Contemporary Indian visual artist Yashasvi Mathis is a self-taught artist whose unconventional art work flits between simple sketches, painting and digital media. Yashasvi Mathis is an illustrator and print designer with a Bachelor’s Degree in Knitwear Design from NIFT in Mumbai. She is currently exploring set design and working on her fashion illustration skills.
Across her work there is a deep tension in the slightly contorted figures she depicts : her colorful work navigates between reality and fiction.
Depending on the elasticity of our imagination, the layers in her work can take us far away. Yashasvi Mathis’ personal artworks are often led by a female protagonist and an audacious use of colors. They are usually about the universe of her mind.
Yashasvi Mathis produces a lot of fashion illustrations and also collaborates with various indie musicians. Her work has been published in New York based Unemployed Magazine, Elle India and 100% Sketchbook, among others.
1. Do you consider yourself as a figure of Contemporary Art ?
Yashasvi Mathis : I’ve been drawing for as long as I can remember. I always knew I loved making things but it was only sometime around when I was fifteen that I realized that I hadn’t quite put in as much time into it as I would’ve liked to. I later studied knitwear design and that was an important experience for me since I was exposed to a lot of things during that time that I wouldn’t have had the chance to learn otherwise. I love music, metaphysics, theology and ancient cultures. It’s been a wonderful experience so far and I’m really grateful to all that is, for everything that I have had the opportunity to explore and experience.
4. You have created your own artistic world, how did you manage ?
Yashasvi Mathis : I’m not very sure of if I have been aware of doing so, I’m still not. I think when you do something just because it truly excites you, the outcome stops mattering and you start to feel like a medium through which things happen. It’s a great feeling.
5. Does your indian identity impact your inspiration ?
Yashasvi Mathis : Yes, it does. I love this country because it is always so overwhelming here. I love feeling overwhelmed because it gives me a chance to understand how I truly feel about certain things and that makes me more aware of facets that I would’ve otherwise not been able to reflect upon.
6. What mission do you create ?
Yashasvi Mathis : I hope to make art that transcends being a moment of sensory delight or discomfort and enters realms of therapy in the sense that it becomes something like a source of solace by exposing how we, the entire domain of the living and maybe even the non living, function as a collective and that by expanding our inclusiveness, we become lighter and happier.
7. Do you pursue a kind of artistic quest ?
Yashasvi Mathis : Only that of finding out more of who I really am.
8. Which artists have a deep impact on you work ?
Yashasvi Mathis : A lot of musicians have impacted my work over the years. I love Fever Ray, Chazwick Bundick, King Krule, Little Dragon, Ariel Pink, Dan Bodan, Sean Nicholas Savage, Tei Shi, Pinknoise, Conan Mockasin, Mac Demarco, Peter Cat Recording Co. and a lot of Indian classical music. And Visual artists like Winston Chmielinski, Synchrodogs, Anny Wang, Tristram Lansdowne, Michael Cina, Danny Fox, Pallavi Sen, Reinhard Weiss and Derek Ercolano have been pivotal to my experience as an artist so far. I really enjoy and look up to their work.
9. Does Mumbai nurture your work ?
Yashasvi Mathis : Always. Mumbai is a great city to be in not only because it is full of really sweet, loving people but also because it pushes you to keep up (work-wise) whenever you’re slacking.
10. What’s your relationship with colors ?
Yashasvi Mathis : I want to grow extra sensory powers just to be able to perceive more of them !
11. What kind of materials do you use ?
Yashasvi Mathis : I draw and paint on paper with water colours, gouache and inks. I also paint digitally and once in a while mix all of these media. I also make clothes and jewelry sometimes though most times they are more keepsake art than wearables.
12. Do you consider yourself as a spiritual person ?
Yashasvi Mathis : I am not yet as spiritual as I’d like myself to be.
13. What are your future plans ?
Yashasvi Mathis : I have so many ideas but they just ebb and surge in my head and I’m left with all or nothing. In the near future, I want to study art and print-making academically. In the longest run though, I just want to be a better person, more loving, more open, more receptive and grow my arms really big so I can hug all of existence all at once.
Ryan McGinley is an american photographer living in New York who depicts the pleasure-seeking ways of the contemporary youth culture.
Although the photos have a background of violence and drugs, they have a lightness, a freedom and a velocity in the movements of the subjects.
MonoKultur Ryan McGinley
Since his childhood he was interested in the marginal elements of society and used to hang out with musicians, artists and skateboarders.
In 1995 he joined the Parsons School of Design in New York to study graphic design.
Barren Marsh, Ryan McGinley
The fine art community took notice of his work when he printed a book entitled “The Kids Are Alright” in 1999.
His large-format color photographs soon graced the walls of the Whitney Museum of American Art where he was the youngest person to be given a solo exhibition.
Falling Light Leak, Ryan Mc Ginley
Moonmilk, Ryan McGinley
Then he started doing ad projects and assignments for Vice magazine, New York Times, US Olympic Sports Team and Levi’s.
In 2007 he received the title of the “Young Photographer of the Year” at the International Center of Photography Infinity Awards.
Jonas waterfall, Ryan McGinley
Dakotas Crack up, Ryan McGinley
Sea inside heart, Ryan McGinley
Blood falls, Ryan McGinley
In 2012, McGinley published “Whistle for the Wind” chronicling his entire oeuvre until then. His most recent book “Way Far” was published in.
His newest photographs, shot in both natural and studio settings focus on subjects interacting spontaneously in joyous rebellion, and are a testament to his ever-evolving aesthetic and maturity as an artist.
Sienna Miller, British Vogue, April 2012, Ryan McGinley
Daria Werbowy, Ryan McGinley
Natalia Vodianova for Porter Magazine spring 2015, Ryan McGinley
McGinley’s work is featured in public collections in the Guggenheim Museum in New York, the San Francisco Museum of Modern Art and the Whitney Museum of American Art in New York.
His artwork is represented by Team Gallery, New York, Ratio 3 Gallery, San Francisco and Galerie Perrotin in Paris.
Angela Sairaf is a Spain based photographer born in Porto Alegre, South Brazil. She has a PhD in Techniques and Processes in Imaging (Complutense University of Madrid) and a Master of Contemporary Photography (EFTI), plus three fellowship trainings at the International University Menéndez Pelayo where she studied Visual Poetry, Creative Processes of a Reporter and The Nature of Photography.
Angela Sairaf has also worked for over 15 years as a writer and photographer for important Brazilian magazines. In the 90’s, she worked for a renowned modelling agency in Tokyo. Angela Sairaf received awards and participated in solo and group exhibitions in different countries. She usually gives lectures in prestigious schools of art and photography such as EASDA, TAI, EFTI, APERTURA and MACA (Contemporary Art Museum of Alicante) in Spain. Her work is part of the collection of MACRS (Contemporary Art Museum of Rio Grande do Sul) in Brazil.
1. Do you see yourself as a figure in photography ?
No, I see myself as a photographer and all the rest are just labels.
2. How would you describe your style ?
Actually I wouldn’t do it: I don’t like to put my work on cages.
