuis donc le chemin commencé…

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Dean West, photography grounded in reality

A wide range of environments and character types are explored in the works of New York City-based Dean West. The Australian-born (1983) artist who studied at the Queensland College of Art, is best known for his intricate and highly staged photographs that take everyday occurrences beyond the realm of natural reality. Extraordinary in their tonal range, digital clarity, and artistic vision, Dean West’s meticulously choreographed scenes, character studies, and atmospheric landscapes powerfully yet synthetically link needs to desires and documentation to invention.

Passionately dedicated to the vast possibilities of digital photography as both a medium and a cultural epoch, Dean West’s narratives draw inspiration from the total diversity offered by the visual arts. While the tableau photography of Stan Douglas and Jeff Wall inform Dean West’s understanding of photography as a form of contemporary communication, the paintings of David Hockney and Edward Hopper provide evident aesthetic direction. The fictional world of cinema and the functional language of advertising have also clearly left their mark and taught lessons of their own.

International brands have embraced Dean West’s vision through partnerships and important clients such as Disney, MTV, Bombay Sapphire, and Fox Sports. Recognized as one of Saatchi & Saatchi’s “Top 100 Emerging Photographers” in 2008, Dean West has also been honored with “Advertising Photographer of the Year” at the International Loupe Awards (2008) and the prestigious “Arte Laguna Prize” in Venice, Italy (2009).

International art curators have taken notice of the accomplished skill Dean West applies to both his digital photography technique and the complex, cerebral narratives offered in his images. His works have been exhibited at important institutions around the world including the Columbus Museum of Art (2012), Faneuli Hall Museum of Boston (2015), the Paris Expo Porte De Versailles (2015), Puls 5 Gallery in Zürich, and the Discovery Times Square Museum in New York City (2014).

Hailed as one of the most promising artists of his generation and identified as one of the most accomplished practitioners of digital image making as an art form, Dean West has been honored by acquisitions of his work by some of the most prestigious collections of contemporary art, including that of Sir Elton John.


1. Do you consider yourself as a figure of contemporary photography ?

Dean West : Absolutely. I’m interested and dedicated to the vast possibilities of digital photography as a medium and a constantly experimenting with new ways to change the way we look at the world through the lens. I believe my staged works sit comfortably within the blurred lines of documentary and fiction.




2. How would you describe your style ?

Dean West : Painterly, surreal, hyper real, conceptual & illustrative are words that get thrown around a lot when describing my work. It’s hard to pin point exactly what it is that I do as the works vary so much from each commission or series.


3. What led you to photography ?

Dean West : My interest in photography began at age 7 after receiving a 35mm camera (something I’d requested throughout the year) and on the first roll of film there were some photos in there that gave me and my family an idea that maybe this was something that came naturally to me. I was lucky enough to have had some inspiring teachers throughout high school, which increased my passion of the medium right through to university where I studied at the Queensland College of Art with Griffith University. My original intentions were to just do commercial photography however studying at a traditional art school gave me so much more. I’ve been lucky enough to have had some great mentors along the way such as Erwin Olaf, whom I had the chance to study under at the Australian Center of Photography.



4. What is your vision of photography these days ?

Dean West : I see the medium continuing to evolve along with advances in technology much like it has always done through it’s short history. Just as Eggleston and Shore opted for color film over B&W and became pioneers of color photography, I have embraced the digital movement at its earliest stage. It has taken me 11 years of working with digital photography to finally reach a point where I’m happy with the quality. I have now developed the appropriate processes and techniques that rival, and in many cases now supersede large format film. For the most part, the work that I produce is possible because of these technological advances, and I hope that I will continue to push the boundaries of the medium as I experiment more and more.



5. What other artists inspire you in your work?

Dean West : A range of disciplines and artist inspire my work. Directors like Wes Anderson and The Coen Brothers, painters like Hopper and Hockney, photographers like Andreas Gursky, Gregory Crewdson and Alex Prager are all great influencers.



6. What is your view on David Hockney’s artwork ?

Dean West : I’m a huge fan of Hockney’s aesthetic and style from his pool scenes to his portraits. Hockney’s naturalistic representations of the human figure are much like a stylized cinematic production. There’s a reason Hockney is one of the most popular and widely recognized artists of this generation. His achievements across painting, drawing, print, photography and video is truly exceptional. I also very much appreciate how fluid he has been in changing his style of and ways of working, embracing new technologies as he goes.


7. Your work seems to incorporate a lot of narrative into the image, particularly classical mythology and stage design…

Dean West : I was particularly interested in appropriating Greek mythologies after college as I was trying to hone my skills in creating imaginary worlds. The narratives within Mythology provided endless inspiration (and challenges) forcing me to develop new and cost effective methods of creating.



8. How do you develop that style of imagery close to oil painting ?

Dean West : This style is the result of choreographing each little detail within the scene and the painterly effect is a natural result of these decisions. When you combine the perfect location with the great casting, styling, prop design, set design and lighting, everything harmonizes to this very painterly effect.



9. Your photographs can evoke choreography of a new kind of ballet companies…

Dean West : I see my role as being closer to a director than a photographer. In the earlier days my work used to be quite theatrical however I find myself more and more these days, looking at the world around me and going with more naturalistic talent direction.


10. What materials do you use ?

Dean West : I use a large format camera, much like the olden days where you put the cloth over your head however now the film back has been replaced with a digital back. The back moves across the image allowing me to multiply the resolution of each scene.



11. What does the creation process consist of ?

Dean West : I usually begin with an inspiration or a basic, nebulous concept and then fine-tune it throughout the creative process. I work with professional illustrators to help me sketch out the concepts and define the original vision before commissioning my team to do the production. This could involve set building, prop making, styling etc. all depending on the complexity of the idea. All the pieces then come together for the shoot phase before going into the post production and print testing.



12. What single most important factor is important to make a great picture ?

Dean West : Being aware of the reasons why you’re taking a photograph and the process it takes to get there is the most important. I’ve always loved that Jeff Wall quote, “I begin by not photographing”.



13. What are your future plans ?

Dean West : I’ve been working on a still life project/exhibit all 2017 which will be debuted in 2018. It’s the first time I’ve produced conceptual imagery without people.

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