3. How did your first become interested in Photography ?
Photography has always been part of my private universe. My father was passionate about photography and loved to read, so I’ve always had many books and photo magazines at home. I loved hanging out with him to shoot. I was always asking him to reach me the camera to peer through the viewfinder. One day, he bought a new camera and gave me his Ricoh. I was six years old and I loved the gift. Also we traveled a lot and when we went home, we were editing the photos together. So, quite naturally, I ended up taking photography as a profession.
4. Tell us about your career…
When I was 18, a friend who knew that I loved to make pictures asked me if I could make him a book as he would like to work as a model. I had never made a book before, but as he was my friend, I made him some pictures. He was very handsome and when he took the book to an agency, the person who got it loved the pictures and asked him who was the photographer. It was very funny: he told her my name and, of course, she had never heard about me. So he asked her: Really ? Don’t you know her yet ? She is very good ! She called me saying that she loved my work and would like to direct me to shoot people who came there with no pictures or bad photos. In few months I started to photograph to magazines in Brazil and I did it during more than 15 years. In parallel, I started working for a modeling agency in Tokyo. Then I came to live in Spain, and I would like to try different things. I decided to make a Master in Contemporary Photography and later I got a Phd In Techniques and Processes of Imaging, where I deeply investigated the relationship between photography and blindness. I also studied Visual Poetry and other things. Lately I’ve been working on personal projects.
5. Have you the feeling to be entrusted with a particular mission through photographs ?
No. I don’t have this feeling. I do it because I love it.
6. Are you sensible to poetry ?
Yes, I’m sensible to it, specially Haiku. Actually I’m like the water: sensible to almost everything.
7. How do you feed your inspiration ?
Working: If you get the camera you will always find something to photograph.
8. Does Brasil culture & folklore have an influence in your work ?
Probably. I was born in Brazil and I lived most of my life there, so the Brazilian culture is very present in my daily life. However, for me it is very difficult to identify where and how exactly these influences appear in my work: Brazil is a very big country with many different cultural manifestations. Besides that, I also lived in Japan and in Spain and I absorbed much of their culture. I believe that everything I live influence me and this is reflected, somehow, in my work.
9. What is the creative process behind your work ?
I usually work in a very intuitive way. I don’t use to plan my pictures, they happen naturally.
10. To which artistic movement do you belong to ?
I belong to nothing. And in the same way, nothing belongs to me.
11. Do you consider yourself as an eye witness or an artist of your time ?
I simply can’t go in only one way. It is very curious how people use to ask me this as if they were opposite things. I just love the different possibilities of photography. I don’t think I am one thing “or” another, I’d rather say I’m a photographer.
12. What are your future plans ?
At 19:00 I’m going to sing and later I’ll meet some friends. About tomorrow ? It doesn’t exist yet ! Ok, I’m kidding, but not too much: I don’t use to make plans for the future. I prefer to deal with what I have here and now and when the future becomes the present, I will simply do the same.
Petite-fille de Charlie Chaplin, fille de Victoria Chaplin et de Jean-Baptiste Thierrée, soeur de James Thierrée, Aurélia Thierrée Chaplin est plongée dès le berceau dans l’univers du spectacle, jouant dès l’âge de 3 ans sur les planches avec ses parents. Après avoir cherché à s’éloigner du monde du spectacle quelques temps en enchaînant des petits boulots à New York, l’envie de remonter sur scène la rattrape. Elle collabore à des spectacles de Broadway avant de participer aux “Tiger Lillies Circus” dirigé par Martyn Jacques. Elle tourne aussi pour le cinéma sous la direction de Milos Forman, Colinne Serreau, Jalil Lespert avant de voguer entre cirque et danse dans “L’Oratorio d’Aurélia” puis dans “Murmures des murs” dirigés l’un et l’autre par sa mère Victoria Thierrée Chaplin. Polyvalente, atypique et talentueuse, Aurélia Thierrée Chaplin tisse avec succès une carrière tout en finesse.
Vous considérez-vous comme une figure du spectacle ?
Aurélia Thierrée Chaplin : Je ne sais pas. Le spectacle est un mélange fragile. Chaque soir, je suis tout a fait consciente qu’il peut se briser. Il reste toujours un aspect indomptable, imprévisible. C’est ce que j’aime : cette fragilité. On devient autre.
Comment définiriez-vous votre style ?
Aurélia Thierrée Chaplin : C’est un hybride, difficile à définir. Le langage théâtral de Victoria est un langage visuel, qui puise ses racines dans le music-hall, entre autres, mais qui s’inspire aussi de la danse, d’ images, etc. On pourrait le qualifier de “théâtre visuel” ?
Racontez-nous votre parcours…
Aurélia Thierrée Chaplin : J’ai fait mes premiers pas sur scène à l’âge de 3 ans puis j’ai voyagé en caravane les dix premières années de ma vie. Mes parents nous ont mis sur scène pour ne pas avoir à se séparer de nous, c’était une manière de rester ensemble. A 14 ans, j’ai voulu l’aventure, et l’aventure pour moi, était d’aller à l’école, rester dans une maison. J’ai l’impression d’avoir eu plusieurs vies, d’avoir souvent fait les choses à l’inverse, mais que tout m’a servi, et me sert. A un moment donné, le théâtre m’a manqué. Le spectacle s’est monté petit à petit. Je n’ai pas réfléchi : c’était une envie viscérale et ma famille me manquait. J’ai fait du cabaret à Berlin, tourné avec un groupe qui s’appelle “les Tiger Lillies”, joué dans quelques films et pratiqué d’autres métiers. Je suis consciente d’avoir un parcours atypique, que j’espère aussi, imprévisible.
Le spectacle, on peut dire qu’il est inné dans vos veines… Vous a-t-il été difficile de vous démarquer du travail de vos prédécesseurs ?
Aurélia Thierrée Chaplin : Je ne sais pas si le spectacle peut être inné… ça serait bien ! Je crois qu’on se définit petit à petit : on recherche, on peaufine, à l’infini. Il y a un style propre à nos spectacles, un langage commun mais nous avons tous les quatre des personnalités différentes, si par prédécesseurs vous vouliez dire mon grand-père, mes parents et mon frère. On se démarque de cette façon-là, par nos styles différents dans des univers un peu similaires.
5. Quels sentiments ressentez-vous à l’égard de votre grand père, Charlie Chaplin ?
Aurélia Thierrée Chaplin : Je suis une fan, comme tant d’autres. Cela apporte un côté un peu surréaliste à mon existence, ce lien avec un personnage qui appartient à tout un chacun. Surréaliste donc, un peu abstrait et beau.
Quel regard portez-vous sur votre mère, Victoria Chaplin?
Aurélia Thierrée Chaplin : Je lui fais une confiance aveugle. Elle a son univers, un imaginaire fort. C’est une “inventrice”. Son talent est immense.
Quand et comment avez-vous ressenti le besoin de devenir comédienne ?
Aurélia Thierrée Chaplin : Le théâtre me manquait : son odeur, le bois qui craque, une salle dans l’obscurité. Il n’y a pas eu un moment précis, mais de nombreux moments qui se sont accumulés.
Parlez-nous de “l’Oratorio d’Aurélia”…
Aurélia Thierrée Chaplin : L’Oratorio est un spectacle visuel qui fonctionne avec l’imagination du public. Il est fait d’un travail artisanal, fait de fils et de cartons, de coordination entre nous, sur scène, et le public. Les effets visuels sont simples a deviner. Ce qui est intéressant et beau, c’est le moment où les gens décident de ne pas chercher à deviner et se laissent emporter par une histoire, ou par divertissement. A Londres, un critique avait intitulé son article sur l’Oratorio : “supension of disbelief.”
Comment se passe votre collaboration avec votre famille dans tous ces projets qui vous unissent ?
Aurélia Thierrée Chaplin : On s’enthousiasme pour un projet, on en parle, on construit, on essaye, on imagine. Pour l’Oratorio, Victoria a créé presque tout. A une époque, j’aimais dire qu’elle avait tout fait, même moi. Concrètement, elle construisait les numéros, et ensuite, elle me jetait dedans, pour trouver leur logique, les rendre personnels, etc.
Aurélia Thierrée Chaplin : Ils ont créé leur propre style, tout à fait original.
En quoi consiste votre travail quotidien ?
Aurélia Thierrée Chaplin : En tournée ou hors tournée ? Dans les deux cas, je dois garder un minimum de discipline. Cette année est chargée parce que nous tournons L’Oratorio et en parallèle, nous répétons un nouveau spectacle.
Quel est le meilleur compliment qu’on puisse vous faire ?
Aurélia Thierrée Chaplin : A Berkeley, en janvier dernier, un chien de service a assisté au spectacle ( la personne était handicapée) mais nous ne le savions pas. A un moment du spectacle, je me fais manger la jambe : il n’y a pas de musique à ce moment-là. Dans la salle, j’ai entendu un gémissement de chien qui m’a surprise. Puis à un autre moment, Jaime Martinez (mon partenaire de scène) m’attaque et là, le chien a aboyé. Il parait qu’il se tenait assis, tout droit, sans bouger, à suivre le spectacle, et qu’il était d une concentration impressionnante.
Quel métier souhaitiez-vous faire enfant ?
Aurélia Thierrée Chaplin : Fermière-végétarienne.
Avez-vous le sentiment d’une évolution, une maturité dans votre style ?
Aurélia Thierrée Chaplin : C’est un des seuls bénéfices du temps, non ? On apprend, on désapprend, on peaufine, on recommence : on en sait de moins en moins, mais en connaissance de cause, on continue d’apprendre. On s’inscrit dans la durée, peut-être. Si un jour le spectacle s’arrêtait, alors ça serait autre chose, je m’adapterais. Je crois. Je n’en sais rien. Pour l’instant, c’est ma vie, et c’est un choix de vie.
Que faites-vous quand vous ne travaillez pas ?
Aurélia Thierrée Chaplin : Là, tout de suite ? Premier jour off. Il fait beau, je rentre à Paris dans quelques heures. J’ai fait du café et je vais faire ma valise.
Quel est votre péché mignon ?
Aurélia Thierrée Chaplin : Les films en plein milieu de la nuit : me réveiller a trois heures du matin, et regarder un film. Mais j’aime aussi lire, écrire, garder des moments isolés, suspendus, voir le jour se lever, et me rendormir quelques heures, si possible.
Both poet and messenger, Cade Martin is endowed with a visionary look on human beings which prettify the world and make it more colorful, joyful and hopeful. Like an impressionist who manipulates color palette to perfection, Cade Martin manages to make protagonists come to life through a perfect image, a studied direction, a graceful movement and a light bringing a fantasy and a magical dimension to the subject.
Recognizable anywhere, Cade Martin’s label often mixes fairy tales and famous paintings, to create a stunning set of images that are as whimsical, dreamy and odd as romantic and enchanting. All his talent resides in this thin discrepancy between reality and fiction, fantasy and beauty. Not far away from Rodney Smith or Tim Walker’s photography pieces of work, Cade Martin has created his own style which achieves to capture the soul.
Also drowing inspiration from cinema, Cade Martin uses its camera as a film camera to create sequences like freeze-frames and to tell a tale. Impossible not to refer to the great literature classics as Lewis Caroll’s « Alice in Wonderland », and the Grimm’s, Perrault’s and Andersen’s fairy tales.
For his work with the Washington Ballet in collaboration with Design Army – an award-winning graphic design firm located in Washington DC. – , which is the object of a commemorative book called « Wonderland », Cade Martinmanaged to create images with a unity of space, a unity of time and a unity of character.Time is suspended but the story goes on into the most intriguing and fascinating world : the wonder world of Cade Martin.
Masao Yamamoto born 1957 in Gamagori City in Aichi Prefecture, in Japan, is a photographer known for his small photographs, which seek to individualize the photographic prints as objects. Masao Yamamoto began his art studies as a painter, studying oil painting under Goro Saito in his native city.
He presently uses photography to capture images evoking memories. He blurs the border between painting and photography by experimenting with his printing surfaces.
With his subjects including still-lives, nudes, and landscapes, Masao Yamamoto’s minimalist photography takes a poetic dimension that transcends nature with a subtle game of light and shadows.
Immersed in an international environment at a very young age and after spending her childhood in various parts of the world, which gave her a boundless open-mindedness, Donia Allègue moved to Paris to enrol at the Lycée Saint Louis de Gonzague and later at ESCP Europe.
Even within the framework of this very general education, she intuited early that her future career would laiy in fashion, therefore she specialized in luxury goods. After graduation in 2006, she learned the ropes of her trade with Fendi, YSL and Dior but she instinctively knew that her entrepreneur spirit would eventually take over and that one day she would set up her own company.
In February 2011, she had a revelation when visiting an apartment in Paris with her mother. The lady who owned the place was wearing a very elegant turban. This was quite an illumination and she saw the turban as the absolute fashion accessory. After some research and a market study, Donia Allègue realized that there was no Parisian turban house on the market. With the support of her family, her clan, as she affectionately calls them, she set up the brand DONIA ALLEGUE Maison Parisienne de Turbans in October 2013.
1. Do you consider yourself as a figure of fashion ?
Donia Allègue : It is quite early for me to say so as my brand is still very young, 2 years old… But I can definitely say that I have launched something new when I decided to launch a turban house. The trend for turbans was still latent at that time. I must admit, with great pride, that my brand is a reference in the fields of millinery turbans.
2. How would you describe your style ?
Donia Allègue : With a lot of decency, I celebrate femininity and Parisian chic. Yet not without unexpectedness and contrast: my brand is about gentleness but also insolence, timelessness but also boldness. It is about crystal, silk and pearls but also exotics and Mohawk feathers. I love the contrast between softness and rawness. I would say that my style, as a designer, is unexpected and intense. I address women with personality.
3. What led you to fashion turbans ?
Donia Allègue : Launched in October 2013, DONIA ALLEGUE is a Parisian house of millinery turbans and headpieces, handmade in France. I founded my eponymous brand after I had a revelation, when visiting an apartment in Paris with my mother. The lady who owned the place was wearing a turban. This was an illumination and I saw the turban as the absolute fashion accessory.
4. Do you consider yourself as a worthy successor of Paul Poiret ?
Donia Allègue : On certain aspects, yes : he created a new style by proposing turbans in the feminine wardrobe. At that time, women were not used to wearing turbans but they were used to wearing all kind of head wears. When I started working on my brand, turbans and head wears were present only marginally in fashion. Therefore, we can say that launching my brand was as disruptive in 2013 as his turban collection was in 1911.
Georges Lepape’s artwork titled Les Choses de Paul Poiret
Also, he celebrated orientalism, which is a great source of inspiration for me. Inspired by Greek shirts or North African caftans, the art of Drape was his signature. It is dominant in most of my designs.
5. How do you feed your inspiration ?
Donia Allègue :My creation process is based on my senses : a perfume, music, an image, a material, every little thing which moves me and leads me to the writing of the story of the collection. The unusual thing is that I don’t draw. I am a very visual person : I have very clear images of my creations in mind and then, I describe them in the most precise way to the craftspeople I work with.
6. Did great icons of the golden age of Hollywood make a deep impression on your work ?
Donia Allègue : Yes, by their sensuality and their glamorous style. Rita Hayworth and her drape white and gold outfit in “Gilda” when singing Amado Mio or Grace Kelly in Rear Window wearing a Dior “New look” dress. My vision of femininity is strongly shaped by these icons.
7. Why did you choose to focus on turbans ?
Donia Allègue : Because there is so much to do on turbans ! The variety of styles, materials and ornaments that can be used in a turban is substantial. A turban is more than a hat, it is a head wear. The use of turbans in everyday life is endless: coquetry, replacement of a hairstyle, protection from the weather, replacement of a veil or classic hat at a wedding ceremony (…). And it is strongly coming back to fashion.
8. Tell us about your collections…
Donia Allègue : Since the launch of the brand, I have launched 5 collections.
The first one, the Spring-Summer collection 2014 was “Gatsby, a trip to Africa”. Since the age of 15, I have been fascinated by the masterpiece of American literature “The Great Gatsby”, which came naturally to me as a source of inspiration for my very first collection. Nevertheless I decided to give the tragic end of the novel a new twist with the two heroes, Gatsby and Daisy, eloping to Africa to live their love. In the background, the two lovers, chic as usual, having a glass of Champagne in a tent and contemplating a wonderful African landscape at sunset. This unique idea gave birth to the Spring/Summer 2014 collection: elegant and sophisticated turbans combining the luxurious and opulent lifestyle of the twenties with the majesty and amplitude of Africa. I played with the contrasts and offered very feminine items with noble material : leather, satin, silk, Swarovski crystals, embroideries, jeans or Vilsco wax adorned with pearls, feathers or veils.Then the Fall-Winter 2014 collection is a back to the eighties. In this collection, I have decided to review my classics. It was an ode to the eighties : from angular shapes and silver-tone color like Thierry Mugler’s style, to the black and white of Herb Ritts’ photographies and Guy Bourdin’s pompom.
Without forgetting the inspiration coming from the giant bow of Whitney Houston in her clip “I wanna dance with somebody” and “How will I know”, which quickly became a key piece of the collection.
I have added to this, a mix of colors and materials inspired by Madonna, who is a timeless icon and a true inspiration. A pink dress from “Material Girl” and a black perfecto from “True Blue” cover, allowed me to revive the flame of that time. The styling and the lightness were illustrated by the use of the feather. But also the craziness and the boldness of the leather epitomized a fearless generation.
The Spring-Summer collection 2015 was about the French Riviera : the blending smell of pines and sea, the warm sand, the parties, the elegance and the stars. I have delivered an ode to nature, lightness and freedom where the sixties and the seventies played a central role framed by the beauty of the actresses of these years.
I do believe that these years were synonymous of happiness and love : legendary couples that have become timeless myths on the Côte d’Azur. Alain Delon and Romy Schneider in “La piscine”. Serge Gainsburg and Jane Birkin dancing by the port of Saint Tropez. Or Grace Kelly and Prince Rainer making the Rocher the most glamorous place. Brigitte Bardot with Gunther Sachs nonchalantly letting themselves go while witnessing the tuna-fishing netting. What all these icons have in common is rare elegance. I have played with the interpretation of these years and reviewed them under the light of the year 2015. Turbans and bandanas were made of new materials such as the raffia, originally used exclusively for hats, Now I have adorned them with delicate pearls and embroideries recalling the trendy bathing suits of the sixties.
I have added new shapes, bandanas were larger and able to fully cover the head for a modern, chic and sporty look. The collection is an homage to natural femininity and French elegance.
The Fall-Winter collection 2015 was about the seventies : the orientalism of Yves Saint Laurent and his bewitching Opium, the Studio 54 craziness, the big icons of this period. Playing with the strong codes of this wild decade, I have proposed a sensible and provocative collection full of paradoxes like the fashion icons of that time : the committed Bianca Jagger, the androgynous Jane Birkin, the icy Catherine Deneuve and the Californian Lauren Hutton, 4 women, 4 styles… but it’s mainly Miss Jagger and her extraordinary personality who fascinated me. A free soul, she got married, with a turban, to the greatest British Rock star, while she was pregnant. Believing that nothing is impossible, she started fighting for the protection of human rights and became an international renowned lawyer. Until today, she stands as a true model of strength & style to which I paid tribute in this collection through various mixes, noble materials as always (velvet, silk, wool…) and warm colours (black, navy blue, burgundy, red, fuchsia, brown…). Headbands, turbans, crowns and headpieces were embellished with details such as fringes in crystal pearls, pendants, feather crests, leopard patterns and even a long crocodile spine.
The collection offered many references to the photographers of the seventies : Guy Bourdin and his unique combinations of colours, Lee Friedlander and his work on the gaze.
My last collection theme was “A Night in Livingstone » and Africa was my source of inspiration : landscapes, colors, culture, songs and music. Before sunset, an ounce of madness spreads all around the city of Livingstone, which is at the junction of Zambia, Zimbabwe, Botswana and Namibia. Hence, I have offered a glamorous and sensual collection. I have played with the colors and materials ending up with pieces like turbans made of wax, satin stitch and lurex. The forms are extravagant and for the first time I have offered the high spinned turbans.
9. Who are your current muses ?
Donia Allègue : I am not sure I have muses. But I have the chance to be surrounded by highly inspiring people, starting with my family.
10. How would your describe the “Donia Allegue” woman ?
Donia Allègue : The Donia Allegue woman is aware and proud of her uniqueness. She has personality and isn’t afraid of being herself. She has strong principles and beautiful values.
11. Does the Art Deco period influence your collections ?
Donia Allègue : For the moment, the Art Deco period hasn’t been part of my inspirations. We will see, maybe later…
12. From Diane Kruger to China Moses or Beyoncé, are you the new heartthrob of celebrities ?
Donia Allègue : Well I hope so. I am very lucky to have this exposure given than that my brand is still very young.
13. Where do you sell your collections ?
Donia Allègue : At the Printemps Haussmann, Harvey Nichols Riyadh and soon online.
14. What are your future plans ?
Donia Allègue : Opening a point of sales in Paris. The news will come out very soon.
Situé dans le Val de Loire, à proximité de la Forteresse Royale de Chinon, le château du Rivau est un monument du 15ème siècle qui se dresse du haut de sa majestueuse silhouette au milieu de son parc de 6 ha et de ses 14 jardins. Classé monument historique depuis 1918, la forteresse médiévale du Rivau est digne d’un roman de chevalerie. Lié à l’origine à la famille Beauvau notamment à Pierre de Beauvau, grand chambellan de Charles VII qui vivait à Chinon à cette époque, le lieu a été visité par Jeanne d’Arc laquelle était venue y chercher des chevaux du roi pour le siège d’Orléans. Depuis, le château du Rivau a revécu grâce à l’engagement d’une famille, les Laigneau. Vingt ans de restauration ont été nécessaires pour faire revivre ces pierres.
En l’espace de sept ans, Patricia Laigneau a entrepris la création de 14 jardins contemporains inspirés par l’imaginaire des légendes. Classés en 2003 et 2008« Jardin remarquable », ces jardins se déclinent en onze espaces aux noms évocateurs : le potager de Gargantua, la forêt enchantée, le bois amoureux, le verger de paradis, le jardin des philtres d’amour, le jardin de la princesse Raiponce, le Petit Poucet, le Chemin des fées, la forêt enchantée (…). S’y côtoient lavandes, citrouilles, viornes boule de neige, alliums giganteum, amaranthes trompes d’éléphant, pivoines, dahlias, jonquilles, vieilles variétés de pommiers, et une incroyable collection de 450 variétés de roses parfumées anciennes ou modernes.
Passionnée d’art contemporain, Patricia Laigneau a créé un véritable musée à ciel ouvert animé par de monumentales œuvres contemporaines d’artistes qui alimentent l’imaginaire des visiteurs. Le surdimensionnement de ces œuvres participe au caractère exceptionnel des jardins du Rivau : les bottes XXL de Lilian Bourgeat, le gigantesque pot rouge de Jean-Pierre Raynaud ou la taupe démesurée de Ghyslain Bertholon accentuent le caractère surréaliste des jardins.
Monument privé, ouvert au public depuis dix ans par la famille Laigneau, le Château du Rivau a la particularité de présenter chaque année une exposition d’art contemporain où des artistes renommés réinterprètent l’imaginaire de la vie d’une forteresse médiévale ancrée en Touraine, “Jardin de la France”.
1. Vous considérez-vous comme une figure de l’art du Jardin ?
Patricia Laigneau : Je n’ai pas la prétention de me considérer comme qui que ce soit ! J’essaie d’agir au mieux et de construire des projets auxquels je crois. L’art du jardin m’a offert l’opportunité de créer, en utilisant les végétaux comme médiums.
Inspirée par l’Histoire de l’Art, les couleurs et textures des plantes que je choisis sont à l’origine des tableaux vivants du Rivau. L’art du jardin me permet d’accomplir une passion pour la Création artistique et ce, au fil des saisons.
2. Comment définiriez-vous votre style ?
Patricia Laigneau : Avec modestie, je nuancerais votre question en disant que je recherche un style naturel tout en restant influencée par des mouvements picturaux comme le surréalisme ou le fantastique. En un mot, je pourrais dire que je me sens comme une “artiste de jardin”.
3. Votre histoire s’inscrit dans la grande Histoire du Château du Rivau…
Patricia Laigneau : J’ai essayé de poursuivre les grands récits légendaires du monde de l’enfance que m’inspirait la silhouette du château du Rivau, archétype des châteaux que les enfants dessinent avec ses nombreuses tourelles, donjon et pont levis. Tout naturellement, j’ai pensé que les jardins d’un tel château devaient raconter une histoire. J’ai vécu un conte de fées en ayant la possibilité de créer dans un tel lieu. Aussi, j’ai souhaité partager cette aventure avec nos visiteurs en leur offrant la possibilité de rêver, de sourire et d’oublier les difficultés de notre temps.
4. Comment décriveriez-vous le château du Rivau avec les mots propres à notre époque ?
Patricia Laigneau : Un rêve éveillé, une plongée dans un univers fantasmagorique.
5. Vous êtes à l’origine de la création des 14 jardins du Rivau inspirés des légendes merveilleuses du Moyen Age…
Patricia Laigneau : Au début de cette aventure, qui a quand même mis 20 années à éclore, je me suis ressourcée dans les légendes qui avaient cours à l’époque de la construction du château au 15ème siècle. Et j’ai découvert que Rabelais avec son énorme rire avait fréquenté Le Rivau : j’ai donc ajouté un piment de burlesque. Puis, j’ai trouvé dans les contes de fées de belles sources d’inspiration. Ainsi, nous avons un jardin que j’appelle “le Chemin des Fées” qui suit les traces de Poucette, une minuscule fée qu’un vilain crapaud voulait épouser. Poucette, nous dit le conte, a été sauvé par un florilège d’oiseaux, d’insectes, de papillons qui vivent en osmose avec certaines plantes. Ce sont ces plantes qui peuplent ce jardin et qui favorisent la biodiversité, une notion propre à notre temps. Ainsi l’imaginaire a pris racine dans la flore. Ces végétaux vivent en union les uns avec les autres et favorisent la venue de toutes ces merveilleuses créatures ailées.
6. Comment parvenez-vous à transmettre l’émerveillement propre à la société du Moyen Age à notre civilisation marquée par l’angoisse ?
Patricia Laigneau : Je crois que cette plongée dans un univers parfumé, habité par des plantes spectaculaires et géantes aux couleurs éblouissantes, participe à l’émerveillement qui saisit nombre de nos visiteurs. Mon objectif est de réenchanter le quotidien de nos visiteurs, le temps de leur passage dans notre paradis tourangeau.
“Curly ghost clown” & “Antelope bust” de Marnie Weber, “En traversant le bois” de Nadia Sabourin, “Le Déguisement ” de Pierre Ardouvin & “Noir dessein” de Nadia Sabourin
“La Licorne” de Sun Xue & une des pelles de l’installation de Wim Delwoye
“Blanc Manger’” par Magali Vaillant
7. En quoi consiste le Conservatoire des Légumes ?
Patricia Laigneau : C’est un petit Conservatoire des légumes autrefois cultivés dans la Région Val de Loire et qui ont la plupart du temps disparus car ils souffrent d’une moins bonne conservation que les variétés modernes. Cependant ces variétés avaient des vertus gustatives inégalées et montraient la spécificité de chaque région.
8. Plante-t-on les mêmes plantes que sous Charles VII ?
Patricia Laigneau : Les temps modernes, les grands voyages nous ont amenés les végétaux des Amériques et de l’Asie. La flore était beaucoup plus restreinte au 15ème siècle.
9. Vos 450 variétés de roses parfumées sont devenues célèbres, avez-vous déjà envisagé de créer le parfum du Rivau ?
Patricia Laigneau : Oui il s’agit là encore de l’un de mes rêves.
10. Les Jardins du Rivau participent-ils au rayonnement du Jardin de la France tel qu’on l’entendait par le passé ?
Patricia Laigneau : J’ai toujours essayé de ne pas marcher sur les plate-bandes des grands jardins comme Villandry ou les jardins à la française du Val de Loire. J’ai cherché à composer avec la liberté et la fantaisie de notre époque. L’avenir dira si les jardins du Rivau participent au rayonnement du « Jardin de la France ». Cela dépendra aussi de leur fréquentation car pour maintenir un jardin il faut énormément de travail !
11. Comment le travail des jardiniers est-il organisé ?
Patricia Laigneau : Chaque semaine, je prépare une feuille de route pour les 4 jardiniers à plein temps et le jardinier à mi-temps. Chacun a une mission selon ses compétences et appétences.
12. Quelles sont vos relations avec l’Art Contemporain ?
Patricia Laigneau : L’art contemporain a été pour moi une révélation. Les artistes que j’ai pu rencontrer et leurs oeuvres sont une sorte de fil conducteur dans ma quête d’absolu.
L’équilibre des masses de végétaux qui s’apparente au travail des sculpteurs m’a conduit à imaginer des volumes en végétal. Peinture, sculpture, installation et parfums sont en osmose dans l’art du jardin.
Les questionnements et les débats suscités par l’art contemporain qui m’ont aussi fortement influencés. J’ai compris après mes études d’art contemporain, qu’une œuvre devait avoir du sens, pour aider à avancer sur le chemin de l’âme.
13. Privilégiez-vous la création française ?
Patricia Laigneau : Oui, j’essaie de faire intervenir des artistes pour la plupart français dans les jardins. Leurs œuvres ont pour objectif de créer des surprises. On s’inscrit dans la tradition des jardins du passé où jeux d’eaux, statuaires ou bosquets suscitaient l’étonnement.
14. La Touraine est-elle suffisamment mise en avant en France comme à l’étranger ?
Patricia Laigneau : Je ne m’en rends pas bien compte à dire vrai. En un sens oui, car le terme Loire Valley est entendu dans le monde entier et vraiment emblématique, mais au delà des quelques incontournables je pense finalement que peu d’étrangers sillonnent le pays en profondeur. Ceci étant, la région de Touraine offre une histoire naturelle et humaine peu commune, une cuisine giboyeuse et vineuse, un climat doux et un patrimoine d’exception. Autant de facilités pour le rayonnement naturel de la région…
15. Quel est votre premier souvenir tourangeau ?
Patricia Laigneau : Mon arrivée au château du Rivau : un si beau château blessé par le temps, harmonieux et impressionnant. Le tuffeau, les hautes toitures d’ardoises : des images merveilleuses.
Born in Montreal in 1951, Robert Polidori is one of the world’s most acclaimed photographers of human habitats and environment. Robert Polidori moved to the United States as a child and began his career in avant-garde film, assisting Jonas Mekas at the Anthology Film Archives in New York, an experience that shaped his approach to photography.
While living in Paris in the early 1980s, he began exploring the restoration of the interiors of Versailles, and has continued over a 30 year period to photograph the ongoing changes. He then returned to New York in 1997 with a show of twelve photographs from the Versailles series at Robert Miller Gallery. These series of photographs surveys the concept of historical revisionism as seen through the practice of restoration of historical landmarks.
Creating large-format color film photographs, Robert Polidori’s images record a visual citation of both past history and the present times within the confines of a single frame. He captures the vestiges that evoke the essence of each setting and its particular meaning.
The Versailles series introduce the witness into the intimacy of a family house left unoccupied by its inhabitants and still bearing the scars of a time gone by. The colour intensity is enhanced by the refined elegance of the classic and yet modern interiors that give an overview of the infinite splendour of the last few centuries.
By capturing these vestiges, Robert Polidori pays a wonderful homage to the kings & queens who have took part in extending the renown of France’s special culture & taste throughout the world over centuries.
Fondateur et directeur artistique du Poème Harmonique, Vincent Dumestre explore avec son ensemble le répertoire vocal et instrumental du XVIIe et du début du XVIIIe siècles. Entouré d’une troupe d’artistes fidélisés, il s’attache à faire revivre les arts scéniques baroques, favorisant ainsi dans nombre de ses projets la rencontre entre les disciplines artistiques.
Vincent Dumestre est né en mai 1968. Après des études d’histoire de l’art à l’Ecole du Louvre et de guitare classique à l’Ecole Normale de Musique de Paris, il se consacre à la musique pour luth, guitare baroque et théorbe qu’il étudie lors de stages avec Hopkinson Smith, Eugène Ferré, au CRR de Toulouse avec Rolf Lislevand, et au CRR de Boulogne dans la classe de basse continue, où il obtient son diplôme supérieur à l’unanimité. Il participe dès lors à de nombreux concerts, notamment avec les ensembles Ricercar Consort, La Simphonie du Marais, Le Concert des Nations, La Grande Ecurie et la Chambre du Roy, Akademia, le Centre de Musique Baroque de Versailles, avec lesquels il a réalisé une trentaine d’enregistrements.
C’est en 1998 qu’il fonde le Poème Harmonique – compagnie musicale spécialisée dans le répertoire baroque – dont il définit les orientations artistiques et assure la direction. Dès ses premières productions, l’ensemble est immédiatement remarqué, et la revue Diapason élit Vincent Dumestre « jeune talent de l’année 1999 » pour le travail qu’il effectue au sein du Poème Harmonique. Ses enregistrements reçoivent les meilleures récompenses de la presse (Diapason d’Or de l’année, Choc du Monde de la Musique de l’année, Recommandé par Classica, Répertoire, Opéra International, Télérama etc.).
Si son parcours artistique se confond alors essentiellement avec celui de l’ensemble qu’il anime, Vincent Dumestre occupe une place singulière sur la scène baroque internationale. Seul musicien à diriger une compagnie directement impliquée dans la production de spectacles scéniques de grandes dimensions (Le Bourgeois Gentilhomme en 2004, Le Carnaval Baroque en 2006, Cadmus et Hermione en 2008, Egisto en 2012), il contribue à une nouvelle perception des rapports entre musique et théâtre. Cette approche artistique suscite un immense engouement tant de la part des critiques, avec d’innombrables récompenses en France comme à l’étranger, que du public, plus de 120.000 spectateurs ayant vu ces spectacles, dont les DVD se vendent par dizaines de milliers.
Le même esprit d’innovation se retrouve dans les programmes de chambre auxquels Vincent Dumestre continue à prendre part comme instrumentiste avec ses chanteurs et musiciens. Ce versant de son travail reste fondamental pour lui, même si l’évolution du Poème Harmonique l’amène à développer son activité de chef d’orchestre. Ces quatre dernières années, la renommée de Vincent Dumestre et du Poème Harmonique a connu un développement spectaculaire, les productions scéniques et concerts de l’ensemble étant désormais accueillis par les programmateurs les plus prestigieux en France et à l’étranger.
En 2004, le Ministre de la Culture nomme Vincent Dumestre Chevalier des Arts et des Lettres. En 2005, il reçoit le grand prix du disque et du DVD de l’Académie Charles-Cros, catégorie musique baroque, pour son Bourgeois Gentilhomme mis en scène par Benjamin Lazar.
1. Vous considérez-vous comme une figure de la musique ?
Vincent Dumestre : Ce serait bien prétentieux ! Je tâche modestement de participer à l’élan majestueux qui est celui de l’affirmation de la musique ancienne dans le panorama des musiques que le public écoute, dans le monde, depuis un grand demi siècle. Cette musique d’autrefois, pour des raisons inhérentes à son écriture, son évolution et à l’histoire de son édition, donne aux interprètes une assez grande place pour son interprétation renouvelée – suffisamment en tout cas pour qu’il y ait des époques et des genres très divers depuis 50 ans. J’ai insufflé pour ma part, l’un de ces courant – tout en étant moi-même influencé par les styles de mes collègues et des maitres qui m’ont nourris. Artisan et artiste, en somme.
2. Comment définiriez-vous votre style ?
Vincent Dumestre : Mon style est lié au cœur du répertoire que je défends, celui du 17ème siècle, ce qu’on peut appeler le premier baroque. C’est une musique d’une grande sensualité, qui joue – au sens ludique du terme – avec l’improvisation et avec la couleur des instruments et des voix. Coloriste donc. J’y recherche toujours un équivalent musical de l’oxymore en poésie, cet élément fondateur de la culture baroque dont Eugène Green parle si bien dans sa Parole Baroque. Et c’est à travers cette figure d’opposition qui est selon moi un principe musical de cette époque que je conçois une théâtralité baroque : entre le répertoire profane et le répertoire sacré romain, entre les écritures savantes et les formules populaires vénitiennes, entre la puissance de l’appareil mélodique et la construction harmonique naissante alors, tout ou presque se range à la figure de l’oxymore.
3. Quelle fut votre première rencontre avec la musique classique ?
Vincent Dumestre : Mes parents écoutaient assez peu de musique classique. Quelques 33 tours tout de même, des Concertos de Bach pour clavecin, la musique sacrée de William Byrd, et plus étonnement, de la musique pour luth baroque française par Hopkinson Smith ! Mais l’essentiel était plutôt reggae, musique afro-cubaine, musiques folk… J’avais une dizaine d’année. J’ai découvert alors le piano à l’âge de 12 ans, et malheureusement en même temps que lui j’ai découvert le fonctionnement d’un conservatoire, alors inadapté à mes attentes en matière de musique… J’ai donc arrêté, joué de la guitare rock et folk, pour ensuite reprendre des études de guitare classique, qui m’ont mené à l’Ecole Alfred Cortot, à Paris, pour un parcours enfin classique. Le luth est venu naturellement, ensuite…
4. Présentez-nous le Poème Harmonique que vous avez fondé en 1998 et dont vous êtes le Directeur Artistique…
Vincent Dumestre : Il y a beaucoup à dire après dix-sept ans d’existence ! Bien sûr, l’attachement au 17ème siècle et aux répertoires oubliés reste encore aujourd’hui un dénominateur commun. De Bellerofonte Castaldi à Luís de Briceño, nous avons exhumé des trésors, pas seulement parce qu’ils le méritaient, mais parce que cela correspond pour moi à une manière d’envisager le métier de musicien. À mon sens, on ne peut aborder le baroque uniquement à travers le prisme de quelques chefs-d’œuvre déjà consacrés : pour comprendre l’esprit de la musique que je joue et dirige, il me faut pratiquer les partitions qui composaient l’air du temps à ces époques, qui sont comme le sous-texte de celles que l’on connaît déjà. Ce n’est qu’en passant par l’air de cour, la chanson populaire et les multiples tendances musicales françaises du XVIIe siècle, par exemple, que je parviens à embrasser la richesse d’un opéra comme Cadmus et Hermione. C’est aussi ce qui me permet de monter parfois des pièces maitresses comme le Te Deum de Charpentier ou le Combattimento de Monteverdi : je ne le ferais pas si je n’étais pas prêt à y mettre en relief ce qui relève de parentés laissées pour compte.
Outre cette question des différentes influences, j’attache une grande importance à la notion d’harmonie, présente dans le nom de mon ensemble. Moi-même luthiste, théorbiste et guitariste, je suis particulièrement sensible à la manière dont la polyphonie naît et se déploie, et surtout aux timbres qui la font exister. C’est pourquoi nos interprétations se distinguent souvent par une grande richesse de couleurs, là où nous pourrions nous contenter, par exemple, d’un continuo réduit à deux ou trois instruments. Aujourd’hui, notre place sur la scène musicale internationale et notre expérience de nombreux répertoires nous permettent de mener de front des projets ambitieux et très divers. La saison qui vient nous verra par exemple reprendre Didon et Énée de Purcell tout en présentant Cœur, un nouveau programme d’airs de cour récemment paru en disque, en même temps que nous créerons To be or not to be, un spectacle que j’ai imaginé avec le metteur en scène Vincent Huguet et qui fait se rencontrer Purcell et Shakespeare. Ces spectacles originaux, de notre cru, et qui font se rencontrer différentes disciplines artistiques, sont un autre élément de notre identité, une autre manière de présenter les multiples facettes qui composent l’esprit baroque.
5. Vous avez consacré un album aux Carnets de voyage de Charles Tessier, compositeur du 16ème siècle…
Vincent Dumestre : Carnets de voyage est le titre de l’album, ceux des recueils de Tessier étant plus conventionnels. Il convient cependant parfaitement à cette figure fascinante, dont une grande partie de la carrière se déroule au 16ème siècle, mais qui est véritablement un lien entre la renaissance et le baroque, en même temps qu’entre la musique populaire et la savante. Ses destinations attestées ou supposées incluent bien sûr l’Italie, l’Angleterre, l’Allemagne, l’Espagne, mais également l’Arabie !
Tessier est emblématique de ce que j’évoquais précédemment, à savoir l’extraordinaire rencontre de codes nationaux, esthétiques, sociaux et symboliques qu’est le baroque. Comme Dowland, il publie ses airs à la fois en polyphonie et pour voix seule avec accompagnement de luth, pour satisfaire à la sensibilité du siècle qui s’en va comme à celle du siècle qui vient. De même, ses recueils voient se côtoyer la poésie la plus galante et les chansons les plus gauloises ! Il est l’un de ces personnages qui aident à se représenter la vitalité de la vie artistique et musicale au tournant du XVIIe siècle, dans un monde en mouvement où s’entrechoquent des éléments on ne peut plus hétérogènes.
6. Dans un autre répertoire, Aux Marches du palais et Plaisirs d’amour furent deux succès discographiques du Poème Harmonique…
Vincent Dumestre : Ces deux projets autour de la chanson populaire n’étaient pour ainsi dire pas prévus au programme et relèvent plus d’un chemin qui s’est ouvert que d’un itinéraire tracé à l’avance. J’ai voulu me confronter à ce répertoire notamment pour m’imprégner des influences qui parcourent la musique savante baroque, et sans lesquelles celle-ci perd une grande part de sa saveur. Ceci étant, j’ai des affinités sincères et anciennes avec la musique populaire, que j’ai chanté et joué dans ma jeunesse. Ce travail était aussi l’occasion de remettre en question l’opposition entre domaines populaire et savant. Premièrement parce que certaines chansons sont très complexes et trahissent une circulation à travers des milieux artistiques érudits, la seule distinction pertinente concernant en fait le mode de transmission, oral ou écrit. Deuxièmement parce que ces deux sphères, populaire et savante, ne s’opposaient pas à l’époque ; simplement, les élites, qui connaissaient les musiques populaires à travers la vie de tous les jours, l’intégraient aux techniques et aux formes de la culture aristocratique et bourgeoise. Mais s’il fallait ne retenir que l’essentiel de ces albums, ce serait le lien tissé entre nos sensibilités de mélomanes et d’enfants, et la perpétuation d’une œuvre venue du fond des âges, à la fois singulière et universelle, à l’heure où nos esprits deviennent toujours plus dépendants de technologies virtuelles et sans mémoire.
7. Comédiens, danseurs, chanteurs, marionnettistes, artistes du cirque… Tous les arts sont sollicités au sein de vos spectacles scéniques (Le Bourgeois Gentilhomme, Cadmus & Hermione, Caligula, Le Carnaval Baroque (…) : le Poème Harmonique se veut fédérateur de toute forme d’art baroque ?
Vincent Dumestre :Fédérer, cela semble supposer d’agir en démiurges, comme s’il fallait inventer ces rencontres entre les arts. Or, elles sont essentiellement baroques ; nous ne faisons qu’aller au bout de notre démarche, au lieu de nous arrêter à restituer la musique. Si je me tourne en tant que musicien vers le répertoire qui est le nôtre, c’est par passion pour la sensibilité de cette époque, sous tous ses aspects. De même que je ne m’imagine pas diriger une tragédie lyrique sans y entendre l’héritage de l’air de cour et de musiques populaires, je suis hanté par l’imaginaire pictural, littéraire, architectural, scénique du baroque. Dans des œuvres comme Le Bourgeois gentilhomme et Cadmus et Hermione, Benjamin Lazar et moi-même avons reproduit à notre manière des éléments propres à la scénographie du temps de Lully : l’éclairage à la bougie, l’interaction avec le théâtre, la machinerie scénique… Le Carnaval Baroque et Venezia sont des créations originales, des rêves où prennent vie mes goûts et ceux des metteurs en scène, mais les scènes de rues où se croisent danseurs, acrobates et artistes de cirque sont attestées par les témoignages du 17ème siècle.
8. Vos spectacles semblent vouloir rendre à la musique sa vocation spectaculaire et populaire ?
Vincent Dumestre : Toutes les œuvres que je présente avec Le Poème Harmonique ne sont pas intrinsèquement populaires ou spectaculaires, mais toutes vont plus loin que les seules sources écrites qui nous sont parvenues. Je cherche, en passant encore une fois par l’exploration la plus vaste possible d’une époque, à faire ressortir ce qu’une partition a de vivant, ce qui la relie à la vie de tous les jours ou à d’autres productions musicales, savantes ou non. Surtout, je m’applique à présenter les choses d’une manière qui puisse parler au public, à laquelle on soit immédiatement sensible ; tout ce qui peut m’occuper intellectuellement doit pouvoir se sentir, sans qu’on ait à reconstituer le fil de ma pensée pour apprécier la musique. C’est une chose qu’on apprend vraiment avec le temps, plus qu’avec les rencontres : ce qu’on fait sur scène, avec nos instruments, ne nous appartient pas, c’est la perception du public qui y donne du sens et de la valeur, même si l’on anticipe en partie cette perception. Il est formidable et touchant de remarquer, à l’issue d’un concert, la diversité des témoignages que peuvent apporter les auditeurs. En ce qui concerne la dimension proprement populaire et spectaculaire, certains programmes, comme Le Carnaval Baroque, la suggèrent naturellement, d’autres moins – je pense, par exemple, aux Leçons de Ténèbres de différents auteurs que nous jouons. L’essentiel est de créer un lien avec ceux qui nous écoutent, et quand la transposition de l’esprit baroque donne une mise en forme qui plait à tout les publics, il ne faut surtout pas s’en priver !
9. Quelle part tient la rechercher historique dans vos projets ?
Vincent Dumestre : Dans les premières étapes d’un projet, je veille à rassembler le plus grand nombre de sources possible, concernant à la fois le répertoire dans lequel je m’apprête à puiser et les pratiques musicales attestées à une certaine époque dans une certaine esthétique, voire dans une œuvre en particulier. Quand nous avons enregistré le Combattimento de Monteverdi, nous venions de retrouver à Venise le palais et la salle dans lesquels l’œuvre avait été créée ; d’après la configuration des lieux, il était évident que l’instrumentarium et la scénographie ne pouvaient dépasser une certaine dimension, une certaine amplitude. Je m’entoure également de chercheurs, spécialistes des différents répertoires que j’aborde.
Si nos interprétations paraissent souvent très libres et spontanées, c’est qu’après avoir minutieusement fouillé les manuscrits et témoignages d’époque, j’oublie justement cette partie théorique, ou plutôt je l’incorpore à mon jeu, à ma direction, comme quelque chose d’acquis. C’est la même chose lorsqu’on veut faire entendre dans un répertoire les échos d’un autre : lorsque c’est suffisamment intégré, il n’y a plus besoin de pointer chaque chose du doigt. Mais bien sûr, pour se faire une idée suffisamment complète des périodes que j’aborde, il faut beaucoup chercher.
Vincent Dumestre : Quand c’est possible, j’évite de faire passer des auditions. Je préfère travailler directement avec les gens en répétition, les mettre à l’aise, écouter ce qu’ils ont à dire et voir comment ils réagissent à mes propositions. De manière générale, j’aime la singularité, plus que le consensus : je suis enthousiaste et travaille volontiers avec des chanteurs qui ont leur propre univers, proche du mien ou non, mais riche et clairement dessiné. C’est ainsi que j’ai pu construire un travail avec Pino de Vittorio, unique dans ses allers retours entre traditions orales et musiques savantes, avec Isabelle Druet, Marc Mauillon ou Claire Lefilliâtre.
Vincent Dumestre :L’année 2016 sera marquée par un investissement plus fort que jamais dans la musique anglaise. Outre la reprise de Didon et Énée à Rouen, Versailles et Vichy, un programme à grand effectif orchestral et choral réunira des hymnes de Purcell et l’Ode sur la mort de Henry Purcell de Jeremiah Clarke, chef-d’œuvre d’un compositeur injustement oublié. Et puis il y a ce spectacle que j’ai évoqué précédemment, To be or not to be, où se répondent des scènes de Shakespeare et des pages orchestrales de Purcell, pour rêver la rencontre de ces deux génies séparés par le temps. J’ai retrouvé pour l’occasion le seul récitatif jamais composé sur le soliloque de Hamlet, dont la musique est de Cesare Morelli, et autour duquel se construit un spectacle mené par des personnages antinomiques, dans la veine de nos précédentes créations scéniques. Je partirai également en tournée avec Cœur, programme d’airs de cour qui paraît actuellement chez Alpha, et après avoir donné les Leçons de Ténèbres de Cavalieri, Lalande et Couperin, j’aborderai celles de Charpentier, couplées avec ses magnifiques Méditations pour le Carême, écrites pour voix d’hommes.
Mais surtout, l’année 2016 marque l’ouverture de la Chapelle Corneille à Rouen. La Région Normandie m’offre la possibilité de programmer dans ce lieu baroque par excellence, d’y créer, produire, et diffuser le Poème Harmonique, sous toutes ses formes musicales, d’y inventer les liens baroques que la musique partage avec la peinture (en collaboration avec le Musée des Beaux Arts de Rouen), avec la gastronomie (avec un chef étoilé rouennais qui viendra improviser un diner baroque sur un thème musical), avec la littérature (Mickael Edwards de l’Académie Française y viendra parler de Shakespeare, justement)…
J’y créé le 1er concours International pour solistes en Musique Ancienne, et j’y inviterai des formations amies et collègues : on y entendra notamment Jean Rondeau, Jordi Savall, ou Justin Taylor… Bref, une vraie fête baroque, qui commencera le 5 février avec les fameux Selva Morale de Monteverdi, ou nous ferons résonner les voutes du 17ème siècle de ce lieu dont Marie de Médicis a posé la première pierre…
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I K O N E S S 
